La Biblioteca Langlois

CAFÉ-BAR CINEMA

2012-01-09T09:00:00.005+01:00

Café-Bar Cinema. Cafés, bares y clubes de película
Jesús Lens
Granada, Almed, 2011
454 pp. (+ 16 láminas) - 24 €

Como ya dije en cierta ocasión, tenía mucha curiosidad por leer este libro, y no solo porque el tema que trata me interesase bastante (que también): a ningún visitante habitual de esta página dedicada a los libros de cine, o incluso a nuestro blog hermano mayor Abandonad toda esperanza, se le escapará que Jesús Lens, el autor del presente Café-Bar Cinema, fue quien escribió con el que esto firma aquel Hasta donde el cine nos lleve, subtitulado "Viajes y escenarios de película", que como el presente publicó la editorial granadina Almed.

Casablanca: Rick's, uno de los más famosos locales de cine

En la gestación del presente proyecto, el también autor del indispensable blog Pateando el mundo me sugirió la posibilidad de encararlo de nuevo a cuatro manos. Por un lado, la oferta resultaba atractiva -el libro que escribimos entre ambos nos deportó no pocas alegrías-, pero por otro la necesidad de llevar a cabo algunos proyectos pendientes me llevó a declinar el ofrecimiento. Lens, lejos de amilanarse -cualquiera que lo conozca personalmente sabrá que el verbo amilanar no se encuentra en su diccionario-, decidió acometer la faena en solitario. Y vaya si lo consiguió: el resultado de su cinefilia y su tesón es este libro de más de cuatrocientas páginas que ya puede encontrarse en las librerías.

Barfly, El corazón del ángel, Sin City...
Mickey Rourke, de bar en bar

Café-Bar Cinema sigue una estructura pareja a la de Hasta donde el cine nos lleve: una historia personal e intransferible -ahora todavía más, al ser una autoría no compartida- del séptimo arte a partir de un tema en concreto; si allí fueron los viajes, los escenarios y los medios de transporte como símbolos de la naturaleza itinerante del ser humano, Lens apuesta ahora por todo lo contrario: por un lugar de descanso y esparcimiento donde hasta los más nómadas se detienen en alguna que otra ocasión: el bar. O la cafetería, el restaurante, la posada, la cantina o el club social de turno.

La taberna del irlandés: Lee Marvin y John Wayne,
a las órdenes de John Ford

Podrá argumentarse que esta no es más que una excusa para escribir de las películas que a uno le apetezca... y no sería faltar a la verdad. Ya al hilo de Hasta donde el cine nos lleve, y en cualquiera de las presentaciones de dicha obra -más de una y de dos oficiadas por el escritor Fernando Marías, a la sazón autor del prólogo del presente libro-, los autores manifestamos que el punto de partida era eso, un mero punto de partida, que nos dejaba si no manga ancha, sí un cierto margen amplio de movilidad para desarrollar filias y fobias, pero sobre todo filias, particulares en esto del gusto cinéfilo.

La cara más amarga de la hostelería:
el alcoholismo de Días sin huella

Así, aunque en una primera parte de este libro que lleva por subtítulo "Cafés, bares y clubes de película" se sigue un cierto orden temporal -"El mundo antiguo y medieval", "Los Bárbaros", etc.-, enseguida se atiende más a una clasificación de carácter geográfico, para luego tratar temas, aspectos, géneros y realizadores muy concretos. Así, uno de los capítulos está dedicado a una nómina de directores que al autor le parecen significativos del tema tratado: así, por las páginas de Café-Bar Cinema se dejan ver Woody Allen, Mariel Hemingway y el Elaine's de Manhattan, David Lynch y la discoteca de Corazón salvaje, Quentin Tarantino y las camareras sin propina de Reservoir Dogs, Michael Mann y la mesa de restaurante que compartieron Robert De Niro y Al Pacino en Heat, o Martin Scorsese y los billares de El color del dinero.

Michael Mann dirige a Pacino y De Niro en Heat

De esta manera, la estructura del libro, sin ser ni mucho menos casual, sí permite tanto leerlo de corrido, como si de una novela se tratase, o a salto de mata, como quien lee un poemario, una enciclopedia o un diario personal. Por ello no es de extrañar que no arranque con los albores del cine -aunque Lens sí se acordará de la famosa Riña en un café de Fructuoso Gelabert, primera producción patria de ficción-, sino en un establecimiento tan poco recomendable como a la postre muy atrayente: La Teta Enroscada de Abierto hasta el amanecer, donde la Satanico Pandemonium que encarna Salma Hayek y que filma Robert Rodriguez con la colaboración de su compinche Tarantino lleva a cabo un numerito que nadie que haya disfrutado habrá podido olvidar.

Salma Hayek encandila a Tarantino (y al espectador)
en Abierto hasta el amanecer

A partir de ahí se sucederán sin descanso cientos de bares fijados en la retina del autor en tanto que espectador gracias a otros tantos cientos de películas, y junto a películas muy conocidas o incluso consideradas como clásicos incontestables del cine (Casablanca, Días sin huella, El hombre tranquilo, La dolce vita, El Padrino y otros muchos títulos de oro) aparecen, y esto es más de agradecer, filmes estupendos que no son tan tenidos en cuenta como se merecen. Este es el caso de joyas como El invisible Harvey, El silencio de un hombre, Asesinato por decreto, El corazón del ángel o, centrándonos en nuestro cine, la magistral Los lunes al sol, el documental sobre jazz latino Calle 54 o la muy reciente (y soberbia) No habrá paz para los malvados.

José Coronado, a punto de tomarse una copa
en No habrá paz para los malvados

Por supuesto, el western cuenta con un lugar destacado, arrancando gracias al saloon en el que empieza Río Bravo, una de las (muchas) obras maestras de Howard Hawks. Tampoco faltan los locales de Johnny Guitar o de producciones más recientes como Sin perdón o Lone Star, aunque como no podía ser de otra forma, y frente a Nicholas Ray, Clint Eastwood o un merecidamente reivindicado John Sayles, es el gran John Ford quien se lleva la parte del león gracias a filmes inolvidables como Pasión de los fuertes, Centauros del desierto o El hombre que mató a Liberty Valance.

Dean Martin, un sheriff con problemas
con la bebida en Río Bravo

Pero, por supuesto, en este Café-Bar Cinema visitaremos muchos más negocios: los locales de ocio de Las Vegas que muestran Bugsy, Casino o la reivindicable Showgirls, los clubes de Cocktail o El bar Coyote, o los establecimientos que salpican la geografía de África, Asia y Oceanía, desde películas tan aplaudidas como Sólo los ángeles tienen alas o Memorias de África a productos tan inanes, pero de indudable éxito, como Cocodrilo Dundee y sus secuelas... Para terminar, como en Hasta donde el cine nos lleve, con el futuro: esta vez, el de La naranja mecánica, Blade Runner o la saga Star Wars.

El futuro de La naranja mecánica empieza
en un bar de copas

Pero no es esta exhaustividad donde radica el mayor acierto de Café-Bar Cinema, aunque sea uno de sus principales atractivos. Lo mejor del presente libro es la interdisciplinariedad, rasgo representativo de cualquier empresa cultural que Lens acomete: el cine es tan solo uno de sus intereses, y la televisión, la música, la literatura, el cómic o la pintura son otras disciplinas que también se convierten en objeto de debate en las páginas de Café-Bar Cinema. Así, la pequeña pantalla (cuya ficción vive un momento de esplendor, qué duda cabe), es presencia habitual en este libro gracias a producciones como Los Soprano, Perdidos, Roma, Mad Men, Treme o las más veteranas Cheers, Twin Peaks, Doctor en Alaska o la superviviente contra viento y marea Los Simpson. Pero también saltarán al paso del lector unos versos de un poema de García Lorca o de un tango de Carlos Gardel, un cuadro de Edward Hopper o un disco de Tom Waits, pasajes de la novela negra del siglo XX (de Chester Himes a Lawrence Block), o citas de intérpretes de jazz o de cómics de Alan Moore o Frank Miller. Todo ello, esto sí, perfectamente hilado y justificado.

¿A quién no le ha apetecido alguna que otra vez
tomarse una copa en Cheers?

Por si esto fuera poco, el autor se encarga de pasearnos cual guía turístico por los locales tal y como existen en la realidad, muchos de ellos convertidos en lugares de peregrinaje para los fanáticos de las películas o las series de televisión en cuestión, si no lo eran ya por otras razones: del Moulin Rouge inmortalizado en el cine por John Huston y Baz Luhrmann al Bada Bing! de Los Soprano, pasando por el Café des 2 Moulins donde trabaja Amélie Poulain o la cafetería del orgasmo fingido más famoso de la historia del cine (el de Meg Ryan en Cuando Harry encontró a Sally). Así, Café-Bar Cinema es tanto un libro sobre cine como una guía de viajes (reales o no: sus páginas están salpicadas de direcciones de Internet con visitas virtuales) de lo más útil para el aficionado.

El café de Amélie, visita obligada para los fanáticos
del film (o de Audrey Tatou)

Dicho esto, ¿puede echársele en cara a este Café-Bar Cinema algún aspecto negativo? En efecto: podría destacarse que en algunos momentos el texto adolece de algún que otro pasaje descompensado, como el de dedicar once páginas a Bajo el volcán, por más que el triángulo formado por Malcolm Lowry, John Huston y México resulte fascinante, frente a una mera mención a la, de acuerdo que más discreta, Resacón en Las Vegas. Pero esto es pecata minuta, mientras que el principal problema del libro resulta intrínseco a su naturaleza: habrá que decir aquello de "no están todas las que son, pero sí son todas las que están", como advertencia para que todo aquel lector que no encuentre en su interior la que para él pueda ser la película sobre bares definitiva no se sienta estafado: si hubiese que atender a todas las peticiones del respetable, el presente libro sería un work in progress que se prolongaría ad aeternum...

Resacón en Las Vegas: los protagonistas,
antes de correrse una juerga

Para satisfacer esta posiblidad, así como para su interés por las nuevas tecnologías y la interactuación del autor con el lector, Lens creó esta página en Facebook. Échenle un vistazo, y participen directamente en dos historias, la del cine y la de este libro, que todavía se están escribiendo. Y luego cuéntenselo a sus familiares y amigos en su bar de confianza.

Los mejores libros del 2011

2012-01-05T09:00:00.007+01:00

En nuestro blog hermano mayor, Abandonad toda esperanza, publicamos hoy una lista de los mejores libros leídos en 2011, incluyendo una sección de No Ficción. Pero como especificamos allí, no incluimos en dicho listado los libros de temática cinematográfica, dejando estos para esta web temática. Hemos elegido, de entre todos los libros leídos, los cinco que más nos han gustado, enlazando a lo que escribimos en su día sobre ellos. Sin más dilación, he aquí el Top 5 de libros de cine del 2011, en orden ascendente:

5.º- Tim Burton
Antoine de Baecque (Cahiers du Cinéma)

4.º- François Truffaut. El deseo del cine
Carlos Losilla, coord. (Donostia Kultura)

3.º- NeoNoir. Cine negro americano moderno
Jesús Palacios, coord. (T&B)

2.º- La bestia en la pantalla. Aleister Crowley y el cine fantástico
Jesús Palacios, coord. (Donostia Kultura)

1.º- Jesús Franco
Carlos Aguilar (Cátedra)

Felicidades, sobre todo, a Jesús Palacios, que hace doblete como coordinador de dos volúmenes colectivos, y a Carlos Aguilar, autor del que nos parece no solo el mejor libro de cine del año, sino también uno de los más necesarios y, por qué no decirlo, susceptibles de despertar sanas discrepancias.

Sugerencias para la Noche de Reyes

2012-01-02T12:00:00.002+01:00

En las recomendaciones para la Noche de Reyes de nuestro blog hermano mayor, Abandonad toda esperanza, dos libros de cine: el muy recomendable Café-Bar Cinema de Jesús Lens y la última edición de la imprescindible Guía del cine de Carlos Aguilar... además de una novela a punto de ser llevada al cine por segunda vez (El gran Gatsby) y un libro sobre un escritor que en repetidas ocasiones nutrió de historias a la gran pantalla: Ernest Hemingway.

TIM BURTON

2011-12-26T09:00:00.006+01:00

Tim Burton
Antoine de Baecque
París, Cahiers du Cinéma, 2011
224 pp. - 35 €

Tim Burton, el objeto de estudio de esta obra publicada originalmente en 2005, revisada y actualizada en 2010 y ahora traducida al español, es un caso único en la historia del cine: en el siempre complicado equilibrio entre las ínfulas de autor y los imperativos de la gran industria hollywoodiense, o te mantienes totalmente al margen o te vendes irremediablemente. Pero como ha demostrado con cada una de sus películas, y como también demuestra al analizarlas todas y cada una el crítico Antoine de Baecque en este Tim Burton editado por Cahiers du Cinéma, el realizador norteamericano que comenzara trabajando para Disney y cuya estética se ha convertido hoy en una marca de fábrica reconocible en todo el mundo ha logrado conciliar ambas tendencias sin tener que ceder ni un ápice. Es decir: en lugar de amoldarse al mundo que le rodea, ha logrado que el mundo se amolde a él. Ahí es nada.

El mundo siniestro de Tim Burton

A diferencia de otros libros de Cahiers, como Eastwood on Eastwood o Scorsese on Scorsese -que, como sus títulos indican, se construyen a partir de las declaraciones de los propios realizadores-, este Tim Burton es un análisis crítico personal por parte de un ex jefe de redacción de la mítica revista francesa y autor de estudios de realizadores galos como Jean-Luc Godard, François Truffaut o Maurice Pialat, que a lo largo de más de doscientas páginas lujosamente ilustradas recorre la carrera profesional del realizador, desde sus comienzos como ilustrador en Tarón y el caldero mágico hasta su polémica adaptación de Alicia en el País de las Maravillas.

Poe + Price + Burton = Vincent

Así, el primer capítulo del libro, titulado "El niño vidente", De Baecque relata la infancia del joven Tim en Burbank, que es la de un niño inadaptado que busca refugio en la fantasía más siniestra, aquella que le ofrecían los cuentos de Edgar Allan Poe, las películas de terror de la Universal, los filmes japoneses protagonizados por Godzilla... y muy particularmente los largometrajes en los que participaba aquel actor tan elegantemente inquietante que fue Vincent Price. Una admiración la que sentía por el intérprete que llevaría al realizador a contar con aquel primero en el cortometraje Vincent -un rendido homenaje a Price tanto como un relato autobiográfico- y después en Eduardo Manostijeras, en la que el actor interpretó al creador del protagonista, encarnado a su vez por Johnny Depp... futuro actor fetiche del cineasta.

Pee-Wee Herman protagonizó el primer film de Burton

En el segundo capítulo, "Un mundo emergente", De Baecque se centra en los primeros pasos de Burton como realizador: esto es, los cortometrajes Vincent y Frankeenwie -este una revisión de la inmortal novela de Mary W. Shelley protagonizada por un perro resucitado por su joven dueño- y la fallida La gran aventura de Pee-Wee, su largometraje de debut y una de sus películas menos redondas, construida a mayor gloria del otrora popular cómico, luego caído en desgracia, Pee-Wee Herman.

Bitelchús: se empieza a definir lo burtoniano

A partir de este punto y salvo muy contadas excepciones, cada epígrafe estará dedicado a cada uno de los largometrajes siguientes realizados por Burton, todos ellos ya de más enjundia: un buen ejemplo es Bitelchús, un encargo de la Warner que parecía hecho a su medida, y donde el realizador empieza a definir su personalidad temática y visual, al mismo tiempo que colabora por primera vez tanto con Michael Keaton (que será su Bruce Wayne / Batman en dos ocasiones) como con Winona Ryder (con la que repetirá en la citada Eduardo Manostijeras).

Burton dirigiendo a Batman (Michael Keaton)
y Catwoman (Michelle Pfeiffer)

Precisamente a estas películas están dedicados los tres capítulos siguientes... Se le agradece al autor del libro, particularmente en los dos capítulos dedicados al Hombre Murciélago creado por Bob Kane, el detenerse en comentar los orígenes del proyecto (esto es, los cómics de DC) y la siempre lenta preproducción de unos largometrajes tan complicados como estos, en los que el interés del realizador choca con la intención de los productores y con las expectativas del público potencial. Así, y pese a que Batman y Batman vuelve gustaron a casi todo el mundo (la segunda resultó mejor recibida por la crítica, pero el éxito en taquilla de la primera fue brutal), Burton no quedó contento con las continuas intromisiones -sobre todo en el primer film- de la Warner.

Jack Skellington: otro alter ego de Burton,
pero esta vez animado

Posteriormente, De Baecque comenta Pesadilla antes de Navidad, un film que, paradójicamente (dado que como director lo firma el animador Henry Selick) se ha convertido en uno de los títulos que más generalmente se asocian al universo del realizador: no en vano los personajes son creación propia, y el enfrentamiento entre la Navidad (representada por el popular Santa Claus) y la festividad de Halloween (con el simpar Jack Skellington como rostro visible) resulta definitorio del modo en que Burton parece ver el mundo que le rodea.

Ed Wood: el cine dentro del cine según Tim Burton

A continuación se comentan dos filmes como Ed Wood y Mars Attacks!, que a pesar de ser, respectivamente, considerados como la que es posiblemente su obra maestra y uno de sus filmes fallidos, De Baecque las comenta con igual atención al detalle. Como ejemplo de la independencia crítica del escritor, llama la atención la sorprendente declaración de que el título de "el peor cineasta del mundo" que se le suele otorgar a Ed Wood Jr. se lo podrían disputar también realizadores tan consagrados como el citado Godard, Sam Peckinpah... ¡o el mismísimo Eisenstein! Lejos de compartir la opinión -que nos parece de lo más peregrina-, se le agradece a De Baecque su aparentemente insobornable discurso propio.

Burton y Johnny Depp, una pareja inseparable,
durante el rodaje de Sleepy Hollow

En el capítulo dedicado a Sleepy Hollow, que podría entenderse como el particular homenaje de Tim Burton al terror gótico, más concretamente a la factoría Hammer Films e incluso a la escuela italiana del terror capitaneada por Mario Bava, el texto se detiene en comentar también que por aquella época es cuando Burton prepara el fallido proyecto de llevar al cine el regreso de Superman -que años después realizaría Bryan Singer- con Nicolas Cage como protagonista. Igualmente, el realizador escribirá por aquel entonces el que todavía hoy es su único libro como tal: La melancólica muerte de Chico Ostra.

Big Fish: la película más luminosa de su realizador

Pese a su gran personalidad como crítico, De Baecque opina como la mayoría respecto de El planeta de los simios en versión Burton: es su peor película. Muy diferente resulta Big Fish, a pesar de ser un proyecto que casi surge como un encargo: su adaptación de la novela de Daniel Wallace es uno de sus filmes mejor acabados, y aun siendo personal resulta más accesible a un público alejado de sus constantes temáticas y visuales.

El actor favorito y la pareja de Burton en Sweeney Todd:
una asociación mortal

Acto seguido, Burton regresa a esas mismas constantes: por un lado, volverá al mismo mundo gótico y siniestro de Sleepy Hollow tanto en su nueva aproximación a la animación stop motion con La novia cadáver como en su musical Sweeney Todd, esta última también una de sus mejores películas, y donde el director consigue aprobar con nota en un género particularmente complicado. Antes y después de realizar estos trabajos, Burton filmará dos adaptaciones de otros tantos clásicos literarios infantiles: Charlie y la fábrica de chocolate de Roald Dahl y Alicia en el País de las Maravillas (y su continuación, A través del espejo y lo que Alicia encontró allí) de Lewis Carroll. En ambas, como en las dos cintas previas, Burton contará con la colaboración del que es ya su inseparable actor fetiche, Johnny Depp, que ya interprete al siniestro Sweeney Todd o a personajes tan alocados como Willy Wonka o el Sombrerero Loco se ha convertido en el alter ego oficial del propio Burton delante de la cámara.

Tim Burton dirigiendo a su particular Alicia

El presente volumen se cierra con un breve texto acerca de la condición de Burton como cineasta político, así como las inevitables filmografía y bibliografía de turno. Antes de ello, un apasionante recorrido por la obra de Tim Burton, que para la ocasión se acompaña de un sugerente material gráfico donde destacan, además de los fotogramas de los filmes que se comentan, diversas fotografías de las principales influencias estéticas de Burton y un gran número de ilustraciones originales del propio cineasta, que hacen de este Tim Burton todo un catálogo de sueños y pesadillas surgidos de la mente de uno de los directores de cine si no mejores, sí más personales e inconfundibles del panorama internacional. Lo que no es poco, desde luego.

(+) Para saber más:

El cine, según Mariano Sánchez Soler

2011-12-12T09:00:00.014+01:00

Anatomía del crimen. Guía de la novela y el cine negros
Mariano Sánchez Soler
Madrid, Reino de Cordelia, 2011
256 pp. - 18,95 €

Manual esencial del guión cinematográfico
Mariano Sánchez Soler
San Vicente, Editorial Club Universitario, 2011
102 pp. - 13 €

Sánchez Soler, un hombre de letras... y de cine

Mariano Sánchez Soler es, ante todo, un escritor vinculado al género negro. Su producción literaria no se circunscribe únicamente al mismo -de hecho, ha publicado varios libros de poesía-, pero aquellos que siguen su obra de ficción, suponemos que empujados también por su labor como periodista de investigación y ensayista acerca de cuestiones políticas y sociales de la España de nuestro tiempo, lo reconocen de inmediato como el autor de novelas como Carne fresca, Festín de tiburones, La brújula de Ceilán, Nuestra propia sangre o la trilogía de los inspectores Pulido y Galeote recogida en el volumen Grupo antiatracos.

Pero, además de todo esto, en su currículo figura también su labor como docente en el Centro de Estudios Ciudad de la Luz de Alicante. Y es que si a Sánchez Soler le gusta la literatura, no es menos cierto que le apasiona tanto o más el cine. Y es por su labor como escritor acerca del medio que le convocamos hoy para dejar constancia de la aparición de sus dos últimos libros, dedicados en su totalidad o en parte al séptimo arte.

Las amistades peligrosas: Raymond Chandler y Billy Wilder,
abocados a la Perdición

El más reciente, y también el más atractivo de los dos, es Anatomía del crimen, que acaba de publicar Reino de Cordelia y que, como su subtítulo ("Guía de la novela y el cine negros") indica, no limita su objeto de estudio al arte cinematográfico. Pero dado que esta es la cuestión que nos ocupa en esta página, nos limitaremos a dejar constancia aquí de que el libro incluye también ensayos dedicados a escritores de novela negra, por otra parte la mayoría vinculados también artística o profesionalmente al cine, como Raymond Chandler, Jim Thompson, Chester Himes, Donald Westlake, Ed McBain o, ya dentro de nuestras fronteras, Francisco García Pavón, Andreu Martín, Francisco González Ledesma o Manuel Vázquez Montalbán.

Samuel Fuller y su Perro blanco

Pero pasemos al apartado puramente cinematográfico: lejos de rendir pleitesía a los acercamientos más canónicos dentro de la historiografía y la crítica del cine negro, Sánchez Soler dedica el primer capítulo estrictamente cinematográfico no a una de las figuras intocables del género, sino a uno de sus más radicales los francotiradores, así como uno de los cineastas más outsiders que jamás trabajaron para Hollywood (y alrededores): Samuel Fuller. Desde Manos peligrosas a Perro blanco, pasando por Corredor sin retorno, El kimono rojo o Muerte de un pichón, el también escritor y guionista al mejor postor Fuller demostró no venderse a nada ni a nadie, e hizo de su ideario moral y estético un estandarte que blandió siempre contra viento y marea; esto es, contra intromisiones de la productora y/o presupuestos irrisorios.

Sean Connery, detective avant la lettre por obra de Umberto Eco

Sánchez Soler también dedica artículos más generalistas al cine policíaco: "De qué hablamos cuando decimos 'cine negro'" es, pese a su brevedad, un texto luminoso en tanto que didáctico que recorre el género desde sus mismos orígenes hasta muestras heterodoxas como El nombre de la rosa de Umberto Eco o ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, títulos señeros en la medida en que dieron lugar a películas tan populares como la adaptación de la primera protagonizada por Sean Connery o la emblemática Blade Runner de Ridley Scott.

Santos Trinidad sentencia: No habrá paz para los malvados

También merece atención el capítulo dedicado a nuestro cine negro, aparentemente un erial pero lo suficientemente constante como para decir aquello de que haberlo, haylo. Desde las muestras tempranas que firmaron Julio Salvador e Ignacio F. Iquino a comienzos de los años 50 hasta la reciente No habrá paz para los malvados, obra maestra absoluta de Enrique Urbizu, pasando por películas a reivindicar como la popular El crack, La verdad sobre el caso Savolta, la inquietante y muy personal Las horas del día, 25 kilates, Flores negras, la soberbia Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto o varios de los filmes de Mariano Barroso, quizá el único (junto con Urbizu) que presenta una cierta constancia dentro de las coordenadas del género.

El Halcón Maltés: para muchos, el nacimiento del cine negro

Destacar, para terminar la glosa de este volumen, que el libro en cuestión se cierra con una muy útil recopilación de apéndices, entre ellos una filmografía de adaptaciones literarias ordenadas alfabéticamente, de A pleno sol de René Clément a Zodiac de David Fincher. Tampoco hay que dejar de lado el constatar que Anatomía del crimen presenta con un suculento apartado gráfico, en muchas ocasiones con imágenes de clásicos incontestables del cine negro como Perdición, El Halcón Maltés, El sueño eterno, La jungla de asfalto, El abrazo de la muerte o Retorno al pasado... que hacen de la acción de ojear el libro todo un deleite para la vista. Pero leerlo lo es todavía más.

Señalábamos antes la labor como profesor que Mariano Sánchez Soler desempeña en el Centro de Estudios de Ciudad de la Luz de Alicante, adscrito a la Universidad Miguel Hernández de Elche. Fruto de esta labor docente, que le ha llevado a analizar profundamente un gran número de producciones audiovisuales, es este Manual esencial del guión cinematográfico, publicado por ECU y del que se señala que "ha sido elaborado para mostrar la esencia del guión cinematográfico como escritura narrativa. Tiene un objetivo docente. Es un texto directo, sin subterfugios, que desvela los ejes que mueven el proceso de la escritura cinematográfica, y sirve para introducirnos en su ejercicio".

"Rosebud...": el inicio de Ciudadano Kane

Difícil decir más con menos palabras: efectivamente, en apenas cien páginas, su autor desglosa los conceptos centrales del guion de cine, desde lo que es un plano o una secuencia, a recursos esenciales de la narración (algunos puramente audiovisuales, otros no) como la elipsis, el fundido o el encadenado. A continuación trata todos los aspectos susceptibles de suponer una dificultad al autor primerizo que se propone escribir por vez primera un guion, como el establecimiento de la idea central frente a la historia o el tema, el diseño de los personajes, la inevitable escaleta o los siempre complicados diálogos.

Unas palabras susurradas al final de Lost in Translation

Como manual pedagógico que es, el presente volumen aporta un par de anexos, uno de ellos firmado por el dramaturgo (y guionista y realizador) David Mamet y el otro un ejercicio a partir del relato de Ernest Hemingway Los asesinos, que inspirara un par de películas brillantes firmadas por Robert Siodmak (Forajidos) y Don Siegel (Código del hampa).

El soberbio arranque de Forajidos adapta a Hemingway

Estos breves apéndices, junto a los ejemplos y las ilustraciones que acompañan al texto (de Ciudadano Kane a Lost in Translation, pasando por 2001. Una odisea del espacio, Chinatown, Veredicto final o Único testigo), hacen de este Manual esencial del guión cinematográfico una muy útil herramienta para todo aquel que quiera introducirse en la maravillosa (y nunca suficientemente valorada) labor de guionista cinematográfico.

SUPERHÉROES. DEL CÓMIC AL CINE

2011-11-30T09:00:00.003+01:00

Superhéroes. Del cómic al cine
Tonio L. Alarcón
Madrid, Calamar, 2011
280 pp. - 35 €

En la actualidad, la presencia (casi hegemónica) en los cines del género superheroico -por así llamarlo- ha llegado a un punto tal que parece mentira que hace no más de quince años no se hubiera intentado ya de una forma rigurosa y sistemática el aprovecharse de un sector del público, los fieles lectores de cómics de toda la vida, predispuesto a dejarse el dinero en la taquilla. Por aquel entonces, la saga de Batman desarrollada por Warner -no lo olvidemos, propietaria de DC Comics- que firmaron, con desigual fortuna a favor de quien ya sabemos, Tim Burton y Joel Schumacher, resultaba ser un oasis en mitad de un erial. Pero fuer llegar Bryan Singer y Sam Raimi con sus X-Men y sus Spider-Man respectivamente, y todo cambió. Para bien, claro, aunque algunos puedan hablar de saturación del mercado...

X-Men: con ellos empezó todo (o casi)

Por ello, resulta lógico que a estas alturas surja un libro como este Superhéroes. Del cómic al cine, firmado por Tonio L. Alarcón y editado con el buen gusto habitual por Calamar. No es la primera vez que se publica un título de estas características -ahí está Películas clave del cine de superhéroes (Ma Non Troppo), firmado por Quim Casas como precursor dentro de la bibliografía especializada escrita en castellano-, pero sí es la primera ocasión de la que disponemos para descubrir todo un universo de ficción de forma mucho más completa (y, lógicamente, más actualizada), además de una oportunidad estupenda para conocer las opiniones de un crítico tan interesante como Alarcón acerca de un gran número de títulos destacados del (sub)género -en realidad todos los verdaderamente importantes, pues el autor no se deja (casi) nada en el tintero-, y, además, ilustrados como el tema se merece: siempre he defendido que si hay una clase de libros que por fuerza han de incorporar material gráfico, esos son los libros sobre cine (¿qué es, principalmente, el séptimo arte, si no una sucesión de imágenes?), y al respecto el trabajo de Calamar, en este libro y en cualquiera de los suyos, es ejemplar.

Superman de Richard Donner: un ilustre precedente
de la actual Edad de Oro del género

Este Superhéroes. Del cómic al cine es un libro que quiere posicionarse cerca de su lector, por lo general un cómplice rendido de antemano a la temática que se trata. Así lo confiesa el propio Alarcón en la introducción, distanciándose de una fórmula crítica más analítica y especializada: “No se extrañe el lector por el hecho de no encontrar en este libro el tipo de análisis más profundo, incisivo y, por qué no decirlo, sesudo, que acostumbro a practicar en revistas como Dirigido: la intención ha sido, en esta ocasión, abrir el abanico de lectores y poder interesar también a aquellos que no le dan tanta importancia a la puesta en escena, y mucho más al desarrollo argumental. Por una vez, el acento está puesto en el qué y no en el cómo". No obstante, no piense el lector que se encontrará con un texto descuidado y excesivamente coloquial: la obra que nos ocupa está redactada con rigor y buen hacer; es solo que el autor, en esta ocasión, no resulta ser un crítico de cine que se acerca con curiosidad a un fenómeno como el de las películas de superhéroes, sino más bien se trata de un lector de cómics de esta temática que toma por objeto de estudio las adaptaciones fílmicas del material literario que conoce (y muy bien) previamente... pero con las herramientas propias de un crítico de cine hecho y derecho.

El Batman de Christopher Nolan: para muchos,
el superhéroe de cine definitivo

Sin más dilación, dejemos testimonio del contenido del libro y de cómo este está estructurado: tras un texto genérico a modo de introducción ("Cine y superhéroes: una larga relación)", Alarcón pasa a comentar las películas -y de paso, los seriales realizados tanto para la gran como para la pequeña pantalla- nacidas a partir de cabeceras de las dos grandes compañías del género: DC y Marvel Comics. De la primera comenta los casos de sus dos personajes más importantes, Superman y Batman, analizando las cintas dirigidas por Richard Donner, Richard Lester, Christopher Nolan o los citados Singer, Burton y Schumacher, sin olvidarse de producciones para televisión como Lois & Clark, Smallville o la popular serie de Batman de los años 60. También comenta el caso de Linterna Verde, menos célebre, seguramente como peaje a pagar para dotar al libro de un rasgo de actualidad al glosar la reciente, y para muchos fallida, adaptación firmada por Martin Campbell. Acto seguido, en un capítulo llamado "Liga de la Justicia: Tratamientos menores de DC Comics", el autor comenta los casos de Flash, Capitán Marvel, Supergirl, Steel, Catwoman, la Cosa del Pantano, Constantine y Jonah Hex. Esto es, personajes que no han tenido tanta suerte en la gran pantalla, algo obvio si recordamos los muy pobres filmes firmados por Jeannot Szwarc sobre la prima de Superman, Pitof con el álter ego criminal de Selina Kyle, o Wes Craven acerca del cómic de terror de Len Wein y Bernie Wrightson revitalizado por Alan Moore.

La Cosa del Pantano ha tenido mucha peor fortuna
en el cine que en el cómic

En el caso de Marvel, y atendiendo a sus orígenes literarios en orden cronológico, Alarcón glosa las grandezas y miserias de las adaptaciones protagonizadas por los 4 Fantásticos -que han tenido muy mala suerte en las películas dirigidas por Tim Story, no hablemos ya de la producción de Roger Corman que nunca llegó a ver la luz-; los citados Spider-Man de Raimi (con una mención al The Amazing Spider-Man de Marc Webb que está por venir) y X-Men de Singer, Brett Ratner y Matthew Vaughn -director que nos ha legado recientemente la estupenda X-Men: Primera generación-; Hulk -de Ang Lee a Louis Leterrier, sin olvidar la mítica y naif serie con Bill Bixby y Lou Ferrigno como Banner y Hulk-; Iron Man -para el que esto firma, con un tratamiento estupendo por parte de Jon Favreau-; Thor, Blade... y la más reciente de todas: Capitán América. Pero al igual que con DC, Alarcón deja un espacio para obras menores -en su opinión- a partir de personajes como Daredevil, Elektra, Punisher, Motorista Fantasma y Man-Thing.

Hasta que lleguen Los Vengadores, Capitán América es
la última aportación de Marvel al género

Una vez cerrados estos apartados, que por razones obvias se llevan la parte del león del libro, el autor se centra en autores y temáticas más concretas: por un lado, dedica un epígrafe al citado Moore, autor británico que renueva el género a lo largo de los años 80 y 90, y del que se han realizado tres películas que pueden enmarcarse dentro de esta temática: La Liga de los Hombres Extraordinarios, V de Vendetta y Watchmen. También From Hell (Desde el infierno) tuvo su origen en un cómic escrito por Moore (de hecho, una de sus más grandes obras maestras), si bien su argumento -alrededor de la figura de Jack el Destripador y la investigación para atraparle- se aleja con creces del ámbito superheroico, a la postre objeto del presente estudio.

Watchmen: una adaptación (casi) al pie de la letra

Los siguientes capítulos están dedicados a la lamentable The Spirit firmada por Frank Miller -otro gran autor del medio, aunque ha vivido tiempos mejores en el pasado- a partir de la inmortal creación de Will Eisner; El Cuervo (The Crow) de James O'Barr llevado al cine por, entre otros, Alex Proyas; las Tortugas Ninja, vistas en la gran pantalla tanto en filmes de imagen real como en animación digital; Hellboy, creado por Mike Mignola y llevado al cine por el fan fatal Guillermo del Toro; y Spawn de Todd McFarlane, fruto de una mediocre versión fílmica.

The Crow tuvo más repercusión de lo esperado
por ser la película póstuma de Brandon Lee

Acto seguido hace acto de presencia Mark Millar, uno de los autores hot del momento, convocado aquí gracias a las adaptaciones de dos de sus títulos más conocidos y celebrados: Wanted (Se busca) y Kick-Ass. Si el primero dio lugar a un film apenas aceptable como una adrenalítica action movie más, el segundo se convirtió en manos del citado Matthew Vaughn en una de las adaptaciones más conseguidas del género, gracias a su mirada cínica e irónica no solo acerca de los superhéroes en sí, sino también de sus acérrimos seguidores.

Kick-Ass: una visión cínica del superhéroe para iniciados

Llegado este punto, es el momento de agradecerle a Alarcón su acercamiento heterodoxo, lejos de fundamentalismos talibanes, al género, lo que nos permite leer textos breves pero reveladores acerca de títulos que no son verdaderamente adaptaciones de cómics, pero sí filmes que beben de la temática y la estética de este tema. Es el caso de la recuperable Darkman de un Raimi pre Spider-Man, del Hancock encarnado por Will Smith o de dos títulos tan imprescindibles como Los Increíbles y El protegido... ambos excepcionales, si bien el film de M. Night Shyamalan es, para el que esto firma y hasta este momento, la obra maestra definitiva del género.

Los Increíbles: superhéroes para todos los públicos

También queda espacio para recordar dos filmes en los que aparecen escuelas de superhéroes, como Sky High y Zoom, así como el muy ilustrativo capítulo sobre parodias (por así decirlo) del género, que no solo reseña títulos como Mystery Men -a nuestro parecer, mucho mejor de lo que piensa el autor- o Mi super ex-novia, sino también dos cintas magníficas pero lamentablemente inéditas en nuestro país como Defendor y Super.

Ellen Page en Super... o qué difícil es ser
un héroe sin superpoderes

Como puede verse, estamos ante una obra más que exhaustiva y articulada con rigor. Ahora bien, y dejando aparte que puedan echarse en falta títulos que podrían haberse incluido en el presente libro, como Rocketeer, Juez Dredd, The Shadow, The Phantom o Dylan Dog -todos ellos héroes de hecho cuyo origen se encuentra en el noveno arte-, como aficionado a cualquier adaptación cinematográfica cuya fuente se halle en el mundo de la historieta, echo en falta una obra rigurosa que analice películas ajenas al género superheroico como -por citar solo algunas- Popeye, Ghost World, American Splendor, Oldboy, Una historia de violencia, Camino a la perdición, 30 días de oscuridad, 300, Los sustitutos, RED o la reciente Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio.

Harvey Pekar (Paul Giamatti en American Splendor):
todo lo contrario a un superhéroe

Pero, claro está, ese no era el interés de la presente obra, y habrá que esperar a un proyecto futuro que recoja el testigo de Alarcón, Casas y demás críticos en tratar este tema. Mientras tanto, sirva este recomendable Superhéroes. Del cómic al cine para descubrir algunos de los misterios y los entresijos de un género que, lejos de agotarse, parece haber venido para quedarse.

(+) Para saber más:

Paul Thomas Anderson en Valencia

2011-11-28T09:00:00.002+01:00

O casi. Hoy lunes 28 de noviembre se presenta en la capital valenciana el libro de Ediciones Akal Paul Thomas Anderson, escrito por José Francisco Montero y dedicado a la obra del realizador de películas como Boogie Nights, Magnolia o Pozos de ambición. El acto, que contará con la participación de Pablo Ferrando García y del autor del libro, tendrá lugar a las 19:00 horas en Fnac San Agustín (Avda. Guillem de Castro, 9-11) de Valencia.

Más información sobre el libro, aquí:

Autor: José Francisco Montero
Editorial: Akal
ISBN: 978-84-460-2621-1
Páginas: 240
Fecha de publicación: 31/10/2011

Currículo del autor:
Licenciado en Psicología y escritor cinematográfico, ha publicado en revistas como Cuadernos del matemático, Miradas de cine, Versión Original, Presspectiva, Pasadizo, Kane3 o Shangri-la. Es autor del libro Imágenes de la revolución en el cine contemporáneo: La inglesa y el duque / La comunne (París, 1871) (coescrito con Israel Paredes), de próxima aparición, y ha participado en los libros colectivos Cien miradas de cine y La lucha obrera en el cine.

La gran familia (porno) de Boogie Nights

Resumen:
Después de cinco largometrajes y diversos trabajos en otros formatos, Paul Thomas Anderson se ha erigido como uno de los autores más influyentes y complejos del cine actual. Responsable también de los guiones de sus películas, P. T. Anderson ha creado ya una obra muy cohesionada pero en la que es apreciable, asimismo, una sugerente evolución. Si antes de cumplir los treinta años, Anderson era ya autor de dos obras capitales -Boogie Nights y Magnolia, después de su también magnífica ópera prima, Sydney-, y tras el deslumbrante experimento que constituyó Embriagado de amor, con Pozos de ambición ofrece una nueva obra maestra que, además, supone un trascendental paso en su trayectoria. Todas ellas son películas situadas en un difuso espacio entre la gloriosa tradición cinematográfica de su país y las corrientes más rigurosas e inventivas del cine contemporáneo, pero ante todo insobornablemente personales, ofreciendo con las mismas un complejo retrato de los EEUU que, como ocurre con los grandes autores, posee resonancias universales.

Anderson dirigiendo a Day-Lewis en Pozos de ambición

En este libro se abordan algunos de las circunstancias que han marcado su carrera, se perfila la aportación de cada una de sus películas a la evolución de su autor, se analizan exhaustivamente cada una de ellas y se estudian las preocupaciones creativas que han caracterizado hasta ahora su obra y, sobre todo, cómo han ido tomando forma a lo largo de la misma.

.38: NeoNoir

2011-11-23T09:00:00.000+01:00

Por vez primera dentro de lo que vienen siendo mis colaboraciones con Calibre .38, la revista digital especializada en género negro, comento un libro de cine. Concretamente, un ensayo colectivo sobre cine negro contemporáneo coordinado por Jesús Palacios y publicado por T&B:

NeoNoir. Cine negro americano moderno

Fotografía y cine en los nuevos títulos de Photo-Club (Anaya Multimedia‏)

2011-11-09T09:00:00.000+01:00

ANNA KARINA. LA PRINCESA DE LA NOUVELLE VAGUE

2011-10-17T09:00:00.001+02:00

Anna Karina. La princesa de la Nouvelle Vague
Albert Galera
Barcelona, Alrevés, 2011
176 pp. (+ 16 pp. color) - 26 €

La celebrada -y al parecer del que esto suscribe, por lo general muy acertada y funcional- política de los autores defendida por los más famosos críticos (y futuros cineastas) de Cahiers du Cinéma acabó beneficiándoles directamente cuando acabaron constituyendo eso que se ha venido a llamar la Nouvelle Vague o Nueva Ola francesa -otra etiqueta muy apropiada, dicho sea de paso-, pero se volvió en su contra... al menos en parte, resultando ser las principales bajas colaterales aquellas que conformaban su particular star system.

La mirada más inolvidable de la Nouvelle Vague

Así, cuando hablamos de la Nouvelle Vague enseguida nos remitimos al núcleo duro formado por los cineastas Jean-Luc Godard, François Truffaut, Eric Rohmer, Claude Chabrol y Jacques Rivette, y no nos acordamos tanto de las estrellas que plasmaron ante la pantalla los sueños y las elucubraciones de aquellos: los nombres de Jean Paul Belmondo, Jean Seberg, Jean-Claude Brialy o Jean-Pierre Léaud (aka Antoine Doinel) son convocados muchas menos veces. Y el de Anna Karina no es, desde luego, una excepción.

Anna Karina lee a Anna Karina

"Me gusta pensar que en el origen de este libro hay un enfado. Un arrebato de venganza cinéfila o de justicia poética, porque... Anna Karina fue el icono femenino de la Nouvelle Vague por excelencia y eso es algo que, al menos a este lado de los Pirineos, se olvida demasiado a menudo". Son palabras del crítico cinematográfico Philipp Engel, extraídas de su prólogo a Anna Karina. La princesa de la Nouvelle Vague, el libro que firma Albert Galera y que acaba de editar Alrevés; unas palabras que muy bien podrían explicar el germen de una obra como esta. Porque vaya por delante, y es algo que podrá gustar más o menos al lector, que estamos ante un volumen hagiográfico escrito por un admirador incondicional de la intérprete franco-danesa.

El soldadito, su primera colaboración con Godard

Después de una semblanza biográfica inicial, que sitúa al lector en los orígenes del personaje público retratado, el libro pasa a realizar un completo recorrido por la filmografía de la actriz, centrándose principalmente en el cometido desarrollado por esta en cada una de las películas en las que participó, citando diálogos y subrayando las escenas más importantes o memorables. Por supuesto, el otro gran protagonista del libro es el citado Jean-Luc Godard, verdadero descubridor de Anna Karina, a la que dirigió en ocho largometrajes: El soldadito, Una mujer es una mujer, Vivir su vida (para el que esto firma, una de las cumbres de la obra de ambos, director e intérprete), Banda aparte, Lemmy contra Alphaville, Pierrot, el loco, Made in USA y uno de los episodios de El oficio más viejo del mundo. A lo largo del desarrollo de esta obra conjunta ambos se enamoraron, se casaron y acabaron divorciándose tras seis años de matrimonio. Una vida privada en común que se entrelazó con la pública y marcó profundamente algunos de los fotogramas más memorables de la historia del cine europeo.

Con Belmondo en la inolvidable Pierrot le fou

Pero Anna Karina es y fue mucho más que "la musa de Godard" -este es precisamente el título del capítulo que glosa la colaboración entre ambos-: a lo largo de su prolífica carrera fue dirigida por grandes cineastas europeos, tanto franceses (Agnès Varda, Michel Deville, Roger Vadim, los citados Rohmer y Rivette) como extranjeros (los italianos Zurlini y Visconti, los alemanes Fassbinder y Schlöndorff, el inglés Tony Richardson)... sin olvidar nombres como George Cukor, el chileno afincado en Francia Raoul Ruiz o, ya más recientemente, Jonathan Demme, que requirió sus servicios para La verdad sobre Charlie, su remake del Charada que protagonizaron Cary Grant y Audrey Hepburn.

Una madura Anna Karina cantando en
La verdad sobre Charlie

Así, otros títulos destacados de su filmografía pero ajenos a la sombra de Godard serían La religiosa de Rivette, El extranjero de Visconti, Justine de Cukor, La isla del tesoro de Ruiz, Risa en la oscuridad de Richardson, Ruleta china de Fassbinder o Cleo de 5 a 7 de Varda. Todos ellos por cierto, con la salvedad de los dos últimos, adaptaciones literarias de, respectivamente, Denis Diderot, Albert Camus, Lawrence Durrell, Robert Louis Stevenson y Vladimir Nabokov. Y todos ellos comentados a lo largo de presente libro: Galera recorre pormenorizadamente unos títulos, pasa más por encima de otros (obviamente, por considerarlos de menor interés), pero no se deja nada en el tintero. Ni siquiera aquellos filmes de no ficción donde Anna Karina participa como ella misma, caso del documental de la serie Cinéastes de notre temps dirigido por Rohmer y dedicado a Carl Th. Dreyer, o aquellos en los que la actriz se atrevió a ponerse tras la cámara.

Con Mastroianni en El extranjero, según Albert Camus

El volumen, en su voluntad por ser exhaustivo, se completa con varios textos que podrían funcionar a modo de apéndice: el ensayo "Roller Girl", que firma Toni Fonollet (y único del volumen que no está escrito por Galera), se centra en la carrera como cantante de Anna Karina; por su parte, "Made in Karina" repasa la influencia que ha supuesto la intérprete para el cine posterior, con referencias que van de la Princesa Leia de la saga Star Wars a la pornstar Sasha Grey de The Girlfriend Experience, pasando por la Juliette Binoche de Mala sangre o la Elina Löwensohn de Simple Men de Hal Hartley... dicho sea de paso, y junto con Quentin Tarantino, el cineasta norteamericano más diáfanamente influenciado por la obra de Godard. Finalmente, un pliego de imágenes en color, un glosario y la consabida filmografía acaban por dar forma al libro.

Vivir su vida: Anna Karina convertida en un icono eterno

Como decíamos, este Anna Karina. La princesa de la Nouvelle Vague es la obra de un fan fatal de la actriz; por tanto, quien espere de ella un análisis crítico profundo se sentirá decepcionado. Tampoco es una biografía al uso, mucho menos una de esas que apuestan por lo más políticamente incorrecto y que gustan de incluir la leyenda de "Biografía no autorizada" en su cubierta. Pero sí es un bonito -y muy merecido- homenaje, que rellena un hueco en la producción bibliográfica española, dedicado a una figura que trasciende, como el autor se encarga de demostrar en repetidas ocasiones, su condición de actriz para convertirse en todo un icono cultural definitorio de un cine -el de la Nueva Ola gala- cuyos logros todavía colean, así como de una época que ha quedado marcada a fuego en el recuerdo de generaciones sucesivas de cinéfilos de todo el mundo. Ahí es nada.

300 DIRECTORES MALDITOS

2011-07-18T09:00:00.008+02:00

300 directores malditos
Augusto M. Torres
Madrid, Cátedra, 2011
432 pp. - 18 €

Aunque ha escrito y publicado textos de la más variada naturaleza, y más allá de la atención que le ha dedicado a un director como Manuel Gutiérrez Aragón, el crítico e historiador cinematográfico Augusto Martínez Torres se ha especializado en un tipo de ensayo muy específico: el libro de consulta. Así lo corroboran algunos de los títulos más celebrados de este autor, también realizador cinematográfico: es el caso de Videoteca básica de cine, El cine italiano en 100 películas, El cine norteamericano en 120 películas, 100 años de cine, Películas del cine mundial, el más reciente 720 directores de cine o el fundamental y monumental Diccionario Espasa: Cine, al que siguió un más modesto pero también muy recomendable Diccionario Espasa: Cine español.

Dennis Hopper

Dentro de esta línea se inscribe su última obra, 300 directores malditos, que acaba de publicar Cátedra. Como su título indica, estamos ante una antología de semblanzas biográficas -acompañadas de sus respectivas filmografías- de trescientos realizadores al que el autor considera, en buena medida, como "malditos". Así reza el texto de presentación, extraído del prólogo del libro que firma el propio autor: "Esta selección de 300 directores malditos -aquellos que, por múltiples razones, no gozan del prestigio que merecen- está llena de cineastas que han destacado en otras actividades, pero como realizadores de cine han sobresalido menos. Olvidados directores de cine mudo, directores que empiezan bien y acaban mal, directores artesanos con una única obra maestra entre su larga e irregular filmografía, directores que mueren cuando sus películas comienzan a ser buenas, directores con mala suerte, directores norteamericanos represaliados por el senador Joseph MacCarthy para acabar con los comunistas en Hollywood, directores de países comunistas del este europeo perseguidos por la larga mano del camarada Iosif Stalin, directores prometedores de corta carrera y un largo etcétera de poco conocidos, menospreciados o ignorados directores africanos y asiáticos".

Guillermo Arriaga

Como se ve, Martínez Torres encara el tema con amplitud de miras. Esto, claro, presenta sus riesgos, y la selección resultante no está exenta no ya de subjetividad, sino incluso de polémica. Al que esto firma le ha llamado particularmente la atención la inclusión de realizadores de obra escasa... pero reciente, y a los que se les supone puedan volver a dirigir cualquier día de estos. Es el caso del guionista Guillermo Arriaga, que debutó en 2008 con Lejos de la tierra quemada, o el diseñador de moda Tom Ford, que hizo lo propio en 2009 con Un hombre soltero.

Pedro Costa

El autor también ha incluido, y esto me parece todavía más discutible -en la medida en que amplía la nómina de realizadores susceptibles de ser malditos a un número demasiado alto y por tanto poco funcional o revelador del asunto en cuestión- a aquellos directores más o menos minoritarios que no consiguen ver todos o casi todos sus trabajos estrenados en España... Es decir, un porcentaje muy alto del cine de autor que se hace en todo el mundo. Así, aparecen en el presente libro realizadores que son carne de festivales y de las descargas de la red: Nuri Bilge Ceylan, Park Chan-Wook, Pedro Costa (el portugués, no el español), Terence Davies, Claire Denis -de la que se acaba de estrenar, mira por donde, Una mujer en África-, Arnaud Desplechin, Kim Ki-duk, Hirokazu Kore-Eda o Apichatpong Weerasethakul, por citar solo algunos.

Apichatpong Weerasethakul

Todavía extraña más el concurso de un realizador como Jim Jarmusch, de corte, sí, independiente, pero de filmografía ya considerable y que sí estrena sus trabajos con regularidad más que considerable -la última, si no recuerdo mal, fue Los límites del control-; por no hablar del caso de James Gray, cuya aparición solo podría justificarse con el retraso de dos años del estreno de la soberbia Two Lovers... pero que, por lo demás, ve cómo sus películas nos llegan con una distancia temporal lógica respecto de su estreno en los Estados Unidos.

James Gray

Por supuesto, también aparecen los directores que esperábamos encontrarnos: los incorruptibles y personalísimos José Luis Guerín, Sacha Guitry, Alexander Kluge, Jean Vigo o el tristemente desaparecido antes de tiempo Jean-Claude Lauzon; directores (y sobre todo) iconos malditos de ayer y de hoy como Dennis Hopper o Vincent Gallo; actores que dirigieron muy ocasionalmente, la mayoría solo una vez, como Marlon Brando (El rostro impenetrable), Charles Laughton (La noche del cazador) o Peter Lorre (El hombre perdido); o aquellos directores que se han convertido en ejemplos definitorios de la condición de malditos, que al menos en el siempre complejo sistema de producción y exhibición español son, lamentablemente, legión: Llorenç Llobet-Gracia, Juan Estelrich, Jacinto Esteva, Alfonso Ungría, Iván Zulueta, Albert Serra... Precisamente este tema, el de los malditos del cine español, ya lo trató el autor en el libro Cineastas insólitos (Nuer, 2000), si bien allí lo hizo en forma de antología de entrevistas con realizadores como Jesús Franco, Pere Portabella, Manuel Mur Oti o Antonio Isasi-Isasmendi.

Alexander Kluge

Pese a lo antes expuesto, no obstante, la inclusión de todos estos nombres, los discutibles y los que no lo son (o no parecen serlo), permite conocer la opinión que de su obra tiene un crítico tan (merecidamente) reputado como Augusto Martínez Torres, y no desmerece en demasía la utilidad indiscutible de una guía que para más de uno podría convertirse en uno de sus libros cinematográficos de cabecera. Muy recomendable, pues, por lo que tiene de útil en la medida en que es un volumen de consulta, y también por lo que tiene de dinamizador de juicios mediante la disparidad de criterios y la posibilidad que nos da de discrepar.

A propósito de Aldrich

2011-06-29T09:00:00.001+02:00

[Nota de prensa]

La figura de Robert Aldrich a coloquio en la Filmoteca Española con Jaime Iglesias y el director de cine Enrique Urbizu

[Hoy se celebra un] coloquio organizado en torno a la obra de Ediciones Cátedra Robert Aldrich, de Jaime Iglesias Gamboa. En dicho acto el autor estará acompañado por el director de cine y guionista Enrique Urbizu, para debatir sobre la figura de este cineasta, protagonista además del ciclo de cine que durante estos días ha tenido lugar en Filmoteca Española.

De esta forma, dicho evento se abrirá con la proyección de la película Ulzana's Raid (La venganza de Ulzana, Robert Aldrich, 1972) [hoy] miércoles 29 de junio a las 19.15 horas en el Cine Doré (C/ Santa Isabel, 3). A continuación tendrá lugar el coloquio.

La arrolladora personalidad de Robert Aldrich, siempre visceral a la hora de articular su discurso cinematográfico, insobornable en sus planteamientos, nada complaciente en sus realizaciones, ha generado una creciente e interesada confusión en el análisis que se ha venido haciendo de sus películas.

Un crepuscular Burt Lancaster protagoniza
la soberbia La venganza de Ulzana

La incorrección política en la obra cinematográfica de Robert Aldrich tiene más que ver con su ausencia de maniqueísmo, que con el rechazo a adoptar puntos de vista que faciliten la asimilación del relato en una única dirección. Esa manera de filmar franca, abiertamente sincera, lúcida, sin pararse en barras, explica lo incómoda que resulta su obra para determinados analistas. Las páginas [del libro] intentan arrojar algo de luz sobre la obra de una personalidad libre, noble y explosiva que dejó películas como Doce del patíbulo o ¿Qué fue de Baby Jane?, entre otras muchas.

Se presenta Hollywood en la era digital

2011-06-22T09:00:00.003+02:00

[Nota de prensa]

Esteve Riambau presenta en Filmoteca Española su nueva obra Hollywood en la era digital, publicada por Cátedra, junto al cineasta Ray Loriga‏

Hollywood es, en la actualidad, una pieza más en el complejo engranaje de los potentes conglomerados multimediáticos que rigen la industria del espectáculo. Esta transformación industrial coincide con la convivencia que el celuloide tradicional mantiene con las nuevas imágenes digitales.

Delimitado por las simbólicas fronteras establecidas entre Jurassic Park (1993) y Avatar (2009), el libro [Hollywood en la era digital, del director de la Filmoteca de Cataluña Esteve Riambau] recurre a medio centenar de films representativos de este período para analizar el cine norteamericano de la era digital a través de sus principales tendencias genéricas, los vasos comunicantes con otros lenguajes (televisión, cómic, parques temáticos o videojuegos), remakes de grandes clásicos, el reciclaje de mitos ancestrales o la exploración de mundos virtuales.

Los soldados que protagonizan Redacted

De esta manera Ediciones Cátedra celebrará la edición de este nuevo título [dentro de su ya conocida colección Signo e Imagen] en el acto organizado el miércoles 22 de junio a las 19:30 horas en la Filmoteca Española de Madrid (Cine Doré. C/ Santa Isabel, 3), donde el autor estará acompañado del escritor y cineasta Ray Loriga y el Catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III, José Manuel Palacios. A continuación se proyectará la película Redacted (Brian De Palma, 2007).

FRANÇOIS TRUFFAUT. EL DESEO DEL CINE

2011-06-20T09:00:00.005+02:00

François Truffaut. El deseo del cine
Carlos Losilla (coord.)
San Sebastián, Donostia Kultura, 2010
322 pp. - 18 €

No es la primera vez que el realizador francés François Truffaut se asoma por esta página sobre libros de cine: ya nos hicimos eco de la aparición del estudio de Luis García Gil publicado por Cátedra, un valioso paso más en la construcción de una bibliografía sobre esta figura clave de los nuevos cines europeos realizada desde nuestro país. Pero sí se nos antojaba necesario, para reflejar en negro sobre blanco y como se merece una personalidad tan caleidoscópica y multifacética como la del director de Los cuatrocientos golpes, una obra de autoría colectiva que diese voz a distintas y enriquecedoras miradas y perspectivas acerca de su legado.

Truffaut, director y protagonista de El pequeño salvaje

Para satisfacer esta necesidad nace François Truffaut. El deseo del cine, sexta entrega de la Colección Nosferatu, que así regresa a la costumbre de tratar en detalle figuras de realizadores de todo el mundo -los anteriormente estudiados han sido Raoul Walsh, Edward Yang, David Lean y Robert Rossen, en cuatro entregas todas recomendables- después del valiosísimo volumen genérico (de género) El 'thriller' USA de los 70.

Isabelle Adjani fue la hija de Victor Hugo
en Diario íntimo de Adèle H.

Los principales responsables del volumen, con el coordinador Carlos Losilla al frente, han manifestado con sinceridad que este libro no pretende dar respuestas sino plantear nuevas preguntas respecto de las dudas que todavía despierta una obra profundamente ligada a la vida del artista, así como una filmografía que, como la del maestro Orson Welles, parece definirse y entenderse más por aquello que quedó inconcluso o directamente sin realizar que por aquellos proyectos que acabaron llegando a buen puerto; esto es, que se materializaron en las películas estrenadas en todo el mundo y que dieron a su realizador una fama internacional que ya había empezado a granjearse previamente como crítico en las páginas de Cahiers du Cinéma.

Cahiers du Cinéma dedicó un número especial
ya mítico a Truffaut

Así, el volumen se abre con unos "Fragmentos de una correspondencia inacabada" firmada al alimón por el realizador Javier Rebollo y el propio Losilla: un acercamiento personalísimo -como debe ser, al fin y al cabo, cualquier acercamiento que se pretenda sincero y lúcido en lo referente al autor de La chambre verte-, muy apropiado para inaugurar un estudio de un director que hizo de la palabra escrita, en general, una fuente inagotable de inspiración aun cuando no adaptaba un texto literario previo.

Catherine Deneuve y Gérard Depardieu:
dos grandes estrellas para El último metro

En la primera parte del volumen, los críticos José Enrique Monterde, Àngel Quintana, José Antonio Hurtado, Nuria Vidal, José María Latorre, Antoine de Baecque -este, cofirmante de una completísima biografía de Truffaut editada en España por Plot- y Quim Casas, reflejan "Los lugares comunes" que han condicionado el estudio de la obra del realizador galo: sus orígenes como crítico de cine, su vinculación con sus padres artísticos Jean Renoir y Roberto Rossellini, la influencia del cine de género norteamericano, la sombra de Hitchcock -recordemos el fundamental Le cinéma selon Hitchcock, conversación entre los directores de Los pájaros y La piel suave y que ha pasado a la posteridad como "el mejor libro sobre cine jamás escrito", o la amistad -y posterior ruptura, con todas las salvedades que se quiera- que unió a Truffaut y a su compañero de generación Jean-Luc Godard, son algunos de los temas tratados bajo este epígrafe.

De izda. a dcha.: Claude Lelouch, Godard, Truffaut,
Louis Malle y Roman Polanski

En este apartado merece una mención especial el texto "François y los otros", donde Nuria Vidal arma una "falsa mesa redonda" -como las "falsas entrevistas" tan queridas por el propio Truffaut- a partir de distintas declaraciones de los miembros de la llamada, según acepción acuñada por Jacques Rivette, "La banda de los cuatro": Eric Rohmer, Godard, Truffaut y el propio Rivette... Los cuatro realizadores que, junto con el recientemente fallecido Claude Chabrol, conforman el núcleo duro de la célebre (y celebrada) Nouvelle Vague.

Jeanne Moreau, protagonista femenina de Jules y Jim

Acto seguido, el apartado "La comunidad sin lugar" recoge textos firmados por Adrian Martin, Núria Aidelman, José Luis Castro de Paz, Gonzalo de Lucas, Núria Bou & Xavier Pérez, Imma Merino, Carlos F. Heredero -a la sazón director de la edición española de Cahiers- y Violeta Kovacsics, todos ellos acercamientos más originales y personales a temas específicos de la filmografía de Truffaut, como su tratamiento de la infancia -sobre todo en Los cuatrocientos golpes y La piel dura-, el personaje de Jeanne Moreau en Jules y Jim o las reminiscencias de su mirada en el cine de sus seguidores, como Arnaud Desplechin, Wes Anderson -concretamente, en Viaje a Darjeeling- o Tsai Ming-Liang, cineasta asiático que ha adoptado al actor Jean-Pierre Leaud, el inolvidable Antoine Doinel de Truffaut, en un par de títulos de su filmografía.

Truffaut dirige a Jean-Pierre Leaud y Jacqueline Bisset
en La noche americana

Completan el volumen un repaso a la bibliografía universal existente sobre Truffaut, con especial atención al material disponible en castellano, así como los apéndices habituales: filmografía, resúmenes de los diferentes ensayos en euskera e inglés, y un par de índices, de películas y onomástico. El resultado es un volumen de lectura indispensable para acercarse a y entender mejor la obra de uno de los directores más controvertidos y a la vez más admirados, más modernos y al mismo tiempo más deudores del legado de sus maestros, del cine del siglo pasado.

El pasado es el destino

2011-05-31T09:00:00.004+02:00

[Nota de prensa]

Ediciones Cátedra publica El pasado es el destino. Propaganda y cine del bando nacional de la Guerra Civil, de Rafael R. Tranche y Vicente Sánchez-Biosca

La Filmoteca Española acogerá durante el próximo mes distintas actividades en torno a la obra y su temática

El pasado es el destino. Propaganda y cine del bando nacional en la Guerra Civil, coeditada por Filmoteca Española y Ediciones Cátedra, es el fruto de la investigación que a lo largo de seis años han realizado Rafael R. Tranche (Universidad Complutense de Madrid) y Vicente Sánchez-Biosca (Universidad de Valencia) sobre las estrechas relaciones entre propaganda, medios de comunicación y cine del llamado bando nacional durante la Guerra Civil y la posguerra.

El objeto de este libro es el cine, una forma moderna de expresión artística y cultural que despertó el interés, y aun el ansia, de los totalitarismos y, en el caso que nos ocupa, de los fascismos, que descubrieron que a través de la imagen podían transmitir emociones y adoctrinar a la población de forma rápida. En el corazón de estas operaciones está el Departamento Nacional de Cinematografía (1938-1941), que puso en pie una producción eficaz compuesta por una veintena de documentales y el Noticiario español.

La obra de Tranche y Sánchez-Biosca aporta una nueva mirada del cine de la época tanto desde el punto de vista histórico como desde el fondo y la forma de los ejes principales de la propaganda, analizando sus imágenes (que ofrece por primera vez, tal y como fueron concebidas, en el DVD que incluye esta edición) en relación con el conjunto de la producción nacional y como respuesta a las iniciativas del bando republicano. Todo ello permitirá al lector adentrarse en uno de los períodos más convulsos de nuestra historia reciente, aunque el clamor de las palabras y lo hiriente de las imágenes parezcan ya muy lejanos.

Con motivo de la publicación de esta obra, se llevará a cabo en la Filmoteca Española (Cine Doré. C/ Santa Isabel, 3) diversas actividades que darán comienzo hoy martes 31 de mayo a las 20:30 horas con la proyección del DVD que acompaña al libro, y continuando el día 1 de junio a las 18:30 h. con una mesa redonda "Imágenes para hacer Historia" en la que intervendrán Xosé Manuel Núñez Seixas (historiador), Carlos García-Alix (pintor y cineasta) y los autores del libro. Igualmente, también se llevará a cabo el ciclo "Guerra Civil y Cine" en los siguientes días del mes de junio.

A vueltas con Buñuel

2011-05-27T09:00:00.003+02:00

En la columna de hoy de Abandonad toda esperanza para El Periódico de Villena, y con el reciente estreno de Midnight in Paris de Woody Allen como excusa, comentamos un par de libros de cine dedicados a Luis Buñuel: Los años rojos de Luis Buñuel y Buñuel insólito. Pueden leer la columna aquí.

Luis Buñuel

Comienza la Historia mundial del cine

2011-05-17T09:00:00.002+02:00

[Nota de prensa]

Un texto imprescindible para los amantes del séptimo arte

Ediciones Akal os invita a conocer la Historia mundial del cine, el proyecto más ambicioso y actualizado de historia del cine escrito en cualquier lengua (el original italiano lo publicó Einaudi entre 1999 y 2001. La edición que prepara Akal se enriquecerá con nuevos textos que analizan los acontecimientos más importantes ocurridos en el mundo cinematográfico de la primera década del siglo XXI).

"Un empeño difícil, dada la envergadura y complejidad de la empresa, pero con un resultado incuestionable..."
- ElReceso.com

"Considero prioritario dar a conocer su interés, al tiempo que es necesario señalar que no es libro para ser leído de corrido, ni tampoco se trata de un libro de consulta a modo de diccionario. Más bien puede haber temas sobre los que uno busque iluminación, y en los que el lector, tras sumergirse en el artículo correspondiente, va a salir más que satisfecho."
- José María Aresté, DeCine21.com

Absolutamente imprescindible y único en el panorama editorial español por su calidad, extensión y exhaustividad.

La obra se compondrá de siete volúmenes escritos por los especialistas más prestigiosos del mundo en sus respectivos campos.

Plan de la obra:
- Estados Unidos I *
- Estados Unidos I **
- Europa. Mitos, lugares, II
- Europa. Las cinematografías nacionales, III *
- Europa. Las cinematografías nacionales, III **
- América, Asia, África, Oceanía. Las cinematografías nacionales, IV
- Teoría, instrumentos, memoria, V

Cine y género en España, Premio Muñoz Suay de la Academia

2011-05-12T15:00:00.000+02:00

[Nota de prensa]

La obra publicada por Ediciones Cátedra Cine y género en España,
galardonada con el Premio Muñoz Suay de la Academia

El libro señala que la desigualdad de sexos sigue existiendo en nuestro cine

La obra publicada por Ediciones Cátedra, en coedición con Universitat de Valencia e Instituto de la Mujer, Cine y género en España, ha sido el texto seleccionado por la Junta Directiva de la Academia de Cine para recibir el Premio Muñoz Suay 2011.

Conocer el estado en que se encuentra la igualdad de género en el cine nacional fue la premisa para elaborar este exhaustivo informe firmado por Fátima Arranz, Pilar Aguilar, Javier Callejo, Pilar Pardo, Inés París y Esperanza Roquero; y perteneciente a la reconocida y anteriormente galardonada colección "Feminismos" de Ediciones Cátedra.

Para la directora de la obra, Fátima Arranz, "este premio es el reconocimiento a un trabajo que tiene un enfoque sociológico, lo que es muy novedoso en este área".

Gracia Querejeta

A principios de 2007 se inició una investigación a través del análisis de películas y conversaciones con numerosos directores/as, originando como respuesta un muestreo que recoge que, entre 2000 y 2006, solo el 10% de los cineastas eran mujeres, porcentaje que para el caso de las guionistas fue del 15% y del 10% para las productoras.

Arranz expone que "esta tendencia no es alentadora porque los datos no han variado mucho. Si hoy se repitiera la investigación, la diferencia sería mayor. En términos relativos, cada vez hay menos mujeres jóvenes directoras que hombres porque no se han puesto en marcha acciones positivas potentes para que la situación cambie. A nuestro cine le resultaría de gran ayuda que los productores comprendieran que hay otra forma de entender el mundo y las relaciones".

Isabel Coixet

La escasa representación femenina en el audiovisual nacional se confirma en este libro. "Si solo hay una mirada, el audiovisual se queda cojo, solo hay sobrerrepresentación femenina en los sectores de maquillaje, peluquería y vestuario".

La Academia, que entregará el galardón el próximo 26 de mayo, creó este premio en 1997 para apoyar y fomentar la investigación historiográfica sobre el cine español. El galardón lleva el nombre de Ricardo Muñoz Suay (Valencia, 1917-1997), uno de los intelectuales, críticos, cineastas e investigadores más importantes de España, y está destinado a reconocer los mejores trabajos de investigación histórica sobre Cine Español.

JOSÉ LUIS LÓPEZ VÁZQUEZ

2011-05-09T09:00:00.015+02:00

José Luis López Vázquez. Biografía autorizada
Luis Lorente
Madrid, Foca, 2010
448 pp. - 24 €

Cuando murió José Luis López Vázquez nos dejó, a opinión del que esto firma, no solo uno de los más grandes actores de nuestro cine, sino también -al menos durante varios lustros- el más infravalorado y peor enjuiciado, a raíz de su participación en películas de bajo calado que no estaban a la altura de su amplitud de registros como intérprete. Menos mal que luego llegaron algunos realizadores, con Carlos Saura a la cabeza, que supieron ver en el actor madrileño el talento que escondía su figura tan poco esbelta y su particular cadencia al hablar.

El gran López Vázquez nos dejó en 2009

De todo ello da buena cuenta Luis Lorente en esta José Luis López Vázquez. Biografía autorizada que a finales del año pasado editaba Foca. Y tan autorizada... El autor, a la sazón novelista, cuentista y poeta además de guionista para televisión, ha despuntado particularmente como dramaturgo, y entre su producción como tal destaca Tres hombres y un destino, su mayor éxito hasta la fecha de la mano de un trío de actores irrepetible que ya no están entre nosotros: Agustín González -cuya muerte ocasionó la interrupción de las representaciones-, Manuel Alexandre y el propio López Vázquez.

El inolvidable trío protagonista de Tres hombres y un destino

Así se fraguó una relación de íntima amistad que desembocó en la redacción de este libro, que ha contado con la participación activa del actor: de hecho, en lugar de estar armado como un texto narrativo que se lee seguido y de esos que se suele decir, en el caso de resultar atractivo, que "se lee como una novela", Lorente ha optado por darle una apariencia de suerte de diálogo entre los dos amigos, el protagonista y su interlocutor, incluyendo testimonios en primera persona del primero puntuados por comentarios del segundo a modo de narrador.

Con el Goya de Honor que premiaba toda su carrera como actor

En esta estructura radica el aspecto más original del libro, y que aunque también presenta algún rasgo negativo -a veces la cordialidad entre ambos, que genera un diálogo coloquial, socava la calidad literaria del texto-, acaba por acercar al lector la figura de este intérprete irrepetible que debutara en el cine y el teatro como diseñador de vestuario, antes de atreverse a sustituir a un actor que no pudo realizar su cometido y así descubrir para el mundo y para sí mismo una vocación que hasta entonces había permanecido oculta.

Desde su debut en 1946 a las órdenes de Enrique Herreros en María Fernanda, la Jerezana, hasta 2007 con el largometraje ¿Y tú quién eres? -que volvió a unirle al realizador Antonio Mercero y al actor Manuel Alexandre-, más de 250 trabajos conforman una filmografía que, como dijimos, no siempre estuvo a la altura de las circunstancias. No obstante, hoy podemos recordar al actor tanto en su cometido en el género de la comedia, sin duda aquel que le convirtió en una figura popular, como en papeles dramáticos que en un principio sorprendieron a propios y extraños hasta que la probada valía de López Vázquez echó por tierra cualquier tipo de prejuicios.

Junto a Manuel Alexandre en ¿Y tú quién eres?

Entre sus papeles cómicos cabe destacar sus primeras colaboraciones con Berlanga (y Bardem) en Esa pareja feliz y Novio a la vista, la inolvidable El pisito de Marco Ferreri, Los tramposos de Pedro Lazaga, Atraco a las tres de José María Forqué (que reunía a la plana mayor del cine patrio de la época: Cassen, Gracita Morales, Alfredo Landa, Rafaela Aparicio, los ya citados Alexandre y González, etc.), o la exitosa saga de la La gran familia, donde compartió cartel con un actor al que ya había acompañado sobre las tablas de los escenarios: el gran Alberto Closas. Pero muy particularmente habría que destacar su vínculo con el cine de Luis García Berlanga, en filmes como Los jueves, milagro, Plácido, El verdugo (que estuvo a punto de protagonizar, pero la presión de los productores italianos obligaron al realizador a elegir a Nino Manfredi, relegando al español a un papel secundario), ¡Vivan los novios! o la trilogía formada por La escopeta nacional, Patrimonio nacional y Nacional III.

Concha López Silva, Mary Carrillo y López Vázquez:
el inolvidable trío protagonista de El pisito

Pero en 1967 llegaron Carlos Saura y su película Peppermint Frappé: el cine críptico e intelectual de Saura, en colaboración con el guionista Rafael Azcona -colaborador también de Berlanga y Ferreri en los títulos citados-, le dio a López Vázquez la oportunidad de demostrar su versatilidad. La colaboración entre ambos prosiguió con El jardín de las delicias y Mi prima Angélica, en las que el actor realizó verdaderos tours de force interpretativos que todavía hoy se recuerdan y se disfrutan con admiración.

Geraldine Chaplin, musa de Carlos Saura,
fue su compañera de reparto en Peppermint Frappé

Pero Saura no fue el único realizador destacado que confió en su buen hacer durante los años 70: Pedro Olea le dio el papel protagonista, de un hombre que se cree licántropo influido por la luna llena, en la basada en hechos reales El bosque del lobo; Manuel Gutiérrez Aragón le confió el difícil rol principal de Habla, mudita; Francisco Regueiro, uno de los directores malditos y más personales por excelencia de nuestro cine, contó con él en Carta de amor de un asesino y Duerme, duerme, mi amor; y Mario Camus lo incluyó en el apabullante reparto coral de La colmena, esta vez según el libro de Camilo José Cela. Otros dos grandes hitos de esta década son su colaboración con el mítico George Cukor en el film Viajes con mi tía, así como su papel protagonista en el telefilm La cabina, escrito por José Luis Garci y dirigido por Mercero para RTVE, y todavía hoy uno de los programas más míticos de la historia de nuestra televisión.

La cabina: un hito de la televisión española

Las décadas siguientes fueron menos brillantes, y el actor tuvo que complementar algunos filmes más destacados con otros trabajos directamente alimenticios... Como él mismo señala en algún momento del libro, un actor español no siempre se puede permitir trabajar en lo que quiere, sino en lo que puede... y no puede arriesgarse a ser demasiado selectivo, porque su desaparición en los cines podría ocasionar que las productoras acabaran olvidándose de él. Mientras tanto, López Vázquez seguía trabajando en cine y televisión; precisamente para la pequeña pantalla se hizo la serie Los ladrones van a la oficina, un gran éxito de audiencia que le dio popularidad para nuevas generaciones de espectadores.

Sus amigos Fernando Fernán-Gómez y Manuel Alexandre
también participaron en Los ladrones van a la oficina

En el presente libro, finalizado poco después de su desaparición, López Vázquez no solo habla de su trabajo, sino también de sus gustos como consumidor cultural, y en particular como cinéfilo: habla de las películas, directores y actores a los que admiraba de pequeño, e incluso escribe para la revista Fotogramas una serie de comentarios críticos de varios de los filmes proyectados en el Festival de Chicado de 1972, donde su película Mi querida señorita de Jaime de Armiñán -otro de sus papeles más justamente recordados- fue recibida con el aplauso unánime de la crítica especializada.

En Mi querida señorita realiza uno de los trabajos
más recordados de su carrera

De esta forma, los testimonios de ambos, López Vázquez y Lorente, se suman para dar como resultado el retrato humano y profesional del primero, en una obra que se complementa con un aparato de documentos adjuntos de lo más interesante y revelador -con múltiples reproducciones facsímiles-, así como cuatro cuadernillos de fotografías en blanco y negro y color que dan buena cuenta de toda una vida dedicada al cine y al teatro, la de un actor que no necesita de este libro para ser inolvidable. No obstante, bienvenida sea una lectura tan agradable, amena y enriquecedora como esta, y que sirva a modo de homenaje de uno de los más grandes hombres de nuestro cine.

LA BESTIA EN LA PANTALLA

2011-04-18T09:00:00.012+02:00

La bestia en la pantalla. Aleister Crowley y el cine fantástico
AA.VV. (Jesús Palacios, coord.)
San Sebastián, Donostia Kultura, 2010
330 pp. - 22 €

Fiel a su cita anual con los cinéfilos irredentos del fantastique, y un año después de aquel espléndido "Métal Hurlant" y el cine fantástico, la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián publicaba el año pasado este La Bestia en la pantalla. Aleister Crowley y el cine fantástico, volumen decimotercero de esta colección indispensable, y como el anterior y otros muchos de la misma, coordinado por el experto Jesús Palacios.

Aleister Crowley

Nadie mejor que Palacios para dirigir un proyecto como este: cualquiera que haya seguido su producción bibliográfica sabrá que la sombra de este personaje histórico, tan particular que a veces cuesta no considerar como un ente de ficción, planea sobre buena parte de la misma; de hecho, Crowley fue uno de los protagonistas indiscutibles de Desde el infierno. Una historia ocula del siglo XX, una de las obras capitales de Palacios. Y tanto es así que hasta en sus dedicatorias a los lectores este crítico emplea la máxima de la filosofía thelémica -"Haz lo que quieras será la única ley"- que rigió siempre la vida de este filósofo y escritor satanista, miembro de la Golden Dawn y figura de culto para esotéricos del más variado pelaje.

Considerado por muchos como "el peor hombre del siglo XX", Aleister Crowley es una figura íntimamente unida no ya solo al cine fantástico, sino al devenir del propio arte cinematográfico desde que David W. Griffith convirtió en manifestación artística el invento técnico de los hermanos Auguste y Louis Lumière. Pese a ello, no existía hasta la fecha ningún análisis historiográfico y/o crítico, mucho menos escrito en español, acerca del vínculo existente entre ambos. Así pues, este volumen viene a rellenar un hueco imperdonable en la bibliografía universal sobre cine.

Nosferatu

Como ocurre siempre con esta colección, el presente volumen presenta autoría colectiva, y Palacios se ha encargado de reunir a una nómina de expertos imbatible: inaugura el volumen Frank G. Rubio, desde siempre interesado en el lado oculto y esotérico de la realidad, y encargado aquí de realizar una semblanza biográfica del que fuera apodado como 'la Bestia'. Acto seguido, Luciano Berriatúa -reputado historiador particularmente vinculado al cine expresionista en general y a Nosferatu en particular- contempla la relación de Crowley con el cine silente alemán, y en concreto con El estudiante de Praga y la citada película de Murnau.

Kenneth Anger

Por su parte, Pedro Porcel analiza la figura de Crowley como espectador y cinéfilo, y el propio Palacios realiza una guía de nombres -estructura que en varias ocasiones emplearía en sus colaboraciones con la revista de Manuel Valencia 2000 maníacos- de personalidades vinculadas a Crowley y/o la magia thelémica en el seno del séptimo arte: de Kenneth Anger, director experimental de títulos como Fireworks o Inauguration of the Pleasure Dome, a Harry Smith, figura clave de la contracultura norteamericana, pasando por el realizados español de culto Carlos Atanes, el director de cine de serie B Curtis Harrington -recordado sobre todo por los filmes de ciencia ficción terrorífica Night Tide y Queen of Blood-, el inimitable escritor, guionista de cómic, cineasta y psicomago Alejandro Jodorowsky o E. Elias Merhige, director de aquella memorable cinta sobre el rodaje de Nosferatu La sombra del vampiro, donde John Malkovich y Willem Dafoe encarnaron respectivamente al director y al protagonista de este clásico del cine.

Perdurabo

Posteriormente, Robert A. Haller y Antonio Weinrichter glosan respectivamente las figuras de Kenneth Anger y Harry Smith, mientras que el citado Atanes comenta breve pero sustanciosamente la relación de Crowley con su propia obra audiovisual -particularmente con su film Perdurabo-, una filmografía inédita en los circuitos comerciales pero muy comentada en los festivales especializados de medio mundo, así como en la red.

Acto seguido, Palacios se lanza de nuevo al ruedo, esta vez para realizar un repaso a aquellas películas inspiradas en cierta manera en la vida y milagros de Crowley, convertido en "supervillano" de ficciones de índole diversa. Destacan en este recorrido cintas como La novia de Frankenstein de James Whale, Satanás de Edgar G. Ulmer, La semilla del diablo de Roman Polanski, y muy particularmente dos joyas del cine de terror como La noche del demonio de Jacques Tourneur o la muy reivindicable The Devil Rides Out de Terence Fisher y escrita por el gran Richard Matheson. Igualmente, no hay que olvidar las andanzas de villanos tan carismáticos como el Dr. Phibes al que encarnara en un par de ocasiones Vincent Price o al Zé do Caixao creado por el brasileño José Mojica Marins.

Zé do Caixao

Textos de Carlos Arenas, Adolfo Reneo -que analiza la relación de Crowley con la historieta-, Antonio José Navarro y Charly Álvarez completan la nómina de autores del cuerpo central del volumen. Pero, como siempre, aún hay más: en los "Apéndices" de los que suelen disfrutar las entregas de esta colección podemos leer al propio Crowley ejerciendo de crítico cinematográfico en las páginas de Vanity Fair allá por junio de 1917, así como un fragmento de la Autobiografía de William Somerset Maugham en la que el escritor comenta cómo conoció a Aleister Crowley y cómo este inspiró al personaje protagonista de su novela El mago.

Por si esto fuera poco, el volumen nos da la oportunidad de leer el soberbio cuento "El maleficio de las runas", del maestro de la literatura de fantasmas M. R. James, que sirvió de inspiración a Tourneur a la hora de rodar la citada La noche del demonio, todavía hoy una de las mejores películas de este maestro del fantástico. Por su parte, Ian Fleming -creador del popular James Bond-, cierra estos "Apéndices" con un fragmento de su novela Casino Royale, recientemente llevada al cine con Daniel Craig en la piel del agente 007.

La noche del demonio

Unas completísimas filmografía y bibliografía, divididas en varios apartados, y unos muy útiles índices onomástico y de obras cierran, pues, este La Bestia en la pantalla, libro de importancia capital por lo inusual de su contenido y lo riguroso de su tratamiento.

JESÚS FRANCO

2011-03-28T09:00:00.008+02:00

Jesús Franco
Carlos Aguilar
Madrid, Cátedra, 2011
400 pp. - 15,40 €

No es la primera ocasión, como no podía ser menos dada su importancia ya historiográfica, que la colección Signo e Imagen / Cineastas de la editorial Cátedra se deja caer por esta página consagrada a los libros sobre cine: ya habíamos comentado en el momento de su aparición los recientes volúmenes dedicados al añorado François Truffaut y al controvertido Julio Medem, escritos respectivamente por Luis García Gil y Zigor Etxebeste Gómez. Pero sí es la primera vez que sentimos una satisfacción en buena medida personal ante la aparición aquí de un título en concreto (y de su correspondiente escritor) de esta serie indispensable de volúmenes acerca de realizadores del cine universal de ayer y de hoy.

Jesús Franco, siempre cámara en mano

Y esto es así por un doble motivo: primero, porque la inclusión de una figura tan controvertida y en ocasiones vilipendiada como la de Jesús Franco -por el que, nos guste más o menos su cine, sentimos una gran simpatía- en una colección por lo general dedicada a cineastas de considerado prestigio, cuando no de adoración incondicional por parte de la cinefilia de todo el mundo (de Ford o Hitchcock a Eastwood o Scorsese pasando por Bergman, Wilder, Cassavetes, Kurosawa, Godard, Visconti o Kiarostami), nos parece un acto cuasi de justicia poética, habida cuenta de la importancia histórica de un caso tan sui generis como el de Franco no ya en la filmografía española sino en la mundial.

Carlos Aguilar, autor del libro

Por otro lado, nos satisface que llevar a cabo una misión tan titánica como la de glosar la vida (longeva) y milagros (de muy diversa catadura) del realizador de Necronomicon haya caído en unas manos tan autorizadas como las de Carlos Aguilar, escritor y crítico cinematográfico que ha mantenido durante años contacto directo con el realizador, además de una relación de amistad que ha pasado por mejores momentos que en el presente. Por si esto fuera poco, Aguilar ha demostrado en repetidas ocasiones, con una ya considerable bibliografía a sus espaldas, el conocimiento de primera mano de todas las posibles facetas del arte cinematográfico; esto es, del cine clásico y del contemporáneo, de las producciones del Hollywood dorado a las muestras más abisales de la serie B y Z.

Lo que llama la atención en primer lugar de este Jesús Franco de Aguilar es que, lejos de ser un relato hagiográfico repleto de loas y alabanzas desmedidas al protagonista del estudio, se trata de un volumen que, por un lado, reivindica su figura más allá del hecho de que haya engrosado la colección que recoge el texto; pero que por otro pone los puntos sobre las íes subrayando lo desmedido y muchas veces injustificado -si nos atenemos a méritos puramente técnicos e incluso artísticos- del culto que se ha formado alrededor de la figura del cineasta que debutara prometedoramente con la comedia Tenemos 18 años, para después echar por tierra buena parte de aquella promesa.

Necronomicon es uno de los trabajos más reputados de Franco

El texto de Aguilar combina los apuntes biográficos necesarios para entender el devenir vital y artístico de Franco, de su nacimiento en el seno de una familia de profunda raigambre intelectual a la delicada salud con la que sobrevive hoy, con el comentario más o menos pormenorizado de su filmografía... si bien no se detiene por igual en cada uno de los casi doscientos largometrajes que jalonan la producción, en efecto inabarcable, de este realizador. Que Aguilar pase por alto analizar algunos de los largometrajes realizados por Franco podría suponer que no estemos todavía ante el libro definitivo sobre el cineasta, si bien también nos hace pensar que quizá nunca llegue a existir dicho libro utópico.

Y es que, como el autor deja entrever en alguna ocasión, algunos de los muchísimos largometrajes firmados por este cineasta que ha usado docenas de seudónimos -desde el más popular y reconocible de Jess Franco o Jess Frank a otros como Frank Manera, Clifford Brown o Lulu Laverne- son absolutamente infumables, y dinamitan el lenguaje cinematográfico incurriendo en errores de montaje, raccords o un indudable abuso de travellings o zooms la mayoría de las veces gratuitos... por no hablar de la repetición de planos, casi de secuencias, en distintas producciones con montajes alternativos, títulos distintos e incluso datos oficiales de producción disímiles.

Jack Palance en Justine, según la obra del Marqués de Sade

Por si esto fuera poco, Franco ha rodado un gran número de coproducciones, así como películas de índole pornográfica que solo se han estrenado en el extranjero. Igualmente, y para complicar todavía un poco más el asunto, ha llevado a cabo distintas versiones, una soft y otra hard, de un mismo film de género erótico, con destino a mercados diferentes. Además, muchos de sus trabajos presentan títulos alternativos según los países en los que se han estrenado y/o con los distintos montajes con los que han acabado llegando a los cines... esto es, cuando no se han quedado directamente como filmes inéditos. Si a esto sumamos los múltiples seudónimos y sobrenombres con los que trabajaron a sus órdenes actores y técnicos, además de los utilizados por él mismo, resulta una tarea verdaderamente ardua unificar y establecer una filmografía completa y coherente de un director de obra tan polimorfa y extravagante.

No obstante, y pese a lo complejo del propósito, Aguilar recorre la filmografía de Franco desde su debut dentro de los márgenes de la industria a sus últimas películas rodadas en vídeo digital y con resultados experimentales y (solo aparentemente) amateurs, coincidiendo con una concesión de un Goya honorífico que no fue plato de gusto para todo el mundo. En este recorrido, Aguilar considera los primeros años de su obra como su etapa más fructífera en términos de calidad, y en concreto señala el estreno de Gritos en la noche en 1961 como el punto álgido no solo de su producción, sino del cine fantástico español. Con esta cinta, Franco inauguraba una de sus más populares series, la dedicada al siniestro doctor Orloff, así como su colaboración con el que se convertiría en uno de los actores más emblemáticos de su obra: Howard Vernon.

Howard Vernon es Orloff en Gritos en la noche

Como señala Aguilar, Vernon podría representar el icono masculino por excelencia de la filmografía de Franco, incluso por encima de otras presencias habituales como Jack Taylor, Antonio Mayans o el propio realizador reconvertido en actor... algo que también hizo, con un resultado digno de elogio, a las órdenes de Fernando Fernán-Gómez en la fascinante El extraño viaje. Por su parte, el icono femenino de Jesús Franco sin duda sería la actriz Soledad Miranda: fallecida prematuramente en un accidente automovilístico, la actriz andaluza tuvo tiempo de participar en varios filmes a las órdenes del realizador, siendo el más popular Las vampiras, versión femenina, lésbica y en cierta medida pop del Drácula de Bram Stoker (novela sobre la que Franco volvió en más de una ocasión). Dada la importancia de la intérprete en la obra del cineasta, no resulta gratuita por tanto la utilización de su atractivo físico para ilustrar la cubierta del libro, mediante un fotograma de El diablo que vino de Akasawa.

Howard Vernon y Soledad Miranda son solo dos de las personalidades que se pasean por este libro como satélites alrededor del "planeta Jesús Franco": no falta el concurso del productor Harry Alan Towers, el actor y director Ricardo Palacios o la actriz y realizadora Lina Romay, desde hace ya un buen puñado de años colaboradora, confidente y a la postre esposa del realizador. Los testimonios de todos ellos, extraídos de referencias bibliográficas, entrevistas y declaraciones convenientemente glosadas a pie de página, enriquecen el retrato poliédrico de una personalidad del cine español con cuya ética y estética se puede o no comulgar, pero a la que hay que reconocerle su mérito (cincuenta años de labor ininterrumpida tras las cámaras y al margen de todo apoyo económico o logístico por parte del ministerio), fruto de una necesidad casi biológica por rodar, así como la existencia de un universo propio fácilmente reconocible. Un universo para el que ahora tenemos una nueva y valiosa llave: este Jesús Franco escrito por Carlos Aguilar.

En el centro, Carlos Aguilar y Jesús Franco

Nota bene.- Pasado mañana miércoles 30 de marzo, a las 19.30 horas, tendrá lugar la presentación de este libro en la sede de la Filmoteca Española (Cine Doré, C/ Santa Isabel 3, Madrid). Dicho acto, de entrada libre limitada al aforo del local, contará con la presencia del autor y de Jack Taylor, uno de los actores fetiche de Jesús Franco; y durante el acto se proyectará la película Necronomicon (1968), protagonizada por Taylor y asimismo una de las más emblemáticas dentro de la filmografía del realizador.

Jack Taylor, uno de los actores fetiche de Jess Franco

(+) La web del autor

Rohmer revisado, ampliado... y presentado

2011-03-24T09:00:00.005+01:00

[Nota de prensa]

Desde que en 1991, Carlos F. Heredero y Antonio Santamarina publicaran en Cátedra el estudio sobre Eric Rohmer, el cineasta francés todavía realizaría ocho largometrajes más antes de morir, en París, el 11 de enero de 2010. De esta manera, los autores han visto la necesidad de poner al alcance de todos los lectores y seguidores de este cineasta un nuevo texto actualizado no solo con la inclusión de estas ocho nuevas películas, sino también con una renovada estructura que busca conseguir una visión de conjunto sobre la totalidad de su obra.

Miembro caracterizado de la Nouvelle Vague francesa y redactor jefe de la revista Cahiers du cinéma entre 1958 y 1963, Eric Rohmer es autor no solo de una importante reflexión teórica sobre el cine, sino también de una filmografía compleja, organizada a partir de ciclos cerrados sobre sí mismos ("Cuentos de las cuatro estaciones", "Comedias y proverbios").

Cineasta de la transparencia, buscador incansable de la objetividad cinematográfica a través de la siempre subjetiva puesta en escena, Rohmer desvela en su cine la realidad que se encuentra más allá de los comportamientos y de los discursos que tejen sus personajes. Las preocupaciones morales y las relaciones sentimentales son temas centrales de su obra.

Rohmer, portada de Cahiers du Cinéma - España
tras su desaparición

De este modo, Ediciones Cátedra celebrará este nuevo título con la presentación organizada mañana viernes 25 de marzo a las 19:45 horas, en la Filmoteca Española de Madrid (Cine Doré, C/ Santa Isabel, 3). A continuación del acto se proyectará la película Le rayon vert (Eric Rohmer, 1986).

Adiós a la otra mitad de la pareja más tormentosa de Hollywood

2011-03-23T21:00:00.006+01:00

[Nota de prensa]

Como ya sabéis todos, hoy ha fallecido Elizabeth Taylor, sin duda una de las leyendas de la historia del cine y todo un símbolo de una manera de entender la industria cinematográfica, la del primer Hollywood y época dorada de los grandes estudios.

Además de por su talento y reconocimiento como actriz -o precisamente por ello-, Elizabeth Taylor acaparó protagonismo y trascendencia mediática por su compleja y polémica relación amorosa con Richard Burton.

A este respecto, queríamos recordaros que el pasado 8 de noviembre Lumen publicó la obra El amor y la furia, un completo trabajo de investigación acerca de este romance que quizá os resulte de utilidad. Os adjuntamos un dossier de prensa con información de la obra.

Título: El amor y la furia. La verdadera historia de amor de Elizabeth Taylor y Richard Burton
Autores: Sam Kashner y Nancy Schoenberger
Traductora: Jofre Homedes Beutnagel
PVP: 22,90 €
N.º de págs.: 510 págs.
Fecha de publicación: 8 de noviembre de 2010

Los autores:

Sam Kashner es autor de tres ensayos y de una novela titulada Sinatraland (1999). Colabora regularmente con las revistas Vanity Fair, Esquire y GQ. Nancy Schoenberger, esposa de Kashner, ha sido durante años la directora de la Academy of American Poets y es responsable de los cursos de escritura creativa de la Universidad William and Mary.

La obra:

Ni contigo ni sin ti... Estas son las palabras que mejor describen la historia de amor de una de las parejas míticas del mundo del cine, que con sus andanzas llenaron las páginas de las revistas del corazón a mediados del siglo pasado y crearon a su alrededor un halo de glamour difícil de olvidar. El amor y la furia es un recorrido exhaustivo de la vida de los dos actores más conocidos de Hollywood en el siglo XX y una nueva exploración de su historia de amor, que a menudo cabalgó entre la pasión y la violencia.

Taylor y Burton se conocieron a principios de los años cincuenta, pero fue en la década de los sesenta, durante la polémica filmación de la película Cleopatra, cuando su idilio fue la comidilla de todo el mundo del cine. La pareja se casó, pero en 1974 llegó el divorcio, seguido de una reconciliación en 1975 y una definitiva ruptura en 1976. Hijo de una familia humilde y penúltimo de trece hermanos, Burton siempre tuvo la sensación de ser un perdedor en Hollywood, y eso acrecentó su debilidad por el alcohol. Taylor, la niña mimada de la pantalla, solía enamorarse de hombres aparentemente fuertes, pero con una debilidad más o menos oculta que ella estaba dispuesta a sanar. La hermosura de los dos y la atracción física que los unía dio lugar a un romance sonado pero que casi siempre la prensa reseñó de la manera más frívola.

Ahora Sam Kashner y Nancy Schoenberger, después de un gran trabajo de investigación y el acceso a documentos hasta ahora inéditos, profundizan en los detalles de esta historia difícil y apasionada. A la hora de trabajar, los autores han tenido también el apoyo de Elizabeth Taylor, un hecho que da credibilidad a su trabajo sin restarle honestidad.

Hitchcock / Truffaut: las grabaciones

2011-02-24T09:00:00.000+01:00

"Con el transcurso del tiempo El cine según Hitchcock ha adquirido la fama, probablemente exagerada, de ser el mejor libro publicado sobre temas de cine, pero sea como fuere es un trabajo magnífico que dice mucho sobre la personalidad y el trabajo de Hitchcock, pero también sobre la del entrevistador, lo cual no es habitual en una tarea de ese tipo, donde suele abundar la voz impersonal de quien formula las preguntas". Así se expresa el escritor y crítico cinematográfico José María Latorre en su ensayo "El aliento de Hitchcock", incluido en François Truffaut. El deseo del cine (Colección Nosferatu, n.º 6): una reflexión que viene a cuento gracias a que se nos brinda una nueva posibilidad de escuchar de viva voz a entrevistador y entrevistado en aquellos míticos encuentros en 1962.

Fue en aquel año que, reunidos en las oficinas de Universal Studios y con la mediación de Helen Scott, de la French Film Office de Nueva York, como traductora (el realizador que debutara con Los cuatrocientos golpes no hablaba demasiado bien inglés), que François Truffaut se reunió con su admirado Alfred Hitchcock para realizar una serie de entrevistas de media hora de duración que, una vez editadas, dieron lugar a Le cinéma selon Hitchcock, el más mítico libro sobre cine jamás publicado.

Alfred Hitchcock y François Truffaut

Ahora, cortesía de FILMdetail.com, podemos escuchar on line o incluso descargar, todos juntos o por separado, los distintos archivos de audio que recogen la pista sonora de aquellos encuentros, para escuchar y disfrutar de las auténticas voces de dos de los realizadores que hicieron de su trabajo una de las manifestaciones artísticas más ricas del siglo XX.

Con todos ustedes, The Hitchcock and Truffaut Tapes.

TERROR BAJO LAS AGUAS

2011-02-07T09:00:00.011+01:00

Terror bajo las aguas. El cine de monstruos marinos
Carlos Burgaleta & José Luis Viruete
Madrid, Ilarión, 2010
248 pp. - 17 €

A los que echen de menos darse un buen chapuzón en el mar pero no se atreven a vérselas ahora mismo con el crudo clima invernal siempre les quedará la posibilidad de, desde la comodidad del sofá frente al televisor, ver cómo lo hacen otros. Y si la película elegida para la ocasión es una cinta de terror donde nadadores y turistas corren hacia la arena o se enfrentan a amenazas surgidas de los abismos más profundos para intentar salvar sus vidas, quizá se les quiten las ganas del todo. Si eligen esta opción, no se me ocurre mejor guía para elegir con criterio que este Terror bajo las aguas, editado a finales del año pasado por Ilarión.

La mujer y el monstruo

El libro, firmado por Carlos Burgaleta y un experto en cultura popular como José Luis Viruete (quién no se ha echado unas risas alguna vez con todo el material psicotrónico y casposo que alberga su web Viruete.com), no es sino un compendio exhaustivo de aquellos filmes, la mayoría lógicamente de terror (aunque no faltan los de aventuras, por ejemplo) en los que la amenaza surge del fondo del mar: y no piensen que hablamos solamente de tiburones, orcas asesinas, pirañas o caimanes, sino también de variantes tan curiosas como los nazis acuáticos, que protagonizan una película como Shock Waves... precisamente retitulada en España no solo con la traducción literal de Ondas de choque, sino también como Terror en las aguas.

El recorrido que realizan los autores por tan peculiar filmografía se divide en dos apartados: el primero es una "Filmografía básica" que recoge lo más destacado del subgénero, desde la oscura producción inglesa de 1934 The Secret of the Loch hasta, como era de esperar, la reciente Piranha 3D de Alexandre Aja, dicho sea de paso una película espléndida que inexplicablemente permanece inédita en nuestros cines (¿Quizá nos llegue el próximo estío?). Entre una y otra, y estricto orden cronológico, hacen acto de presencia un gran número de títulos y realizadores tan destacables como 20.000 leguas de viaje submarino de Richard Fleisher, La mujer y el monstruo de Jack Arnold, Moby Dick de John Huston, la Piraña original de Joe Dante, su secuela y debut como realizador de James Cameron (y de la que el autor de Titanic reniega) o, claro está, la cinta que supone el punto álgido y de inflexión del género: la celebrada Tiburón de Steven Spielberg.

Piranha 3D

Dicho film, estrenado en 1975 y protagonizado por un trío de intérpretes soberbios -Roy Scheider, Robert Shaw y Richard Dreyfuss-, supuso todo un fenómeno sociológico que hizo disminuir el turismo playero en medio mundo, gracias principalmente a la labor tras la cámara de un casi primerizo Spielberg que consiguió la que todavía es hoy uno de sus tres o cuatro mejores trabajos. Lamentablemente, lo que vino después no estuvo a la altura, y no nos referimos solamente a las secuelas oficiales, sino a un gran número de imitaciones exploitation realizadas la mayoría de las veces con muy poco presupuesto y todavía menos pudor.

En esta filmografía básica, como decíamos muy exhaustiva, se alternan producciones de corte comercial como Esfera de Barry Levinson o Deep Blue Sea de Renny Harlin con películas de espíritu independiente como la reivindicable Open Water o experimentos como Incidente en el Lago Ness, un falso documental impulsado por el siempre sorprendente Werner Herzog. No faltan producciones más exóticas como la australiana El territorio de la bestia (Rogue) o la coreana (y espléndida) The Host, ni tampoco simpáticos productos de serie B como La bestia bajo el asfalto o el cúmulo de producciones que siguieron a la exitosa Abyss del ya citado Cameron: este fue el caso de Leviathan, Profundidad Seis o la producción española La grieta, del malogrado Juan Piquer Simón.

The Host

No es menor el interés, ni mucho menos, del apartado "Filmografía abisal", que como su título sugiere repasa filmes que Burgaleta y Viruete consideran mucho menos relevantes -ya sea por su escasa calidad artística, ya por ser menos representativas del género que nos ocupa-... pero que en muchas ocasiones merecen su atención aunque solo sea por lo divertido y desenfadado de sus propuestas. Esta parte del libro arranca con La fiera del mar (primeriza y curiosa adaptación del Moby Dick de Hermann Melville realizada en 1930) y se cierra con Mandíbulas 3, y está repleta de producciones de bajo (o bajísimo) presupuesto firmadas por realizadores como Roger Corman, Irwin Allen, un sorprendente Samuel Fuller, Tobe Hooper, Wes Craven o el recientemente fallecido Peter Yates, aunque en su Abismo el peligroso animal acuático apenas aparezca y la amenaza tenga un origen más terrenal.

Los comentarios de todos los filmes reseñados en la "Filmografía básica" están compuestos, además de por la lógica ficha técnica, por una sinopsis del filme, una selección de secuencias y diálogos de interés y por la recopilación de datos y/o curiosidades que merecen destacarse, ya sea del rodaje, del estreno o de la recepción crítica de la película en cuestión, así como por el recuerdo a las frases promocionales de la misma. En el caso de la "Filmografía abisal", los comentarios son menos extensos, y en ellos el sentido del humor, cargado de ironía, de los autores campa a sus anchas, todavía más si cabe que en el apartado anterior.

Anaconda

Gracias a este sentido del humor, Terror bajo las aguas -que cuenta con una atractiva cubierta dibujada por el maestro Alfonso Azpiri- se lee con una sempiterna sonrisa dibujada en el rostro, e incluso no es necesario haber visto la mayor parte de las películas comentadas para disfrutar conociendo de la mano de estos testigos de excepción aspectos más o menos desconocidos de la enésima secuela de Anaconda o la (pen)última producción de la descarada productora The Asylum.

En definitiva: Terror bajo las aguas es un título de muy recomendable lectura, al que quizá se le pueda criticar como único aspecto negativo un mayor cuidado en la corrección ortográfica final. Por lo demás, y aunque en sus páginas concursen algunos de los realizadores más interesantes de todos los tiempos (especializados o no en el género fantástico), resulta indispensable sobre todo para los amantes de la serie B y Z, campo de cultivo favorablemente abonado para el desarrollo de este subgénero de terrores marinos.

DESAYUNO CON DIAMANTES

2011-01-17T09:00:00.003+01:00

Desayuno con diamantes
Sarah Gristwood
Madrid, Electa, 2010
192 pp. - 21,90 €

En este 2011 que acaba de empezar se cumple el cincuenta aniversario de películas que son ya clásicos indiscutibles del séptimo arte y que están en mente de todos: si nos limitásemos a nuestro cine tendríamos que hablar de Plácido, la obra maestra del recientemente fallecido maestro Berlanga, y si ampliásemos las fronteras al cine italiano 1961 fue también el año de una cosecha espléndida, con Accatone de Pasolini, La noche de Antonioni, Divorcio a la italiana de Germi o La chica con la maleta de Zurlini. Dos grandes nombres del cine europeo, el francés Alain Resnais y el sueco Ingmar Bergman, estrenaban respectivamente la laberíntica El año pasado en Marienbad y la fascinante Como un espejo. Pero si nos referimos al cine hollywoodiense, ese que sigue suministrando sueños (unos mejores que otros, bien es cierto) a nuevas generaciones de espectadores, aquel año, aunque no tan glorioso como el que le precedió, trajo títulos tan emblemáticos como West Side Story, Vencedores o vencidos, El rostro impenetrable, Esplendor en la hierba o El buscavidas.

Pero si hay una película de 1961 que ha pasado a formar parte de la cultura popular del siglo XX, albergando varios iconos en su seno, así como una melodía que ha hecho historia, esa es sin duda -incluso por encima del mencionado musical de Robert Wise y Jerome Robbins- Desayuno con diamantes. Dirigida por el también desaparecido hace unas semanas Blake Edwards, sin duda no es el mejor film del año -permítanme destacar, a título personal, las obras maestras citadas que filmaron Elia Kazan y Robert Rossen-, pero sí es el que ha alcanzado un más alto estatus en la nómina de películas míticas de la educación sentimental de tantos y tantos espectadores.

Blake Edwards

Coincidiendo con este cincuenta aniversario, Pavilion Books editó en el Reino Unido este libro de Sarah Gristwood, que ahora llega a nuestro país de la mano de Electa, sello del emporio editorial Random House Mondadori. Estamos ante un libro muy cercano al concepto del coffee table book, esos productos editoriales de los que es más importante el atractivo envoltorio y la majestuosidad del apartado gráfico que no el propio texto, muchas veces un mero apoyo para todo lo anterior. Por ello, este Desayuno con diamantes, además de impreso en un estupendo papel de grosor considerable, en cartoné y con sobrecubiertas, está plagado de fotografías en color y blanco y negro, muchas a toda página o incluso a doble página, que dan testimonio gráfico no solo de un film, sino de toda una época y una forma de entender el cine, la moda y las relaciones sociales.

No obstante, en esta ocasión se ha alcanzado un gozoso equilibrio ideal entre dicho aparato visual y el cuerpo textual, pues la investigación de Gristwood no es en ningún modo baladí: construida como un verdadero making of impreso, la obra sigue el proyecto de llevar a la gran pantalla la celebrada novela de Truman Capote desde los preparativos del mismo hasta el estreno y todo lo que este supuso para la sociedad norteamericana de aquel momento, pasando claro está por el rodaje del film a cargo de un joven director cuyo único punto álgido en el currículo era el éxito de la comedia Operación Pacífico con Cary Grant y Tony Curtis.

Truman Capote

Leyendo el Desayuno con diamantes de Sarah Gristwood, el lector descubrirá que en muchas ocasiones tras una película que a un gran número de espectadores se les antoja perfecta se esconden un cúmulo de desencuentros, dudas y desavenencias: un caso más popular podría ser el de aquella película prácticamente improvisada día a día que terminó siendo Casablanca, pero el film de Edwards no le anda demasiado a la zaga: Capote no quería a Audrey Hepburn como Holly Golightly -su apuesta personal era ni más ni menos que la mucho más carnal Marilyn Monroe-, Edwards no quería a George Peppard como Paul, y Mel Ferrer -el actor y director que por aquel entonces era también esposo manipulador de la actriz principal- no gustaba de muchas de las decisiones de Edwards en lo que a dirigir a su esposa se refería y condujo su interpretación desde la sombra hasta que el director del film dijo basta. Por no hablar del controvertido papel cómico de Mickey Rooney como el señor Yunioshi, el excéntrico vecino japonés de la protagonista...

Pero no todo fueron contratiempos: a la productora se la permitió filmar en el interior de la mismísima joyería Tiffany's, centro neurálgico del relato, y que gracias a la película multiplicó con creces su ya de por sí considerable fama; el director consiguió un reparto compacto y casi sin fisuras, con la participación de Patricia Neal -a la sazón esposa del escritor Roald Dahl- y del aristócrata español José Luis de Vilallonga; la colaboración entre la veterana diseñadora de vestuario del Hollywood clásico Edith Head y el mítico Hubert de Givenchy fue (nunca mejor dicho) como la seda; y el compositor Henry Mancini, después de pasar un mes sin dar con la clave para la canción que debía interpretar la protagonista en las escaleras del edificio donde vivía, se sentó al piano y compuso el tema central del film en menos de media hora.

Este tema, claro, es "Moon River", que pese a las reticencias iniciales de varios miembros del equipo, entre ellos la propia Audrey Hepburn, acabó cantando la propia intérprete sin necesidad de ser doblada: se tomó la decisión de que primara la naturalidad y la verosimilitud por encima de la perfección. Posiblemente lo que ha convertido en memorable a este film sea esa ambigüedad acerca de la protagonista -que en el texto de Capote ejerce, inequívocamente, de prostituta, algo que en el film nunca se explicita pero que puede intuirse-, y que se extiende al resto de piezas del relato acercándolo a la vida real y dotando de un cierto patetismo, no exento de ternura, a elementos supuestamente empapados de glamour como el mítico vestido negro, la kilométrica boquilla y, claro está, los diamantes de incalculable valor que se venden en el corazón de Manhattan.

En definitiva: estamos ante una lectura indispensable para conocer mejor uno de los títulos más míticos de la historia del cine, y cuyo disfrute sirve de paso, no solo como homenaje a la propia película, sino a un realizador que después bebió las mieles del éxito con la saga de La pantera rosa y otras comedias de menor fuste, pero que salvo casos muy contados -quizá solo Chantaje contra una mujer, Días de vino y rosas y parte de El guateque- nunca volvió a brillar a tanta altura.

El cine del 2010: Nuestro Top 10 para Cahiers du Cinéma

2011-01-05T09:00:00.000+01:00

Un año más, la edición española de Cahiers du Cinéma hace balance del mejor cine estrenado a lo largo del año anterior, y ofece la posibilidad de votar tanto a los críticos especializados como a sus lectores, estos últimos a través del correo postal y digital. Los resultados acaban de publicarse en el recién aparecido n.º 41.

Para no romper la costumbre, como ya hice en 2007, 2008 y 2009, un servidor volvió a votar su particular Top 10, esta vez compuesto por la siguiente lista:

1.- Shutter Island (Martin Scorsese)
2.- Origen (Christopher Nolan)
3.- Two Lovers (James Gray)
4.- El escritor (Roman Polanski)
5.- La red social (David Fincher)
6.- The Lovely Bones (Peter Jackson)
7.- Kick-Ass (Matthew Vaughn)
8.- Gainsbourg (Vida de un héroe) (Joann Sfar)
9.- Pan negro (Agustí Villaronga)
10.- Air Doll (Hirozaku Kore-eda)

Leonardo DiCaprio en Shutter Island

Me gustaría hacer una mención especial a tres títulos que quedaron fuera simplemente porque no cabían en un Top 10, pero que estuvieron a punto de ser seleccionadas: me refiero a tres películas tan interesantes como Buried (Enterrado), El americano y The Town (Ciudad de ladrones).

Rebecca Hall y Ben Affleck en The Town (Ciudad de ladrones)

Por otra parte, y para que quede constancia, el cine visto en la gran pantalla a lo largo de este 2010 se completa con Alicia en el País de las Maravillas, Caza a la espía, El Equipo A, El Gran Vázquez, El hombre lobo, Habitación en Roma, Invictus, Iron Man 2, Los mercenarios, Machete, Pesadilla en Elm Street (El origen), Robin Hood y Sherlock Holmes.

Steven Seagal (centro) en Machete

Igualmente, hemos recuperado en formato doméstico algunas películas que no pudimos ver en el cine pero que sí fueron estrenadas a lo largo del año, y que independientemente de su calidad no hemos tenido en cuenta a la hora de confeccionar el anterior Top 10. Este es el caso de -destacando en negrita otras diez cintas de mayor interés que el resto-: Adèle y el misterio de la momia, Airbender: el último guerrero, Al límite, An Education, Brothers (Hermanos), Canino, Carancho, Centurión, Cinco minutos de gloria, Daybreakers, Desde París con amor, El aprendiz de brujo, El circo de los extraños, El corredor nocturno, El libro de Eli, El mal ajeno, El padrastro, El retrato de Dorian Gray, En tierra hostil, Fantástico Sr. Fox, Green Zone (Distrito protegido), Hierro, Killers, La cuarta fase, La herencia Valdemar, La otra hija, Legión, Los hombres que miraban fijamente a las cabras, Los otros dos, Miedos, Ni en sueños, Noche loca, Noche y día, Predators, Repo Men, Resident Evil: Ultratumba, Reykjavik-Rotterdam, Salt, Scott Pilgrim contra el mundo, Solomon Kane, Splice (Experimento mortal), Sunshine Cleaning, Teniente corrupto, Tensión sexual no resuelta, Todo sobre mi desmadre, The Crazies, The Road (La carretera), Una escapada perfecta, Un ciudadano ejemplar, Un profeta, Up in the Air, Wall Street: El dinero nunca duerme y When You’re Strange. Hubo otros cuatro estrenos de películas ya vistas antes del comienzo del año (pues fueron estrenadas en nuestro país con un retraso considerable), como es el caso de I'm Not There, Saw VI, The Girlfriend Experience y Vertige.

Eva Mendes y Will Ferrell en Los otros dos

Por si tienen curiosidad, y según lo publicado en la página 73 del último Cahiers, los diez primeros puestos de cada lista (de un total de veinte) quedaron de la siguiente forma en el resultado final:

Los votos de los críticos:
1.- Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas
2.- Copia certificada
3.- Film Socialisme
4.- Two Lovers
5.- Ne change rien
6.- La cinta blanca
7.- La red social
8.- Fantástico Sr. Fox
9.- Poesía
10.- En tierra hostil

Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas

Los votos de los lectores:
1.- La cinta blanca
2.- Two Lovers
3.- La red social
4.- Copia certificada
5.- Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas
6.- Un profeta
7.- Toy Story 3
8.- El escritor
9.- Fantástico Sr. Fox
10.- Shutter Island

La cinta blanca

Al contrario que ocurriera el año pasado, ambas listas son bien distintas entre sí, aunque tanto la crítica como los lectores le dan la razón al jurado del Festival de Cannes... sea este cual sea, ya que los críticos han elegido como mejor película del año la producción tailandesa que obtuviera el máximo galardón del festival este año, mientras que los lectores han recuperado la Palma de Oro del año pasado para el film de Michael Haneke que se estrenó entre nosotros al comienzo del 2010.

El año que viene, por nuestra parte y suponemos que también por la de Cahiers, más.

BIKER FILMS

2010-12-15T09:00:00.006+01:00

Biker Films. Historia del cine biker
Marc Gras
Llinars del Vallès, Quarentena Ediciones, 2010
96 pp. - 21 €

Siguiendo con su apuesta por el cine de género, y más concretamente por las películas de culto, la editorial Quarentena distribuye, después de un interesante monográfico sobre Dario Argento, este Biker Films. Historia del cine biker, escrito por el especialista Marc Gras. Se trata de un volumen editado con un formato considerable (21 x 29,7 cm) con la finalidad de dar lustre al apartado gráfico del mismo, sin duda el gran protagonista de la oferta.

No obstante, y pese al atractivo indudable de la cartelería que acompaña al texto de Gras, este no merece despacharse sin atención: aunque en ocasiones pueda saber a poco, el también director de documentales sobre el mundo de las cult movies realiza una introducción más que correcta al cine biker de cara al espectador profano, aquel que pueda desconocer las relaciones que existen entre el séptimo arte y lo que podría llamarse la filosofía biker.

Marlon Brando en Salvaje

De esta forma, se empieza destacando la importancia seminal de Salvaje, el film de 1953 dirigido por Laszlo Benedek y protagonizado por un Marlon Brando que se vería convertido con el paso del tiempo en todo un icono (contra)cultural. A continuación, Gras opta por centrarse en la época de esplendor de este subgénero, que abarcaría desde mediados de la década de los 60 hasta principios de la siguiente.

Al comienzo de esta "Edad de Oro" del cine biker, Gras señala el momento en el que el productor Roger Corman, siempre atento a la posibilidad de rentabilizar cualquier moda -cinematográfica o no-, se lanzó (concretamente en 1964) a dirigir la primera película del género centrada con propiedad en los outlaw bikers; esto es, en los moteros al margen de la ley. El resultado fue Los ángeles del infierno (The Wild Angels), protagonizada por dos actores verdaderamente icónicos del género: Peter Fonda y Bruce Dern; mientras el segundo volvería al mismo con filmes como Rutas de violencia (Rebel Rousers) o The Cycle Savages, el primero protagonizaría con Dennis Hopper la que sin duda es la película más célebre del género... aunque algunos de sus exégetas ponen en tela de juicio su pertenencia al mismo. Nos referimos, claro, a la emblemática y generacional Easy Rider (Buscando mi destino).

Jack Nicholson en Rutas de violencia

El éxito de Los ángeles del infierno llevaría al avispado Corman a reincidir en la temática con Devil's Angels, esta vez dejando las tareas de dirección a Daniel Haller y la labor interpretativa al también realizador John Cassavetes, Beverly Adams y Mimsy Farmer. Pero volviendo a la anterior incursión de Corman en el mismo, Gras considera al citado film junto con Violencia en Las Vegas (Hell's Angels 69) -cuyo cartel sirve de motivo central para la cubierta del presente volumen-, una de las películas del género más logradas. No piensa lo mismo de otros trabajos, aunque no los deja de lado en busca de exhaustividad: este es el caso del mítico cortometraje de Kenneth Anger Scorpio Rising, o de Motor Psycho, esta última la incursión en el género del siempre divertido Russ Meyer, cineasta especializado en nudies protagonizadas por mujeres de formas exuberantes.

Born Losers, Naked Angels o Bury Me an Angel son otros de los títulos comentados, y la figura de Al Adamson se erige como otro de los grandes protagonistas del libro: director de un film tan curioso como Los sádicos de Satán (Satan's Sadists), que protagonizó Russ Tamblyn después de destacar en musicales como West Side Story o Siete novias para siete hermanos y mucho antes de ser recuperado en Twin Peaks, Adamson fue uno de los realizadores que, antes de retirarse para acabar asesinado por su contratista (sic), acercó el género de los biker films a otros como el policíaco o muy particularmente el terror... por lo general dentro de las coordenadas del exploitation.

Russ Tamblyn (dcha.) en Los sádicos de Satán

Precisamente al camino que tomó después el género, por lo general fusionándose con otros, dedica Gras las últimas páginas del libro: una suerte de apéndice dedicado a la evolución del género dentro de los márgenes más amplios del llamado "cine de culto", conformando una filmografía que va desde productos tan dignos como Los caballeros de la moto de George A. Romero a mediocridades sin gracia como Yo compré una moto vampiro; entre una y otra, curiosidades de serie B como Timerider, Megaforce o Warrior of the Lost World.

Precisamente es en este último apartado donde se echa en falta algo más de detenimiento: y es que Biker Films no solo interesará a los amantes del género biker -entre los que un servidor no se cuenta, al menos hasta la fecha- sino también a los fanáticos del cine de culto y la serie B y Z -aquí sí me incluyo sin vergüenza alguna-, y por tanto habría estado bien incidir más en algunos de estos títulos y en otros que se mencionan de pasada, como es el caso de filmes asiáticos como Killer on Wheels o el popular film de animación Akira de Katsuhiro Otomo.

Akira

En definitiva: Biker Films es una herramienta imprescindible para internarse por vez primera en las fronteras de un universo tan particular como el que configuran los títulos señeros del género biker, y aunque probablemente no sea la obra definitiva sobre el mismo -los comentarios de algunos filmes deberían ser más extensos, y se echa en falta una crítica más argumentada-, sí que supone un primer e inevitable acercamiento hacia ese compendio absoluto que, de escribirse algún día, no me extrañaría llevara la firma del propio Marc Gras... un autor que sin duda sabe de lo que habla y al que se le agradece que escriba sobre lo que conoce de primera mano.

Se presenta la biografía autorizada de López Vázquez

2010-12-07T09:00:00.005+01:00

En la tarde de este jueves 9 de diciembre se presentará en Madrid la biografía autorizada de José Luis López Vázquez, maestro de la interpretación que nos dejó hace poco más de un año, y que ha sido escrita por Luis Lorente. Edita Foca.

Más información, pinchando sobre la imagen para verla a mayor tamaño.

Lindsay Lohan no irá al infierno

2010-11-25T09:00:00.000+01:00

Después de todo y a pesar de todos sus pecados, y de lo poco arrepentida que se suele mostrar, Lindsay Lohan no irá al infierno. Y es que el cartel que sigue -en realidad un teaser poster- nunca llegará a reclamar la atención del espectador desde la cartelera de cine alguno porque la productora del film en cuestión y la actriz, de mutuo acuerdo, han dado por finalizado el contrato que los vinculaba a ambos.

Inferno: A Linda Lovelace Story es, como su título al completo especifica, un biopic de la célebre actriz de cine pornográfico de los 70 que protagonizara la que todavía es hoy una de las películas (X o no) más rentables de la historia del cine: Garganta profunda. La cinta será la segunda película del director de Your Name Here -que, curiosamente, contaba con una actriz de cine para adultos reconvertida en intérprete de películas convencionales: la inimitable Traci Lords- y en un principio iba a estar protagonizada por Lohan, a la que todavía podemos ver en cartel gracias al Machete de Robert Rodriguez.

Linda Lovelace y Harry Reems en Garganta profunda

Al parecer, Inferno estará basada en Ordeal, el libro autobiográfico escrito en colaboración con Mike McGrady y editado en España con el más explícito título de Garganta profunda. Memorias de una actriz porno (La Fábrica, 2003). El volumen en cuestión es todo un ajuste de cuentas de Linda Lovelace con la industria del cine para adultos en general y sobre todo con (o mejor dicho, contra) su primer marido, Chuck Trainor, al que acusó de introducirla en contra de su voluntad en el cine X y de paso también en la prostitución. Curiosamente, años después Trainor se casaría con otra actriz legendaria del gremio: Marilyn Chambers, fallecida el pasado año.

Dicho sea de paso, este Ordeal es una de las mejores autobiografías que un servidor haya leído jamás... aunque no sea, dado su contenido explícito y el odio y el sufrimiento que destilan sus páginas, una lectura para todos los paladares; y dejan intuir, salvo que todo el mérito sea de McGrady, que la actriz tenía otros talentos aparte de los demostrados en su trabajo más recordado. Con todo, para ser exhaustivos y aunque su contenido se viera suavizado en su día, los productores también deberían leer Inside Linda Lovelace, el primer libro de la intérprete -publicado en España como Dentro (Cupsa, 1977)-, donde todavía no renegaba del porno que la convirtió en una celebridad a lo largo y ancho de todo el orbe.

Y, dado que -suponemos- el rodaje y el estreno de Garganta profunda serán uno de los elementos clave del relato de Inferno, no estaría de más que además de ver el valioso documental Inside Deep Throat le echaran un vistazo al libro Gerard Damiano: el pornógrafo indie, la biografía del ya fallecido director del film escrita por nuestro paisano Paco Gisbert, todo un experto en la materia (de hecho, coescribió con Manuel Valencia Exxxpaña, sobre el cine X nacional).

En resumidas cuentas: al parecer Lohan seguirá con su rehabilitación -esa de la que al salir la lleva semana sí semana no a pasar una noche entre rejas-, mientras que los responsables de Inferno han optado como sustituta por Malin Akerman, la actriz de nacionalidad sueca que encarnara a Silk Spectre II en Watchmen. Imaginamos que aquí tendrá que volver a ponerse una peluca oscura...

Malin Akerman

Posiblemente los espectadores hayamos ganado con el cambio, pero eso no quita que la intervención de Lindsay Lohan como Linda Lovelace -dos actrices que comparten algo más de las iniciales- conllevara interesantes lecturas implícitas que ahora dejarán de ser una interesante baza para este, ya desde mucho antes de su estreno, polémico film.

Lohan recrea a Lovelace para el fotógrafo Tyler Shields

Esperaremos pues ansiosamente el estreno de Inferno, que tendrá lugar a lo largo del próximo año, sea con la actriz que sea. De momento, y a modo de homenaje, dejamos aquí un documento (cuasi) histórico: el obituario publicado por el diario El Mundo en 24 de abril de 2002, poco después del fallecimiento, tras un aparatoso accidente de coche, de la ya mítica Linda Lovelace:

Segunda dosis de terror

2010-11-17T09:00:00.003+01:00

Ya nos hicimos eco en su día de la publicación de Terror en píldoras, libro que el estudioso David G. Panadero dedica a las películas de terror compuestas por pequeños episodios. Dado el indudable interés de la propuesta no queremos dejar de señalar que ya está disponible una segunda edición corregida, con nueva -y llamativa- cubierta a cargo de Fernando Cámara. Una lectura obligada para los amantes del género del terror, de mano de Prótesis Editorial y Grupo Kelton.

RAY HARRYHAUSEN

2010-11-03T09:00:00.002+01:00

Ray Harryhausen. El maestro del stop-motion
Carlos Díaz Maroto
Madrid, Calamar, 2010
288 pp. - 28,50 €

Aunque ya podíamos encontrar un par de referencias bibliográficas con su figura como principal protagonista -El mundo mágico de Ray Harryhausen de J. L. Fernández-Rebollos, editado por el Festival de Cine de Gijón, y el volumen colectivo Ray Harryhausen. Creador de monstruos, publicado por Maia el año pasado-, este técnico de efectos especiales, cuya mera mención nos trae a los cinéfilos tantos recuerdos relacionados con el cine fantástico que disfrutamos en los cines y en la televisión durante nuestra infancia, bien merecía un nuevo análisis pormenorizado de sus aportaciones al séptimo arte realizado en España, país que vio varios de sus rodajes. La oportunidad se manifiesta con este Ray Harryhausen. El maestro del stop-motion que acaba de publicar Calamar Ediciones.

Ray Harryhausen

El libro en cuestión viene firmado por Carlos Díaz Maroto, crítico cinematográfico especializado en el cine fantástico de factura clásica, como demuestran otros títulos de su producción como Los hombres lobo en el cine o King Kong. El rey del cine, ambos editados por Jaguar. Nadie mejor que este escritor madrileño para desgranar la vida, obra y milagros -nunca jamás la etiqueta de "y milagros" le vino mejor a otro que no fuera este mago del celuloide- de Ray Harryhausen, desde sus primeros pasos profesionales sin acreditar en producciones de animación de George Pal y documentales bélicos firmados por los cineastas Frank Capra y Anatole Litvak hasta Furia de titanes, de 1981, último largometraje en el que se encargó de los efectos especiales... sin olvidar los proyectos que nunca se terminaron y/o jamás llegaron a ver la luz, y a los que Díaz Maroto dedica una atención especial digna de encomio.

Así, después de tres epígrafes dedicados a glosar los efectos especiales más primitivos del séptimo arte -esto es, los antecedentes del propio Harryhausen- así como los primeros años profesionales de este maestro de la animación fotograma a fotograma, el libro se articula mediante una propuesta de capítulo por film, empezando por El gran gorila -una secuela del éxito de King Kong, ahora dirigida en solitario por Schoedsack y quedando Cooper como coproductor junto al gran John Ford- y siguiendo por cintas tan celebradas por los amantes del cine fantástico y de serie B como El monstruo de tiempos remotos, Earth vs. the Flyning Saucers o 20 Million Miles to Earth.

El monstruo de tiempos remotos

A continuación aparece ya la que sin duda es una de las obras maestras de Harryhausen, y por extensión una de las cumbres del cine de fantasía: Simbad y la princesa, dirigida por Nathan Juran y primera de las tres películas que Harryhausen dedicara al célebre marino. Tampoco faltan, claro, joyas como Jasón y los argonautas, Hace un millón de años -unica producción de la mítica Hammer que contó con Harryhausen, y film de ambientación prehistórica a mayor gloria del rotundo físico de Raquel Welch- o la muy curiosa y reivindicable The Valley of Gwangi, inédita en nuestros cines pero emitida por algún canal de televisión patrio muy de vez en cuando.

Como todo buen libro de cine, además del valor intrínseco del texto su contenido ha de entrar por los ojos... más todavía si la obra se orienta a comentar el trabajo de alguien como Ray Harryhausen, dedicado a materializar criaturas imposibles surgidas de los sueños más maravillosos -y de las pesadillas más horribles- de los hombres. Para ello se ha contado con la colaboración y el beneplácito de The Ray & Diana Harryhausen Foundation, que ha aportado no solo fotografías de los filmes, sino dibujos y bocetos del propio Harryhausen, la mayoría prácticamente desconocidos hasta la fecha para el lector medio y a la postre un auténtico tesoro para el aficionado.

Simbad y la princesa

Completan la oferta, repleta de anécdotas de índole histórica sobre el desarrollo de los proyectos y los rodajes de los filmes, un capítulo dedicado a los proyectos no rodados de Harryhausen -nada menos que 34 páginas sobre los mismos, demostrando el ingente trabajo de documentación del autor- y otro que retrata la relación del artista con el cómic, cuyo mundo también ha demostrado conocer Díaz Maroto en alguna que otra ocasión gracias a artículos y traducciones dedicadas al mismo.

Jasón y los argonautas

La filmografía y la bibliografía pertinentes cierran un trabajo de investigación al que solo se le puede poner una pega: se echa de menos un mayor juicio crítico sobre los filmes en cuestión, más allá del trabajo técnico de Harryhausen (este sí enjuiciado con más enjundia), y que en la mayoría de las ocasiones se reduce a una mera mención de pasada. Por lo demás, como instrumento de documentación su interés es irreprochable, y como fuente de disfrute y gozo para el cinéfilo, también.

Para terminar, y como suele ser costumbre al hablar de las publicaciones de Calamar, merece la pena destacarse el diseño y maquetación del libro, firmado por el propio editor Miguel San José Romano, que demuestra un gusto exquisito tanto en una faceta de su labor como en la otra: estamos ante un libro que, como sugeríamos antes, se disfruta ya ojeando y hojeando sus páginas, pues en ellas el lector encontrará numeroso material gráfico que lo retrotraerá a épocas y técnicas pretéritas en las que el espectáculo del cine se ganó el calificativo de mágico. Algo que últimamente, como ya sugiere Díaz Maroto en la presentación que abre el volumen, está empezando a perderse, esperemos que no para siempre.

Carlos Díaz Maroto (izda.), con el realizador Paco Plaza (dcha.) y el autor de este blog

Nuestro libro de cine es freek...

2010-10-07T09:00:00.001+02:00

O eso han pensado los chicos y chicas de Freek!, que en su último número de septiembre -el 67, concretamente- ofrecen una entrevista con Jesús Lens y un servidor sobre Hasta donde el cine nos lleve. Igualmente, la revista incluye una reseña de nuestro libro sobre cine y viajes.

La publicación, con sede en Cádiz, además de en su versión digital puede conseguirse también gratuitamente en papel, ya que se distribuye por toda España; sin ir más lejos, los que visiten el Festival de Cine de Sitges podrán hacerse fácilmente con un ejemplar. Por cierto, resulta todo un honor compartir portada y sección de entrevistas sobre cine y cómic con nombres de la talla de Óscar Aibar (El gran Vázquez), Alberto Ammann (Celda 211, Lope), el tándem Andy Diggle & Jock (Los perdedores) o el gran maestro del comic underground Gilbert Shelton.

Aprovecho la ocasión para agradecer desde aquí a Alejandro Romero, autor de ambos textos, su interés por nuestro trabajo y todas las facilidades que puso para que dicha entrevista llegase a buen puerto.

[Fotografía © C. Carrasco.]

DARIO ARGENTO

2010-09-20T09:00:00.008+02:00

Suspense, Horror, Surrealismo... Dario Argento. El maestro italiano del escalofrío
Mariano Muniesa
Llinars del Vallès, Quarentena Ediciones, 2010
160 pp. - 15 €

Suele decirse, la mayoría de las veces porque es verdad, que el tiempo es el encargado de poner las cosas en su sitio, y con el realizador italiano Dario Argento está sucediendo exactamente eso: el estudio de su obra cinematográfica ha pasado por dos etapas totalmente contrapuestas, desde el rechazo (o lo que es peor, el ninguneo) de la intelligentsia crítica a la adoración desmedida de una legión de seguidores acérrimos empeñados en hacer cumplir la justicia poética que debía situarlo en el altar de los cineastas imprescindibles de la segunda mitad del siglo XX. Ahora se viene analizando su obra con más ecuanimidad, desde unos postulados críticos cuyas conclusiones podrán, claro, discutirse, pero que ya no responden ni a un odio muchas veces injustificado y repleto de prejuicios ni tampoco a una admiración incondicional de resultados poco menos que hagiográficos.

Dario Argento

El libro de Mariano Muniesa Suspense, Horror, Surrealismo... Dario Argento. El maestro italiano del escalofrío, recientemente editado por Quarentena Ediciones, entra de lleno en esta última y agradecible corriente. Así, su autor repasa pormenorizadamente la filmografía del cineasta romano, y aunque destaca algunas de sus producciones como poco menos que obras maestras del cine de terror -y no será un servidor quien se lo discuta, desde luego-, tampoco se le caen los anillos a la hora de criticar algunos títulos de su producción o en destacar los defectos, que los tienen también, de algunas de sus obras más aplaudidas.

Seis mujeres para el asesino

El libro en cuestión arranca con dos epígrafes de contenido general, "El terror como concepto en el cine y en la cultura" y "Orígenes e historia del cine de terror", inclusión sorprendente en la medida en que en cualquier libro teórico sobre el séptimo arte se dan por supuestos ciertos conocimientos por parte de su lector tipo, y que podría criticarse porque igualmente servirían para cualquier otro ensayo que tuviese a un director especializado en el género fantástico como objeto de estudio. No obstante, la capacidad sintética de Muniesa -hablamos de apenas siete páginas- y lo sugestivo de sus aportaciones convierten este defecto, si es que lo es, en pecata minuta.

Más acertada me parece, eso sí, la inclusión del apartado "El cine de terror en Italia: los precedentes del giallo", en la medida en que sitúa su objeto de estudio en un marco espacial y temporal más concreto, recordándonos la presencia seminal de Riccardo Freda y su I Vampiri y el papel fundamental que supone la figura de Mario Bava (y su Seis mujeres para el asesino, muy especialmente) de cara a la creación de un subgénero, el citado giallo, que tiene en Argento a su representante fundamental y, en cierta medida si consideramos a Bava un precedente, fundacional.

Giallo

En primer lugar el giallo, como ya sabrá el lector iniciado, no es otra cosa que la denominación italiana para el género negro, y como el noir para los franceses (que en España adoptamos traduciéndolo literalmente tanto para la "novela negra" como para el "cine negro") responde al color de las cubiertas de las ediciones más emblemáticas de los títulos que componen el canon del género: en el país galo fueron los libros negros de la Série Noire de Gallimard, en Italia los amarillos (giallo es "amarillo") publicados por la editorial Mondadori. Ahora bien, por extensión, se ha acabado aplicando dicha denominación (ahora sí, de origen) a los thrillers patrios más exagerados y sanguinolientos, muchas veces más cercanos por su materialización del ímpetu y la pasión (homicidas) mediterráneas al cine de terror que al policíaco, aunque en realidad no dejen de ser también muestras de este último.

Argento podrá gustar más o menos -de hecho, es un realizador que suscita tantas adoraciones apasionadas como rechazos virulentos-, pero lo que nadie puede negarle es su importancia a la hora de consolidar esta última acepción del giallo mediante una filmografía que se inauguraba con un título clave del género: El pájaro de las plumas de cristal. Este film, y en menor medida los dos que le siguieron -El gato de las nueve colas y Cuatro moscas sobre terciopelo gris-, con los que conforma la llamada "Trilogía de los Animales", supone un punto de inflexión en la cinematografía italiana más comercial, y definió el modo de manufacturar un giallo... Modo que después perfeccionaría y sublimaría el propio Argento con una de sus más grandes obras maestras: la inagotable Rojo oscuro.

Rojo oscuro

Muniesa, mediante un estilo literario más conseguido en unas ocasiones que en otras, pero al que se le agradece siempre (porque se nota) que habla de primera mano después de analizar personalmente el trabajo de Argento y no de oídas (o de leídas), costumbre esta tristemente en boga en los últimos tiempos, analiza con acierto las raíces y estilemas del giallo, género al que Argento le daría por lo menos otras dos grandes películas hace décadas -Tenebrae y Opera-. De igual modo, no deja de lado las incursiones del realizador en el ámbito del horror sobrenatural, destacando principalmente la célebre "Trilogía de las Madres" iniciada con Suspiria -la otra masterpiece indiscutible de su autor-, continuada con la reivindicable y alocada Inferno y concluida mucho después con la divertida La terza madre, un film mucho más disfrutable de lo que viene siendo habitual en la última hornada de películas firmadas por este director tan amado como odiado.

Y es que en los últimos años su cine está pasando por un momento de subrayada decadencia, lo que ha llevado a que varios de sus filmes permanezcan inéditos aquí -su última (y muy discreta) producción, Giallo, no deja de ver su estreno retrasado una y otra vez-, cuando no se estrenan entre nosotros directamente en el mercado doméstico de alquiler, desde Non ho sonno -otro film a reivindicar- a la citada La terza madre (La madre del mal en DVD), pasando por el que sin duda es su peor trabajo: Il cartaio. Conocida entre nosotros como El jugador, se trata de un thriller policíaco sin apenas elementos que identifiquen a su realizador y que parece más un anodino telefilm de sobremesa o un episodio cualquiera de alguna serie policíaca europea que no un trabajo de uno de los realizadores más interesantes del género en las últimas décadas.

Masters of Horror: "Jennifer"

Por lo demás, y desde una óptica exhaustiva, Muniesa no olvida las incursiones de Argento en la pequeña pantalla, desde la ya mítica serie La porta sul buio en los años 70 hasta su colaboración en la reciente Masters of Horror con Jennifer y Pelts, pasando por el telefilm de reciente factura Ti piace Hitchcock?; y tampoco deja de lado su intervención en proyectos ajenos como guionista, productor o cualquier otro cometido, desde sus inicios como guionista de spaghetti westerns -destacando su labor en Hasta que llegó su hora, la obra maestra de Sergio Leone-, la distribución en Italia del Zombi de George A. Romero o su papel en los trabajos de sus discípulos más aventajados, como el díptico Demons de Lamberto Bava o El engendro del diablo de Michele Soavi, un film este protagonizado por una joven Asia Argento (hija del realizador, y que ha colaborado con él en algunas ocasiones)... y que el autor cita erróneamente como La iglesia, traduciendo directamente el La chiesa original o el The Church anglosajón.

En cuanto a las opiniones de Muniesa, el que esto firma está bastante de acuerdo con la mayoría de sus conclusiones -como, por ejemplo, en el análisis y posterior reivindicación de este magistral y desquiciado cuento para niños oscuro que es Phenomena o el desprecio por la episódica Los ojos del diablo-, aunque en ocasiones disiente tangencialmente con él, como cuando pasa demasiado por encima de la espléndida La sindrome di Stendhal o cuando alaba la mediocre adaptación de El fantasma de la ópera de Gaston Leroux perpetrada por Argento para, de paso, permitirse criticar el (soberbio) Drácula de Francis Ford Coppola. Pero precisamente ese es uno de los principales logros del libro, como de otros muchos de su estirpe: la posibilidad de generar polémica, en una suerte de diálogo entre el escritor y el lector.

Rodaje de La Sindrome di Stendhal

En definitiva: estamos ante un libro de lectura obligada para todo aficionado al cine de terror moderno que se precie, y sería deseable un éxito tal que hiciese aconsejable una segunda edición... la cual por otro lado permitiría remediar algunas cuestiones de estilo, como una mejor calidad en el apartado gráfico (por lo demás sugerente en cuanto a cartelería) o algunas cuestiones ortográficas: es particularmente molesto el uso del nombre español Darío sustituyendo la mayoría de las veces al Dario italiano.

Dario Argento y Goblin

Para terminar, unas palabras acerca de Mariano Muniesa: el autor madrileño, y firma habitual de la editorial, está especializado -bibliográficamente hablando- en la historiografía y la crítica musical, vertiente rock, habiendo publicado monografías acerca de, entre otros, The Rolling Stones, The Who, Jimi Hendrix, Led Zeppelin o Metallica. Así pues, y a priori, me parece una figura de lo más acertada y lógica de cara a analizar la obra de un realizador muy vinculado a dicho estilo musical (no olvidemos la importancia que tuvo Argento en el primer impulso creativo y mediático que recibieron los ya míticos Goblin de Claudio Simonetti). Además, siempre me ha parecido, y por hacer una analogía entre artes, que si la Nouvelle Vague de Godard, Truffaut y compañía es al cine lo que el jazz a la música, el terror en general, y muy especialmente el cine de Dario Argento en particular, viene a ser el rock progresivo del séptimo arte. Y como suele decirse, es solo rock'n'roll... pero nos gusta. Vaya si nos gusta.

(+) La Comuna (El blog de Mariano Muniesa)

Se acercan las criaturas de Harryhausen

2010-09-10T09:00:00.001+02:00

[Nota de prensa]

Un nuevo libro de Calamar Ediciones está a punto de aparecer en librerías, se trata de un extenso ensayo, escrito por Carlos Díaz Maroto, sobre el cine y la figura de Ray Harryhausen, un maestro del cine fantástico, de ciencia ficción y de aventuras, que hizo soñar a varias generaciones, y que convirtió la técnica en arte.

Un libro con abundante material gráfico que hará las delicias del aficionado al fantastique, y que gracias al apoyo recibido de la Fundación Ray & Diana Harryhausen cuenta con reproducciones del art-work originales de Harryhausen.

Ray Harryhausen, el mago del stop-motion ofrece un exhaustivo recorrido sobre la filmografía de este maestro de los efectos especiales, desde sus inicios con sus films caseros en los que le ayudaban sus padres, para seguir con las adaptaciones de cuentos que rodó, o su debut en el largometraje con El gran gorila, al lado de su mentor Willis O'Brien, hasta su última película, Furia de titanes, pasando por entregas míticas como su trilogía con Simbad, su incursión en la Hammer o sus adaptaciones literarias, como La isla misteriosa. También hay lugar para detallar muchos de los proyectos que tuvo en cartera pero que, por diversos factores, no vieron la luz.

El artista tuvo una historia de amor con España, que convirtió en set de rodaje de muchos de sus filmes, empleando su variada geografía para reflejar los entornos mitológicos o fantásticos en que se desarrollaban, desde las islas Canarias a las Baleares, pasando por Andalucía, Barcelona o Madrid, y haciendo trabajar en ellas artistas como el gran maquetista y creador de efectos especiales Emilio Ruiz, o trabajando con ayudantes de dirección de la talla de Pedro Vidal o el posterior realizador Eugenio Martín, o directores artísticos como el oscarizado Gil Parrondo.

La obra arranca con un capítulo centrado en lo que precede a Harryhausen, dentro del campo del stop-motion, vinculando éste con el nacimiento del propio cine, y desarrollando una breve historia de la técnica a través del tiempo. Ocupa un lugar especial, por supuesto, el comentario sobre la obra de Willis O'Brien, creador de King Kong y mentor espiritual de Harryhausen, y sin el cual, quizás, éste no hubiese existido en el sentido que hoy lo conocemos.

Sigue un breve capítulo biográfico acerca de nuestro hombre, que finaliza exactamente cuando éste comienza su labor en el cine. Después, el libro, mientras desbroza una película en cada capítulo, prosigue incursionando levemente en la vida de Ray; esos capítulos pretenden explicar la técnica empleada en cada película, analizar ésta desde el ámbito cinematográfico y orientar periféricamente sobre las temáticas de cada film. También hay sendos capítulos dedicados a sus inicios en los cortos con los cuentos de hadas, su etapa final, con su labor en el campo del DVD o apoyando los trabajos de otro, o especialmente un amplio capítulo dedicado a los proyectos que tuvo a lo largo de su vida pero que, por cualquier motivo, no llegaron a llevarse a cabo.

La finalidad del libro, pues, es dar a conocer a un maestro de una técnica hoy olvidada, homenajear a uno de los más grandes artistas que ha dado el cine fantástico en toda su historia, y que nos ha hecho soñar tanto de niños como de adultos.

Ficha técnica:

Ray Harryhausen. El mago del stop-motion
Autor: Carlos Díaz Maroto
Editado por Calamar Ediciones

Cartoné al cromo (tapa dura), 17 x 24 cm. 288 páginas.
Profusamente ilustrado en color.
ISBN: 978-84-96235-36-6
PVP: 28,50 Euros

Oferta de lanzamiento:

El libro estará disponible en librerías de toda España a finales de septiembre de 2010, mientras tanto se puede ir reservando en la web de la editorial www.calamarediciones.com que tiene una oferta de lanzamiento y regalará un póster exclusivo a las personas que reserven su ejemplar.

Presentación de Biblioteca del cine español

2010-08-31T09:00:00.006+02:00

Día: Jueves 2 de septiembre de 2010.
Hora: 19.50 h.
Lugar: Cine Doré (C/ Santa Isabel 3, Madrid).
Asistentes: Carlos F. Heredero (autor), Antonio Santamarina (autor) y Jenaro Talens.

[Nota de prensa]

Me pongo en contacto contigo para informarte del nuevo libro publicado por Ediciones Cátedra y Filmoteca Española, Biblioteca del cine español, firmado por Carlos F. Heredero y Antonio Santamarina.

Desde sus orígenes fundacionales, a finales del siglo XIX, hasta su realidad en el presente, a comienzos del XXI, una parte decisiva y con frecuencia harto reveladora del cine español ha mantenido siempre nutritivas raíces hundidas en la producción literaria que alimenta numerosas parcelas y ámbitos sustanciales de su creatividad fílmica. La tarea de rastrear y localizar esas raíces, sacarlas a la luz, expurgar la maleza que con frecuencia las ha recubierto -e incluso adulterado- durante años y años, documentarlas adecuadamente y proponer una catalogación de éstas es el empeño de la presente publicación, concebida para levantar acta de la Biblioteca de referencia que se oculta, o que mantiene sus cimientos, bajo centenares y centenares de películas.

A diferencia de otros trabajos que la preceden con parecidos o equivalentes objetivos, esta Biblioteca del cine español no es una radiografía de las relaciones entre el cine español y la literatura española, sino de los vínculos creativos que mantiene el cine español con todas las formas literarias (directas o paralelas) que alimentan nuestro cine, provengan éstas de donde provengan, pertenezcan a un género o a otro, cualquiera que sea el idioma en el que se expresen o el país en el que tengan origen; es decir, las obras literarias españolas y extranjeras, las estrictamente narrativas (la gran novela y el relato corto) y las teatrales (del gran drama escénico a la revista musical, de la ópera a la zarzuela), las poéticas, las anónimas y las orales, las radiofónicas y las del cómic, las que nacen de una canción y las que proceden de un romance popular.

Se teje así una tupida y densa red de relaciones intertextuales entre la ficción cinematográfica española y el conjunto de sus bases literarias, a cuyo fructífero entramado intentan arrojar luz estas páginas.

De este modo, Ediciones Cátedra celebrará este nuevo título con la presentación organizada el jueves 2 de septiembre a las 19.50 horas en el Cine Doré de Madrid (C/ Santa Isabel, 3) en la que los autores estarán acompañados por Jenaro Talens. El acto finalizará con la proyección de la película Campanadas a medianoche (Orson Welles, 1965).

MÉTAL HURLANT Y EL CINE FANTÁSTICO

2010-08-16T09:00:00.000+02:00

Métal Hurlant y el cine fantástico
AA.VV. (Jesús Palacios, coord.)
San Sebastián, Donostia Kultura, 2009
250 pp. - 22 €

Una de las colecciones de libros de temática cinematográfica que más alegrías le ha deparado al que suscribe estas líneas es la auspiciada por la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián: una colección de volúmenes anuales que, en relación con uno de los ciclos estrella de cada una de las ediciones de dicha Semana, ha estudiado desde una perspectiva plural tanto el trabajo de realizadores destacados del género (no solo de nombres comunes y esperables como John Carpenter o David Cronenberg, sino también de figuras de culto como Larry Cohen y William Lustig) como cinematografías destacadas, atendiendo a países y épocas de producción, habiendo dado luz a volúmenes tan indispensables como los dedicados al cine de terror japonés, al español (este en dos entregas) o al "American Gothic" de los años 70.

Unido a esta colección desde su mismo arranque se encuentra Jesús Palacios, un crítico al que algún día se le reconocerá como merece su importancia a la hora de tratar temas, rasgos, géneros y/o autores que por lo general son olvidados por los popes del análisis cultural. Ya en el inaugural Cine fantástico y de terror italiano, Palacios demostró con su ensayo sobre Lucio Fulci que se puede estar o no de acuerdo con sus ideas, pero que estas siempre se construyen sobre un sustento férreo, una filosofía propia por así llamarla. Dicha filosofía vuelve a quedar patente en sus aportaciones a la última entrega de la colección, Métal Hurlant y el cine fantástico, coordinada por entero por el propio Palacios.

El tema central del presente volumen, claro está, es poner de manifiesto los vínculos existentes entre la célebre revista de historietas francesa y el cine fantástico de su época y de la nuestra. Unos vínculos que, como se demuestra en varias ocasiones a lo largo del libro, van más allá de las carreras cinematográficas de los autores de cómic que se vieron implicados en aquella mítica cabecera desde su aparición en 1975 hasta su defunción en 1987.

Fueron estos doce años de dificultades económicas continuas pero de brillantez creativa sin parangón: desde que naciera a partir de las revueltas protagonizadas por un grupo de autores de la mítica Pilote frente al conservadurismo de su director, René Goscinny (padre, junto a Albert Uderzo, del mítico Astérix), Métal Hurlant se convirtió en un cóctel aglutinador de algunos de los más grandes talentos de la bande dessinée del momento, capitaneados por el dibujante Philippe Druillet, el guionista Jean-Pierre Dionnet y, sobre todo, un nombre que se consolidará como la figura más importante de la publicación por su presencia continua y por el alto nivel de su obra: Jean Giraud, también conocido como Moebius.

Giraud, que entonces gozaba del prestigio como dibujante del Blueberry escrito por Charlier, necesitaba de expresarse libremente dando rienda suelta a las ideas que poblaban su mente, muchas de ellas cercanas a la ciencia ficción, y que no tenían cabida -por lo explícito de sus contenidos y lo arriesgado de muchas de sus propuestas- en la citada Pilote. Así, Métal Hurlant nació como un reducto de libertad que marcaría la estética de toda una época... y no solo en el cómic, sino también -y muy especialmente- en el cine.

De eso trata el presente volumen, aunque se agradece que Palacios haya dado cancha a críticos especializados en la historieta tanto como en el séptimo arte. Así, el guionista, crítico y traductor Lorenzo F. Díaz abre el fuego con un breve artículo que sitúa a Métal Hurlant en su momento, explicando su origen y su muerte (anunciada). Dicho artículo es el complemento perfecto para el texto redactado por el propio coordinador de la obra, que se circunscribe al título del volumen y subraya la importancia capital de un film que nunca llegó a rodarse: el Dune de Alejandro Jodorowsky. Dicho film contó con una preproducción costosa y muy elaborada, que relacionó a figuras indispensables a la hora de entender la estética fantastique de Métal Hurlant, como el suizo H. R. Giger, el norteamericano Dan O'Bannon y el propio Moebius. Así, de las cenizas de un proyecto frustrado surgieron ideas que Jodorowsky plasmó en cómics como El Incal -su más exitosa colaboración con Moebius, después del inaugural y breve Los ojos del gato-, así como la unión de Giger y O'Bannon con Ridley Scott, realizador contratado para sustituir al psicomago chileno... y que al final tampoco pudo llevar al proyecto a buen puerto. Pero el británico Scott acabaría sumando buena parte de estos talentos en su grandiosa Alien, el 8.º pasajero, mientras David Lynch acababa materializando un polémico Dune en pantalla grande que no satisfizo a casi nadie, el propio director incluido.

Así, Dune y Alien se erigen como dos de los tres proyectos de la ciencia ficción cinematográfica más influyentes del último cuarto del siglo XX. El tercero en discordia sería, claro, Blade Runner, también firmada por Scott y a decir de muchos un plagio de "The Long Tomorrow", historia escrita por Dan O'Bannon y dibujada por Moebius... y publicada en dos entregas en Métal Hurlant. Solamente la existencia de estos tres proyectos justificarían la importancia de la revista gala a la hora de entender la evolución del cine fantástico y de ciencia ficción en los últimos siete lustros. Pero hay más, claro: Jodorowsky, de forma paralela a su labor como guionista de cómics, escritor y psicomago, desarrolló una filmografía como cineasta tan particular como polémica, con títulos tan destacados como El Topo, La montaña sagrada o Santa Sangre; por su parte, Moebius trabajó en cintas tan importantes desde un punto de vista generacional y técnico como Tron, sin olvidar cintas francesas como El quinto elemento de Luc Besson -un film que no existiría tal y como lo conocemos sin el legado artístico de Métal Hurlant- o Blueberry: La experiencia secreta, tan fallida como por momentos fascinante adaptación firmada por Jan Kounen.

Como decíamos, Jesús Palacios ha dejado espacio a la crítica de la historieta: así, es el crítico y guionista Borja Crespo el encargado de realizar una completa semblanza de Jodorowsky, no olvidándose de ninguno de sus largometrajes y tampoco dejando pasar ninguno de sus cómics, desde los más míticos (algunos ya citados, a los que cabe sumar La casta de los metabarones, El lama blanco y El corazón coronado) a trabajos más recientes como Bouncer, Los Borgia o Pietrolino. De igual forma, es el autor del espléndido Modotti Ángel de la Calle quien firma el repaso a la obra de Enki Bilal, el yugoslavo de nacimiento pero francés de formación que, pese a su escasa colaboración en Métal Hurlant, debe ser considerado como una de sus figuras más influyentes. De la Calle, como autor que es, repasa pormenorizadamente la carrera de Bilal como dibujante, desde sus inicios en Pilote hasta el reciente Animal'Z, atendiendo al desarrollo de su técnica gráfica.

Las otras personalidades que cuentan con un capítulo propio son, claro, Moebius -cuya sombra, por otra parte, planea por encima de toda la obra-, aquí comentado por Rubén Lardín; el citado Giger, diseñador del mítico alien de Ridley Scott, retratado por Carlos Arenas; y Marc Caro, co-autor de Delicatessen y La ciudad de los niños perdidos junto a Jean-Pierre Jeunet, y que aquí cuenta con el crítico Antonio José Navarro como firma autorizada.

Así pues, estamos ante un volumen completísimo -el arquitecto y crítico de cine Jorge Gorostiza atiende al diseño de producción influenciado por las historietas de Métal Hurlant, mientras Adolfo Reneo da cuenta de los filmes de animación vinculados a los autores de la revista, con El planeta salvaje de René Laloux al frente-, que abre posibilidades críticas y que desvela nuevas maneras de mirar tanto los filmes más conocidos (y algunos desconocidos) del cine fantástico contemporáneo como las historietas que marcaron a varias generaciones de lectores de cómic, ya fuese en su Francia natal como en Estados Unidos a través de Heavy Metal o en la misma España en diversas cabeceras de la factoría de Josep Toutain. Una pieza indispensable, pues, para entender la obra de algunos de los mejores fabuladores de la ficción fantástica de nuestro tiempo... sea cual fuere el campo elegido para hacerlo.

[Imágenes: Jesús Palacios, Métal Hurlant n.º 1, Jean Giraud 'Moebius', Starwatcher, Dune, primera página de "The Long Tomorrow", Enki Bilal, Delicatessen, El planeta salvaje.]

TAKESHI KITANO

2010-07-29T09:00:00.004+02:00

Takeshi Kitano. Niño ante el mar
Santiago Vila
Madrid, Akal, 2010
128 pp. - 10 €

Cuando en la década de los 90 empezaron a comercializarse en España, primero en los cines y luego en formato doméstico (en el ya añejo VHS), las películas del cineasta japonés Takeshi Kitano, se empleaba como fórmula de reclamo un lema a cuyo atractivo era difícil resistirse: "La respuesta japonesa a Clint Eastwood". Ni qué decir tiene que por aquel entonces se pensaba más en Harry el Sucio, personaje, que en el propio Eastwood, actor y director, porque en verdad habría sido casi imposible poder adivinar por aquel entonces cuán acertadas iban a ser aquellas palabras.

Y es que, si con el paso del tiempo, el Eastwood realizador demostró ser mucho más que el policía de San Francisco de métodos expeditivos y gatillo fácil, filmando películas tan lejanas de ese icono del cine policíaco de los 70 como el biopic sobre Charlie Parker Bird, la romántica Los puentes de Madison, la negrísima Mystic River o el díptico formado por Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima, Kitano también ampliaría sus horizontes y, con ellos, la imagen pública de su figura, al realizar filmes tan intimistas y delicados como El verano de Kikujiro o Dolls.

Así pues ambos, Eastwood y Kitano, ya han dejado bien patente desde hace unos años que son capaces de (hacer) cualquier cosa... Si bien en el caso del realizador nipón esta situación venía de más atrás en el tiempo, y el reducir su cine -como actor y sobre todo como realizador- al subgénero de policías y gángsters yakuza era fruto más del desconocimiento que no de la propia realidad.

Así lo demuestra este Takeshi Kitano. Niño ante el mar, un libro de extensión comedida pero alcance considerable en el que su autor, Santiago Vila, sin irse por las ramas pero sin dejar de lado ningún aspecto, resonancia o concomitancia relevantes, pone los puntos sobre las íes ofreciendo un trabajo indispensable no ya para los seguidores de Kitano, sino para cualquier aficionado al cine japonés que se precie.

Vila repasa la carrera artística de Kitano, desde que en 1973 formase con Kiyoshi Kaneko el dúo cómico Two Beat -que explica el nombre artístico de Beat Takeshi, al que ha permanecido fiel hasta hoy en su faceta como actor-, hasta su película de 2008, la inédita Achilles and the Tortoise (fuera queda la recentísima Outrage, que se verá en el próximo Sitges). Entre una fecha y otra, y en orden no estrictamente cronológico sino atendiendo a temas y figuras preponderantes de su estilo, el autor da buena cuenta de los muchos Kitanos que existen, empezando, claro, por el del relato policíaco, el de filmes como Violent Cop (su debut tras las cámaras sustituyendo al inicialmente previsto Kinji Fukasaku, que luego le dirigiría en Battle Royale), Boilint Point o Sonatine... Tres cintas que se distribuyeron en ocasiones como una trilogía improvisada y que supusieron el desembarco de su autor en el mundo occidental, incluido España, a mediados de los años 90.

Pero, como decíamos, hay otros Kitanos: el Kitano intimista, autor de títulos espléndidos como los ya citados El verano de Kikujiro y Dolls (esta última, para muchos, su obra maestra absoluta); o el Kitano desprejuiciado, irónico y autorreferencial de esa suerte de díptico formado por las comedias marcianas (y metanarrativas) Takeshis' y Glory to the Filmmaker!, en las que reflexiona sobre su propia figura como actor y realizador en el marco del cine internacional.

No obstante, pese a la realización de estos títulos, y de otros como la histórica -a la manera de Kitano, claro está- cinta de samuráis Zatoichi, el realizador ha seguido fiel al género policíaco, un tipo de narración al que se siente muy cercano porque, como le ocurriera a Martin Scorsese, se parece mucho a la realidad que veía en su barrio siendo niño; esto es, su cine de género estaría tan cerca de propuestas neorrealistas como del cine clásico norteamericano de serie B. Buena muestra de su fidelidad al film noir fue el hecho de que su puesta de largo en los festivales occidentales fuese el largometraje Hana-Bi (Flores de fuego), que en 1997 lo convirtió en un nombre a seguir dentro de la modernidad cinematográfica al ser galardonado con el León de Oro en el Festival de Venecia. Y años más tarde realizaría Brother, o lo que es lo mismo, la traslación de su sempiterno personaje de gángster de pocas palabras y menos sonrisas al marco de la criminalidad de los Estados Unidos.

En su Takeshi Kitano, como decíamos, Santiago Vila atiende a los temas y las figuras que han hecho del cine del japonés una de las obras más coherentes y al mismo tiempo más capaces de sorprender con lo inesperado de la cinematografía mundial. Y para ello ha sabido recurrir, por un lado, a las indispensables referencias cinematográficas: no solo las de los clásicos nipones como Kurosawa u Ozu, o las de nombres más contemporáneos como Seijun Suzuki o el citado Fukasaku, sino también a realizadores occidentales hermanados de alguna manera con la concepción fílmica de Kitano, como son los casos del francés Jean-Pierre Melville o del italiano Sergio Leone. Y, por otro lado, también ha hecho uso de otros campos de la cultura y el conocimiento, con referentes tan autorizados como Umberto Eco o Ruth Benedict, la autora de uno de los ensayos (occidentales) más populares acerca del mundo oriental: El crisantemo y la espada.

El fructífero resultado del visionado de su trabajo y de un trabajo de investigación imaginamos que arduo es un libro que tiene más de análisis que de crítica, y que arroja luz sobre las sombras del arte de Takeshi Kitano, un director que puede gustar más o menos, pero que nunca deja indiferente. Y eso es toda una garantía de interés en los tiempos, adocenados y alienantes, que corren, también para el cine.

[Imágenes: Glory to the Filmmaker!, El verano de Kikujiro, Hana-Bi (Flores de fuego), Sonatine, Dolls, Brother, Zatoichi.]

Julio Medem: manual de instrucciones

2010-06-25T10:00:00.002+02:00

Con motivo del estreno de Habitación en Roma, en la columna de prensa de hoy viernes recomendamos la lectura de Julio Medem, la monografía escrita por Zigor Etxebeste Gómez y publicada por Cátedra dentro de su colección Signo e Imagen / Cineastas.

Podéis acceder a dicha columna a través de nuestra web hermana mayor, Abandonad toda esperanza:

El cineasta del apellido palindrómico

BIBLIOTECA DEL CINE ESPAÑOL

2010-06-08T08:00:00.001+02:00

Biblioteca del cine español (Fuentes literarias 1900-2005)
Carlos F. Heredero & Carlos Santamarina
Madrid, Cátedra, 2010
664 pp. - 26 €

Este Biblioteca del cine español, que acaba de editar Cátedra dentro de su colección Filmoteca / Serie Mayor, cayó en mis manos justo en el momento en que un servidor andaba preparando su intervención en Mayo Negro VI, precisamente sobre las adaptaciones realizadas a partir de novelas y relatos de género negro que han pasado a formar parte de la cinematografía patria. Así pues, y dada la gran utilidad que le vi entonces, puedo atestiguar de primera mano la valía de una obra de consulta que se me antoja indispensable en la biblioteca de cualquier estudioso del séptimo arte que se precie.

El subtítulo de la obra, "Fuentes literarias (1900-2005)", concreta un poco más qué encontrará el lector en su interior: la reseña de toda aquella película de nacionalidad española -sea en su totalidad o se trata de una coproducción- realizada hasta el año 2005 a partir de un texto literario previo... sea este autóctono o foráneo.

Por supuesto, la cubierta debía estar dedicada a una de las muchas adaptaciones que de nuestra obra literaria más importante, el Quijote de Miguel de Cervantes, se han realizado. Le ha tocado en suerte a El caballero don Quijote, la versión de 2002 dirigida por Manuel Gutiérrez Aragón y protagonizada por Juan Luis Galiardo, pero el honor también podría haber recaído en otras muchas versiones de la inmortal novela, siendo las más populares las firmadas por Rafael Gil en 1947 y el Don Quijote de Orson Welles co-realizado por Jesús Franco y distribuido tardíamente en 1992. Eso sí: no encontrarán reseñada la serie televisiva con Fernando Rey y Alfredo Landa, y también de Gutiérrez Aragón, porque el libro está orientado a las películas destinadas a estrenarse en cines.

Toda esta información la encontrará el lector en las páginas 167 a 169 bajo el epígrafe de "Cervantes, Miguel de", pues la referencia que se ha utilizado para construir esta, repito, utilísima enciclopedia es la de los autores adaptados. Una vez situados en cada una de las entradas, aparecen las obras literarias en cuestión ordenadas alfabéticamente -así, encontraremos antes "Gitanilla, La" de 1613 que "Ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, El" de 1605 y 1615-, y en cada una de estas subentradas aparecerán las distintas adaptaciones en caso de haber más de una, ordenadas esta vez cronológicamente, como suele hacerse en la redacción de filmografías.

Estamos ante una obra total, que no hace distingos de calidad ni prestigio literarios, y donde conviven con naturalidad el Juan Tenorio de José Zorrilla y el Coyote de José Mallorquí. Así, el diccionario se abre con "Abad, Francisco" y se cierra con "Zunzunegui, Juan Antonio"; entre uno y otro, cientos de autores, españoles o no, que van desde el esplendoroso Siglo de Oro de Lope de Vega y su Fuenteovejuna, El alcalde de Zalamea o El perro del hortelano, hasta la no menos destacada Generación del 98 de Baroja (La busca o Zalacaín, el aventurero según Angelino Fons y Juan de Orduña, respectivamente) o Valle-Inclán (las Divinas palabras y el Tirano Banderas de García Sánchez, las Sonatas de Bardem y Flor de santidad de Adolfo Marsillach)... sin olvidar las últimas producciones dentro de los márgenes cronológicos establecidos.

Pero, como señalaba antes, en una obra de propóstio tan riguroso también hay espacio para las producciones españolas a partir de autores extranjeros, sean o no de habla hispana: por ello, por las páginas de esta obra aparecen nombres como Charles Dickens, Honoré de Balzac, Jorge Luis Borges, Ellery Queen, Mario Vargas Llosa, Jules Verne o Émile Zola, por citar tan solo algunos. Y antes de que nadie pregunte, también aparecen adaptaciones del mundo del cómic, siempre que sean de obras concretas -como el Atolladero, Texas de Óscar Aibar y Miguel Ángel Martín, llevado a la gran pantalla por el primero-, y no guiones originales a partir de personajes creados previamente, como Mortadelo y Filemón de Francisco Ibáñez.

Este último rasgo afecta también a producciones como las protagonizadas por Manolito Gafotas, el personaje creado por Elvira Lindo, pues sus películas no están basadas en ningún texto previo. Esta razón para la exclusión, como otras igual de pertinentes, así como las razones de las inclusiones, se explican en dos artículos introductorios de casi sesenta páginas que constituyen un pequeño diccionario por sí mismos, y donde se nos explica, basándose en un profundo trabajo de investigación y contrastación de fuentes, que no nos encontremos reseñadas A un Dios desconocido de Jaime Chávarri, El cebo de Ladislao Vajda o El Cid de Anthony Mann.

Resumiendo: estamos ante un título de consulta imprescindible para dotar de rigurosidad a cualquier estudio sobre el cine español que pase por las adaptaciones literarias del mismo, sean versiones de novelas o relatos, sean adaptaciones de zarzuelas, obras de revista, seriales radiofónicos, tebeos o novelitas de quiosco. Un libro que, para mayor facilidad de consulta, se completa al final con índices por orden alfabético de películas, directores, títulos de obras literarias españolas y otro tanto de las extranjeras.

Así, Biblioteca del cine español supone un paso más en la investigación de este apartado de nuestro cine, que supera con creces la hasta ahora más que funcional base de datos Adaptaciones de la literatura española en el cine español de Gloria Camarero -que, como su título indica, no contempla versiones de obras foráneas- ubicada en la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, y que por ende se constituye como adquisición indispensable para todo especialista y estudioso de nuestro cine.

Fotogramas 2.000

2010-06-01T09:00:00.000+02:00

La revista Fotogramas, decana en la información sobre cine en España, cumple dos mil números este mes de junio. La Biblioteca Langlois le desea felicidades.

HISTORIA(S) DEL CINE NORTEAMERICANO

2010-04-29T08:00:00.000+02:00

Historia(s) del cine norteamericano
Hilario J. Rodríguez
Madrid, Calamar, 2009
352 pp. - 24 €

En su indispensable (y absolutamente sui generis) Diccionario de cine, el realizador -y cinéfilo redomado- Fernando Trueba mencionaba, al hilo de las visitas al domicilio que el malogrado Guillermo Cabrera-Infante (que, no lo olvidemos, escribió críticas de cine durante años firmando como G. Cain) compartía con su esposa Myriam Gómez en París, que por muchas películas que se conocieran siempre se salía de allí con un puñado de títulos desconocidos que se ardía en deseos de ver. Historia(s) del cine norteamericano, escrito por Hilario J. Rodríguez y publicado por Calamar Ediciones a finales del año pasado, es una suerte de hospitalario museo cinéfilo que puede funcionar de cara a sus visitantes (los afortunados lectores) de la misma manera que el sacrosanto hogar del escritor cubano para el autor de Belle Époque.

Pero lo que más se disfruta del libro no son las reseñas de películas que no hemos visto, sino todo lo contrario; y es que no hay nada más placentero para un cinéfilo, aparte del propio hecho de ver películas (y con algunas, las infumables, ni siquiera eso), que hablar con otro de ellas, ya sea para ponerlas en un altar o para despotricar contra los (ir)responsables que la han pergeñado. En las páginas de esta antología crítica he descubierto, como le ocurría a Trueba en la capital francesa, algunos títulos que desconocía o, la mayoría, de los que había olvidado su existencia, como La tierra prometida de John Sayles, Recortes de mi vida de Ryan Murphy, Invencible de Ericson Core o En la cumbre de Chris Terrio.

Pero el recuerdo más satisfactorio de su lectura son las discusiones (figuradas) entre el autor y un servidor, sobre todo cuando no se está de acuerdo: me empeño en defender la atacada Spartan de David Mamet, creo que menosprecia demasiado la majestuosa Mystic River de Clint Eastwood y, por el contrario, alaba demasiado la fallida The Aviator de Martin Scorsese. En cambio, estamos plenamente de acuerdo a la hora de señalar las carencias de Lakeview Terrace del antaño personal Neil LaBute; las excelencias de títulos como Lost in Translation de Sofia Coppola, Lejos del cielo de Todd Haynes -a la que califica de obra maestra, galardón que no despacha alegremente a lo largo del libro- o Thirteen de Catherine Hardwicke, esta última dedicada hoy a adaptar bestsellers literarios para adolescentes con vampiros y jovencitas enamoradas; así como la reivindicación de títulos minoritarios que merecerían más interés como La peligrosa vida de los Altar Boys o, sobre todo, la espléndida Half Nelson, cuya crítica cierra el volumen.

Como señalaba antes, el presente libro es una antología crítica, textos a los que en ocasiones se les nota el tono coyuntural. No obstante, la agrupación de los mismos por apartados, el prólogo y el epílogo del libro, y sobre todo las introducciones a cada uno de los capítulos, todo ello obra del propio Rodríguez, le dan un empaque consistente a la oferta, que puede leerse -como muchos otros libros sobre cine- tanto de corrido como picoteando aquí y allí. Un servidor, por si sirve el consejo aunque sea totalmente personal, lee primero aquellos comentarios de películas que sí ha visto: sobre todo las que más le han entusiasmado, como El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, Pozos de ambición o Syriana, o aquellas de las que intuye una posible polémica, caso de Shortbus, dejando para el final la consulta de los títulos que no conoce de primera mano.

Por si el lector tiene curiosidad, señalaremos que son quince los apartados de libro que agrupan, por géneros, orígenes y/o temáticas, entre diez (el más extenso) y tres (el más breve) críticas cada uno, dando como resultado un total de noventa películas comentadas. Obviamente no citaremos aquí todos los títulos, pero sí queremos mencionar, como ejemplo de lo variopinto, antidogmático y exento de prejuicios que se presenta el libro, que en sus páginas aparecen títulos como el díptico Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima, los trabajos de Michael Mann Ali y Collateral -en apartados distintos, ojo-, Mi gran boda griega, Ladrones de risa, Apocalypto, Infiel -debería ser innecesario aclarar que se trata de la de Adrian Lyne, no de la joya de Liv Ullman según Ingmar Bergman-, Ultraviolet, Dos policías rebeldes II, El mensajero del miedo (la de Demme, claro, no la de Frankenheimer), Buenas noches y buena suerte o La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith. Un menú más variado, imposible.

Llegado este punto hay que destacar que no se trata de un producto oportunista, ni mucho menos un remedo para aprovechar textos inéditos o publicados en medios minoritarios: Hilario J. Rodríguez siempre ha sido un crítico que valora no solo el cine, sino también la escritura sobre el mismo, y en Historia(s) del cine norteamericano encontramos un discurso propio que articula la obra: cómo los acontecimientos históricos de carácter político y social protagonizados por la primera potencia mundial, con el atentado contra las Torres Gemelas del 11-S a la cabeza, han cambiado, por un lado, la manera de hacer (y de estrenar) películas, pero sobre todo, por otro, cómo ha cambiado el modo de ver dichas películas por parte del propio crítico.

De ahí que, además de una antología de textos sobre películas estadounidenses de lo que llevamos del siglo XXI, este libro sea también una autobiografía sesgada, una suerte de educación sentimental, por más que sea parcial y circunscrita a una breve etapa de su vida, del cronista: descubriremos cómo su experiencia vital y docente en Norteamérica le ha llevado a analizar más profundamente las muestras del séptimo arte que de allí surgen, y descubriremos filias y fobias particulares, como su re-descubrimiento del cine de George A. Romero, su (lógica) desconfianza ante secuelas y remakes o, muy especialmente -pues reaparece en muchas ocasiones a lo largo de la obra-, su antipatía por el documentalista Michael Moore.

Sigo la carrera como crítico de Hilario J. Rodríguez, si no me equivoco, desde que leí los que creo son sus dos primeros libros especializados: el espléndido Museo del miedo (1999) y el breve pero lúcido ensayo sobre la película testamentaria de Stanley Kubrick Eyes Wide Shut. Los sueños diurnos (2003). Hoy le leo con interés en las páginas de Dirigido e Imágenes de Actualidad, y aunque en muchas ocasiones no comparto sus opiniones siempre me parece un escritor al que vale la pena leer y más aún confrontar posiciones, pues lejos de ser un analista armado con el bisturí de su conocimiento y la asepsia quirúrgica de su estilo, se nos muestra como un humanista que ve las películas desde una mirada intransferible en la medida que propia y diferente de todas las demás. Algo que vuelve a demostrar en estas Historia(s) del cine norteamericano, un libro que hará disfrutar a aquellos amantes del cine que añoren participar en tertulias sobre su principal afición sin necesidad de abandonar la tranquilidad e intimidad del hogar.

[Imágenes: Recortes de mi vida, Lejos del cielo, Half Nelson, Syriana, El mensajero del miedo, Black Hawk derribado, La tierra de los muertos vivientes.]

Una cuestión de género

2010-04-27T09:00:00.004+02:00

Mañana miércoles 28 de abril tendrá lugar la presentación de Cine y género en España. Una investigación empírica, escrito por Pilar Aguilar, Javier Callejo, Pilar Pardo, Inés París, Esperanza Roquero y Fátima Arranz, y publicado por Ediciones Cátedra.

Según informa la editorial, estamos ante una texto que "pretende reflejar, en ocho capítulos, la desigualdad entre mujeres y hombres en el mundo del cine español. Los autores, tras el estudio realizado a través de diversos métodos (análisis de películas, conversaciones con directores/as, etc.), han demostrado que la diferencia de género en la cinematografía española, a pesar de estar en el siglo XXI, aún es latente, y adelantan algunas propuestas de política social que favorecerían la igualdad". Además, como reconocimiento a la relevancia de esta obra publicada dentro de la colección Feminismos, la Universidad Autónoma de Madrid, a través del Instituto Universitario de Estudios de la Mujer, ha decidido otorgarle la última edición del Premio Ángeles Durán de Innovación Científica en Estudios de las Mujeres y del Género.

La presentación tendrá lugar a las 12:30 horas en la Academia de Cine (C/ Zurbano 3, Madrid), y contará con la presencia de Ángeles González-Sinde, ministra de Cultura; Laura Seara, directora del Instituto de la Mujer; Icíar Bollaín, vicepresidenta primera de la Academia de Cine; Amalia Valcárcel, consejera de Estado; y Fátima Arranz, directora del texto.

[Foto: Icíar Bollaín.]