lunes, 18 de julio de 2011

300 DIRECTORES MALDITOS

300 directores malditos
Augusto M. Torres
Madrid, Cátedra, 2011
432 pp. - 18 €



Aunque ha escrito y publicado textos de la más variada naturaleza, y más allá de la atención que le ha dedicado a un director como Manuel Gutiérrez Aragón, el crítico e historiador cinematográfico Augusto Martínez Torres se ha especializado en un tipo de ensayo muy específico: el libro de consulta. Así lo corroboran algunos de los títulos más celebrados de este autor, también realizador cinematográfico: es el caso de Videoteca básica de cine, El cine italiano en 100 películas, El cine norteamericano en 120 películas, 100 años de cine, Películas del cine mundial, el más reciente 720 directores de cine o el fundamental y monumental Diccionario Espasa: Cine, al que siguió un más modesto pero también muy recomendable Diccionario Espasa: Cine español.


Dennis Hopper


Dentro de esta línea se inscribe su última obra, 300 directores malditos, que acaba de publicar Cátedra. Como su título indica, estamos ante una antología de semblanzas biográficas -acompañadas de sus respectivas filmografías- de trescientos realizadores al que el autor considera, en buena medida, como "malditos". Así reza el texto de presentación, extraído del prólogo del libro que firma el propio autor: "Esta selección de 300 directores malditos -aquellos que, por múltiples razones, no gozan del prestigio que merecen- está llena de cineastas que han destacado en otras actividades, pero como realizadores de cine han sobresalido menos. Olvidados directores de cine mudo, directores que empiezan bien y acaban mal, directores artesanos con una única obra maestra entre su larga e irregular filmografía, directores que mueren cuando sus películas comienzan a ser buenas, directores con mala suerte, directores norteamericanos represaliados por el senador Joseph MacCarthy para acabar con los comunistas en Hollywood, directores de países comunistas del este europeo perseguidos por la larga mano del camarada Iosif Stalin, directores prometedores de corta carrera y un largo etcétera de poco conocidos, menospreciados o ignorados directores africanos y asiáticos".


Guillermo Arriaga


Como se ve, Martínez Torres encara el tema con amplitud de miras. Esto, claro, presenta sus riesgos, y la selección resultante no está exenta no ya de subjetividad, sino incluso de polémica. Al que esto firma le ha llamado particularmente la atención la inclusión de realizadores de obra escasa... pero reciente, y a los que se les supone puedan volver a dirigir cualquier día de estos. Es el caso del guionista Guillermo Arriaga, que debutó en 2008 con Lejos de la tierra quemada, o el diseñador de moda Tom Ford, que hizo lo propio en 2009 con
Un hombre soltero.


Pedro Costa


El autor también ha incluido, y esto me parece todavía más discutible -en la medida en que amplía la nómina de realizadores susceptibles de ser malditos a un número demasiado alto y por tanto poco funcional o revelador del asunto en cuestión- a aquellos directores más o menos minoritarios que no consiguen ver todos o casi todos sus trabajos estrenados en España... Es decir, un porcentaje muy alto del cine de autor que se hace en todo el mundo. Así, aparecen en el presente libro realizadores que son carne de festivales y de las descargas de la red: Nuri Bilge Ceylan, Park Chan-Wook, Pedro Costa (el portugués, no el español), Terence Davies, Claire Denis -de la que se acaba de estrenar, mira por donde, Una mujer en África-, Arnaud Desplechin, Kim Ki-duk, Hirokazu Kore-Eda o Apichatpong Weerasethakul, por citar solo algunos.


Apichatpong Weerasethakul


Todavía extraña más el concurso de un realizador como Jim Jarmusch, de corte, sí, independiente, pero de filmografía ya considerable y que sí estrena sus trabajos con regularidad más que considerable -la última, si no recuerdo mal, fue Los límites del control-; por no hablar del caso de James Gray, cuya aparición solo podría justificarse con el retraso de dos años del estreno de la soberbia Two Lovers... pero que, por lo demás, ve cómo sus películas nos llegan con una distancia temporal lógica respecto de su estreno en los Estados Unidos.


James Gray


Por supuesto, también aparecen los directores que esperábamos encontrarnos: los incorruptibles y personalísimos José Luis Guerín, Sacha Guitry, Alexander Kluge, Jean Vigo o el tristemente desaparecido antes de tiempo Jean-Claude Lauzon; directores (y sobre todo) iconos malditos de ayer y de hoy como Dennis Hopper o Vincent Gallo; actores que dirigieron muy ocasionalmente, la mayoría solo una vez, como Marlon Brando (El rostro impenetrable), Charles Laughton (La noche del cazador) o Peter Lorre (El hombre perdido); o aquellos directores que se han convertido en ejemplos definitorios de la condición de malditos, que al menos en el siempre complejo sistema de producción y exhibición español son, lamentablemente, legión: Llorenç Llobet-Gracia, Juan Estelrich, Jacinto Esteva, Alfonso Ungría, Iván Zulueta, Albert Serra... Precisamente este tema, el de los malditos del cine español, ya lo trató el autor en el libro Cineastas insólitos (Nuer, 2000), si bien allí lo hizo en forma de antología de entrevistas con realizadores como Jesús Franco, Pere Portabella, Manuel Mur Oti o Antonio Isasi-Isasmendi.


Alexander Kluge


Pese a lo antes expuesto, no obstante, la inclusión de todos estos nombres, los discutibles y los que no lo son (o no parecen serlo), permite conocer la opinión que de su obra tiene un crítico tan (merecidamente) reputado como Augusto Martínez Torres, y no desmerece en demasía la utilidad indiscutible de una guía que para más de uno podría convertirse en uno de sus libros cinematográficos de cabecera. Muy recomendable, pues, por lo que tiene de útil en la medida en que es un volumen de consulta, y también por lo que tiene de dinamizador de juicios mediante la disparidad de criterios y la posibilidad que nos da de discrepar.

miércoles, 29 de junio de 2011

A propósito de Aldrich

[Nota de prensa]

La figura de Robert Aldrich a coloquio en la Filmoteca Española con Jaime Iglesias y el director de cine Enrique Urbizu

[Hoy se celebra un] coloquio organizado en torno a la obra de Ediciones Cátedra Robert Aldrich, de Jaime Iglesias Gamboa. En dicho acto el autor estará acompañado por el director de cine y guionista Enrique Urbizu, para debatir sobre la figura de este cineasta, protagonista además del ciclo de cine que durante estos días ha tenido lugar en Filmoteca Española.




De esta forma, dicho evento se abrirá con la proyección de la película Ulzana's Raid (La venganza de Ulzana, Robert Aldrich, 1972) [hoy] miércoles 29 de junio a las 19.15 horas en el Cine Doré (C/ Santa Isabel, 3). A continuación tendrá lugar el coloquio.

La arrolladora personalidad de Robert Aldrich, siempre visceral a la hora de articular su discurso cinematográfico, insobornable en sus planteamientos, nada complaciente en sus realizaciones, ha generado una creciente e interesada confusión en el análisis que se ha venido haciendo de sus películas.


Un crepuscular Burt Lancaster protagoniza
la soberbia La venganza de Ulzana



La incorrección política en la obra cinematográfica de Robert Aldrich tiene más que ver con su ausencia de maniqueísmo, que con el rechazo a adoptar puntos de vista que faciliten la asimilación del relato en una única dirección. Esa manera de filmar franca, abiertamente sincera, lúcida, sin pararse en barras, explica lo incómoda que resulta su obra para determinados analistas. Las páginas [del libro] intentan arrojar algo de luz sobre la obra de una personalidad libre, noble y explosiva que dejó películas como Doce del patíbulo o ¿Qué fue de Baby Jane?, entre otras muchas.

miércoles, 22 de junio de 2011

Se presenta Hollywood en la era digital

[Nota de prensa]

Esteve Riambau presenta en Filmoteca Española su nueva obra Hollywood en la era digital, publicada por Cátedra, junto al cineasta Ray Loriga‏

Hollywood es, en la actualidad, una pieza más en el complejo engranaje de los potentes conglomerados multimediáticos que rigen la industria del espectáculo. Esta transformación industrial coincide con la convivencia que el celuloide tradicional mantiene con las nuevas imágenes digitales.




Delimitado por las simbólicas fronteras establecidas entre Jurassic Park (1993) y Avatar (2009), el libro [Hollywood en la era digital, del director de la Filmoteca de Cataluña Esteve Riambau] recurre a medio centenar de films representativos de este período para analizar el cine norteamericano de la era digital a través de sus principales tendencias genéricas, los vasos comunicantes con otros lenguajes (televisión, cómic, parques temáticos o videojuegos), remakes de grandes clásicos, el reciclaje de mitos ancestrales o la exploración de mundos virtuales.


Los soldados que protagonizan Redacted


De esta manera Ediciones Cátedra celebrará la edición de este nuevo título [dentro de su ya conocida colección Signo e Imagen] en el acto organizado el miércoles 22 de junio a las 19:30 horas en la Filmoteca Española de Madrid (Cine Doré. C/ Santa Isabel, 3), donde el autor estará acompañado del escritor y cineasta Ray Loriga y el Catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III, José Manuel Palacios. A continuación se proyectará la película Redacted (Brian De Palma, 2007).

lunes, 20 de junio de 2011

FRANÇOIS TRUFFAUT. EL DESEO DEL CINE

François Truffaut. El deseo del cine
Carlos Losilla (coord.)
San Sebastián, Donostia Kultura, 2010
322 pp. - 18 €



No es la primera vez que el realizador francés François Truffaut se asoma por esta página sobre libros de cine: ya nos hicimos eco de la aparición del estudio de Luis García Gil publicado por Cátedra, un valioso paso más en la construcción de una bibliografía sobre esta figura clave de los nuevos cines europeos realizada desde nuestro país. Pero sí se nos antojaba necesario, para reflejar en negro sobre blanco y como se merece una personalidad tan caleidoscópica y multifacética como la del director de Los cuatrocientos golpes, una obra de autoría colectiva que diese voz a distintas y enriquecedoras miradas y perspectivas acerca de su legado.


Truffaut, director y protagonista de El pequeño salvaje


Para satisfacer esta necesidad nace François Truffaut. El deseo del cine, sexta entrega de la Colección Nosferatu, que así regresa a la costumbre de tratar en detalle figuras de realizadores de todo el mundo -los anteriormente estudiados han sido Raoul Walsh, Edward Yang, David Lean y Robert Rossen, en cuatro entregas todas recomendables- después del valiosísimo volumen genérico (de género) El 'thriller' USA de los 70.


Isabelle Adjani fue la hija de Victor Hugo
en Diario íntimo de Adèle H.



Los principales responsables del volumen, con el coordinador Carlos Losilla al frente, han manifestado con sinceridad que este libro no pretende dar respuestas sino plantear nuevas preguntas respecto de las dudas que todavía despierta una obra profundamente ligada a la vida del artista, así como una filmografía que, como la del maestro Orson Welles, parece definirse y entenderse más por aquello que quedó inconcluso o directamente sin realizar que por aquellos proyectos que acabaron llegando a buen puerto; esto es, que se materializaron en las películas estrenadas en todo el mundo y que dieron a su realizador una fama internacional que ya había empezado a granjearse previamente como crítico en las páginas de Cahiers du Cinéma.


Cahiers du Cinéma dedicó un número especial
ya mítico a Truffaut


Así, el volumen se abre con unos "Fragmentos de una correspondencia inacabada" firmada al alimón por el realizador Javier Rebollo y el propio Losilla: un acercamiento personalísimo -como debe ser, al fin y al cabo, cualquier acercamiento que se pretenda sincero y lúcido en lo referente al autor de La chambre verte-, muy apropiado para inaugurar un estudio de un director que hizo de la palabra escrita, en general, una fuente inagotable de inspiración aun cuando no adaptaba un texto literario previo.


Catherine Deneuve y Gérard Depardieu:
dos grandes estrellas para El último metro


En la primera parte del volumen, los críticos José Enrique Monterde, Àngel Quintana, José Antonio Hurtado, Nuria Vidal, José María Latorre, Antoine de Baecque -este, cofirmante de una completísima biografía de Truffaut editada en España por Plot- y Quim Casas, reflejan "Los lugares comunes" que han condicionado el estudio de la obra del realizador galo: sus orígenes como crítico de cine, su vinculación con sus padres artísticos Jean Renoir y Roberto Rossellini, la influencia del cine de género norteamericano, la sombra de Hitchcock -recordemos el fundamental Le cinéma selon Hitchcock, conversación entre los directores de Los pájaros y La piel suave y que ha pasado a la posteridad como "el mejor libro sobre cine jamás escrito", o la amistad -y posterior ruptura, con todas las salvedades que se quiera- que unió a Truffaut y a su compañero de generación Jean-Luc Godard, son algunos de los temas tratados bajo este epígrafe.


De izda. a dcha.: Claude Lelouch, Godard, Truffaut,
Louis Malle y Roman Polanski


En este apartado merece una mención especial el texto "François y los otros", donde Nuria Vidal arma una "falsa mesa redonda" -como las "falsas entrevistas" tan queridas por el propio Truffaut- a partir de distintas declaraciones de los miembros de la llamada, según acepción acuñada por Jacques Rivette, "La banda de los cuatro": Eric Rohmer, Godard, Truffaut y el propio Rivette... Los cuatro realizadores que, junto con el recientemente fallecido Claude Chabrol, conforman el núcleo duro de la célebre (y celebrada) Nouvelle Vague.


Jeanne Moreau, protagonista femenina de Jules y Jim


Acto seguido, el apartado "La comunidad sin lugar" recoge textos firmados por Adrian Martin, Núria Aidelman, José Luis Castro de Paz, Gonzalo de Lucas, Núria Bou & Xavier Pérez, Imma Merino, Carlos F. Heredero -a la sazón director de la edición española de Cahiers- y Violeta Kovacsics, todos ellos acercamientos más originales y personales a temas específicos de la filmografía de Truffaut, como su tratamiento de la infancia -sobre todo en Los cuatrocientos golpes y La piel dura-, el personaje de Jeanne Moreau en Jules y Jim o las reminiscencias de su mirada en el cine de sus seguidores, como Arnaud Desplechin, Wes Anderson -concretamente, en Viaje a Darjeeling- o Tsai Ming-Liang, cineasta asiático que ha adoptado al actor Jean-Pierre Leaud, el inolvidable Antoine Doinel de Truffaut, en un par de títulos de su filmografía.


Truffaut dirige a Jean-Pierre Leaud y Jacqueline Bisset
en
La noche americana


Completan el volumen un repaso a la bibliografía universal existente sobre Truffaut, con especial atención al material disponible en castellano, así como los apéndices habituales: filmografía, resúmenes de los diferentes ensayos en euskera e inglés, y un par de índices, de películas y onomástico. El resultado es un volumen de lectura indispensable para acercarse a y entender mejor la obra de uno de los directores más controvertidos y a la vez más admirados, más modernos y al mismo tiempo más deudores del legado de sus maestros, del cine del siglo pasado.

martes, 31 de mayo de 2011

El pasado es el destino

[Nota de prensa]

Ediciones Cátedra publica El pasado es el destino. Propaganda y cine del bando nacional de la Guerra Civil, de Rafael R. Tranche y Vicente Sánchez-Biosca

La Filmoteca Española acogerá durante el próximo mes distintas actividades en torno a la obra y su temática


El pasado es el destino. Propaganda y cine del bando nacional en la Guerra Civil, coeditada por Filmoteca Española y Ediciones Cátedra, es el fruto de la investigación que a lo largo de seis años han realizado Rafael R. Tranche (Universidad Complutense de Madrid) y Vicente Sánchez-Biosca (Universidad de Valencia) sobre las estrechas relaciones entre propaganda, medios de comunicación y cine del llamado bando nacional durante la Guerra Civil y la posguerra.




El objeto de este libro es el cine, una forma moderna de expresión artística y cultural que despertó el interés, y aun el ansia, de los totalitarismos y, en el caso que nos ocupa, de los fascismos, que descubrieron que a través de la imagen podían transmitir emociones y adoctrinar a la población de forma rápida. En el corazón de estas operaciones está el Departamento Nacional de Cinematografía (1938-1941), que puso en pie una producción eficaz compuesta por una veintena de documentales y el Noticiario español.




La obra de Tranche y Sánchez-Biosca aporta una nueva mirada del cine de la época tanto desde el punto de vista histórico como desde el fondo y la forma de los ejes principales de la propaganda, analizando sus imágenes (que ofrece por primera vez, tal y como fueron concebidas, en el DVD que incluye esta edición) en relación con el conjunto de la producción nacional y como respuesta a las iniciativas del bando republicano. Todo ello permitirá al lector adentrarse en uno de los períodos más convulsos de nuestra historia reciente, aunque el clamor de las palabras y lo hiriente de las imágenes parezcan ya muy lejanos.




Con motivo de la publicación de esta obra, se llevará a cabo en la Filmoteca Española (Cine Doré. C/ Santa Isabel, 3) diversas actividades que darán comienzo hoy martes 31 de mayo a las 20:30 horas con la proyección del DVD que acompaña al libro, y continuando el día 1 de junio a las 18:30 h. con una mesa redonda "Imágenes para hacer Historia" en la que intervendrán Xosé Manuel Núñez Seixas (historiador), Carlos García-Alix (pintor y cineasta) y los autores del libro. Igualmente, también se llevará a cabo el ciclo "Guerra Civil y Cine" en los siguientes días del mes de junio.

viernes, 27 de mayo de 2011

A vueltas con Buñuel

En la columna de hoy de Abandonad toda esperanza para El Periódico de Villena, y con el reciente estreno de Midnight in Paris de Woody Allen como excusa, comentamos un par de libros de cine dedicados a Luis Buñuel: Los años rojos de Luis Buñuel y Buñuel insólito. Pueden leer la columna aquí.


Luis Buñuel

martes, 17 de mayo de 2011

Comienza la Historia mundial del cine

[Nota de prensa]

Un texto imprescindible para los amantes del séptimo arte

Ediciones Akal os invita a conocer la Historia mundial del cine, el proyecto más ambicioso y actualizado de historia del cine escrito en cualquier lengua (el original italiano lo publicó Einaudi entre 1999 y 2001. La edición que prepara Akal se enriquecerá con nuevos textos que analizan los acontecimientos más importantes ocurridos en el mundo cinematográfico de la primera década del siglo XXI).



"Un empeño difícil, dada la envergadura y complejidad de la empresa, pero con un resultado incuestionable..."
- ElReceso.com

"Considero prioritario dar a conocer su interés, al tiempo que es necesario señalar que no es libro para ser leído de corrido, ni tampoco se trata de un libro de consulta a modo de diccionario. Más bien puede haber temas sobre los que uno busque iluminación, y en los que el lector, tras sumergirse en el artículo correspondiente, va a salir más que satisfecho."
- José María Aresté, DeCine21.com

Absolutamente imprescindible y único en el panorama editorial español por su calidad, extensión y exhaustividad.



La obra se compondrá de siete volúmenes escritos por los especialistas más prestigiosos del mundo en sus respectivos campos.

Plan de la obra:
- Estados Unidos I *
- Estados Unidos I **
- Europa. Mitos, lugares, II
- Europa. Las cinematografías nacionales, III *
- Europa. Las cinematografías nacionales, III **
- América, Asia, África, Oceanía. Las cinematografías nacionales, IV
- Teoría, instrumentos, memoria, V

jueves, 12 de mayo de 2011

Cine y género en España, Premio Muñoz Suay de la Academia

[Nota de prensa]

La obra publicada por Ediciones Cátedra Cine y género en España,
galardonada con el Premio Muñoz Suay de la Academia


El libro señala que la desigualdad de sexos sigue existiendo en nuestro cine




La obra publicada por Ediciones Cátedra, en coedición con Universitat de Valencia e Instituto de la Mujer, Cine y género en España, ha sido el texto seleccionado por la Junta Directiva de la Academia de Cine para recibir el Premio Muñoz Suay 2011.

Conocer el estado en que se encuentra la igualdad de género en el cine nacional fue la premisa para elaborar este exhaustivo informe firmado por Fátima Arranz, Pilar Aguilar, Javier Callejo, Pilar Pardo, Inés París y Esperanza Roquero; y perteneciente a la reconocida y anteriormente galardonada colección "Feminismos" de Ediciones Cátedra.

Para la directora de la obra, Fátima Arranz, "este premio es el reconocimiento a un trabajo que tiene un enfoque sociológico, lo que es muy novedoso en este área".


Gracia Querejeta


A principios de 2007 se inició una investigación a través del análisis de películas y conversaciones con numerosos directores/as, originando como respuesta un muestreo que recoge que, entre 2000 y 2006, solo el 10% de los cineastas eran mujeres, porcentaje que para el caso de las guionistas fue del 15% y del 10% para las productoras.

Arranz expone que "esta tendencia no es alentadora porque los datos no han variado mucho. Si hoy se repitiera la investigación, la diferencia sería mayor. En términos relativos, cada vez hay menos mujeres jóvenes directoras que hombres porque no se han puesto en marcha acciones positivas potentes para que la situación cambie. A nuestro cine le resultaría de gran ayuda que los productores comprendieran que hay otra forma de entender el mundo y las relaciones".


Isabel Coixet


La escasa representación femenina en el audiovisual nacional se confirma en este libro. "Si solo hay una mirada, el audiovisual se queda cojo, solo hay sobrerrepresentación femenina en los sectores de maquillaje, peluquería y vestuario".

La Academia, que entregará el galardón el próximo 26 de mayo, creó este premio en 1997 para apoyar y fomentar la investigación historiográfica sobre el cine español. El galardón lleva el nombre de Ricardo Muñoz Suay (Valencia, 1917-1997), uno de los intelectuales, críticos, cineastas e investigadores más importantes de España, y está destinado a reconocer los mejores trabajos de investigación histórica sobre Cine Español.

lunes, 9 de mayo de 2011

JOSÉ LUIS LÓPEZ VÁZQUEZ

José Luis López Vázquez. Biografía autorizada
Luis Lorente
Madrid, Foca, 2010
448 pp. - 24 €



Cuando murió José Luis López Vázquez nos dejó, a opinión del que esto firma, no solo uno de los más grandes actores de nuestro cine, sino también -al menos durante varios lustros- el más infravalorado y peor enjuiciado, a raíz de su participación en películas de bajo calado que no estaban a la altura de su amplitud de registros como intérprete. Menos mal que luego llegaron algunos realizadores, con Carlos Saura a la cabeza, que supieron ver en el actor madrileño el talento que escondía su figura tan poco esbelta y su particular cadencia al hablar.


El gran López Vázquez nos dejó en 2009


De todo ello da buena cuenta Luis Lorente en esta José Luis López Vázquez. Biografía autorizada que a finales del año pasado editaba Foca. Y tan autorizada... El autor, a la sazón novelista, cuentista y poeta además de guionista para televisión, ha despuntado particularmente como dramaturgo, y entre su producción como tal destaca Tres hombres y un destino, su mayor éxito hasta la fecha de la mano de un trío de actores irrepetible que ya no están entre nosotros: Agustín González -cuya muerte ocasionó la interrupción de las representaciones-, Manuel Alexandre y el propio López Vázquez.


El inolvidable trío protagonista de Tres hombres y un destino


Así se fraguó una relación de íntima amistad que desembocó en la redacción de este libro, que ha contado con la participación activa del actor: de hecho, en lugar de estar armado como un texto narrativo que se lee seguido y de esos que se suele decir, en el caso de resultar atractivo, que "se lee como una novela", Lorente ha optado por darle una apariencia de suerte de diálogo entre los dos amigos, el protagonista y su interlocutor, incluyendo testimonios en primera persona del primero puntuados por comentarios del segundo a modo de narrador.


Con el Goya de Honor que premiaba toda su carrera como actor


En esta estructura radica el aspecto más original del libro, y que aunque también presenta algún rasgo negativo -a veces la cordialidad entre ambos, que genera un diálogo coloquial, socava la calidad literaria del texto-, acaba por acercar al lector la figura de este intérprete irrepetible que debutara en el cine y el teatro como diseñador de vestuario, antes de atreverse a sustituir a un actor que no pudo realizar su cometido y así descubrir para el mundo y para sí mismo una vocación que hasta entonces había permanecido oculta.




Desde su debut en 1946 a las órdenes de Enrique Herreros en María Fernanda, la Jerezana, hasta 2007 con el largometraje ¿Y tú quién eres? -que volvió a unirle al realizador Antonio Mercero y al actor Manuel Alexandre-, más de 250 trabajos conforman una filmografía que, como dijimos, no siempre estuvo a la altura de las circunstancias. No obstante, hoy podemos recordar al actor tanto en su cometido en el género de la comedia, sin duda aquel que le convirtió en una figura popular, como en papeles dramáticos que en un principio sorprendieron a propios y extraños hasta que la probada valía de López Vázquez echó por tierra cualquier tipo de prejuicios.


Junto a Manuel Alexandre en ¿Y tú quién eres?


Entre sus papeles cómicos cabe destacar sus primeras colaboraciones con Berlanga (y Bardem) en Esa pareja feliz y Novio a la vista, la inolvidable El pisito de Marco Ferreri, Los tramposos de Pedro Lazaga, Atraco a las tres de José María Forqué (que reunía a la plana mayor del cine patrio de la época: Cassen, Gracita Morales, Alfredo Landa, Rafaela Aparicio, los ya citados Alexandre y González, etc.), o la exitosa saga de la La gran familia, donde compartió cartel con un actor al que ya había acompañado sobre las tablas de los escenarios: el gran Alberto Closas. Pero muy particularmente habría que destacar su vínculo con el cine de Luis García Berlanga, en filmes como Los jueves, milagro, Plácido, El verdugo (que estuvo a punto de protagonizar, pero la presión de los productores italianos obligaron al realizador a elegir a Nino Manfredi, relegando al español a un papel secundario), ¡Vivan los novios! o la trilogía formada por La escopeta nacional, Patrimonio nacional y Nacional III.


Concha López Silva, Mary Carrillo y López Vázquez:
el inolvidable trío protagonista de El pisito


Pero en 1967 llegaron Carlos Saura y su película Peppermint Frappé: el cine críptico e intelectual de Saura, en colaboración con el guionista Rafael Azcona -colaborador también de Berlanga y Ferreri en los títulos citados-, le dio a López Vázquez la oportunidad de demostrar su versatilidad. La colaboración entre ambos prosiguió con El jardín de las delicias y Mi prima Angélica, en las que el actor realizó verdaderos tours de force interpretativos que todavía hoy se recuerdan y se disfrutan con admiración.


Geraldine Chaplin, musa de Carlos Saura,
fue su compañera de reparto en
Peppermint Frappé


Pero Saura no fue el único realizador destacado que confió en su buen hacer durante los años 70: Pedro Olea le dio el papel protagonista, de un hombre que se cree licántropo influido por la luna llena, en la basada en hechos reales El bosque del lobo; Manuel Gutiérrez Aragón le confió el difícil rol principal de Habla, mudita; Francisco Regueiro, uno de los directores malditos y más personales por excelencia de nuestro cine, contó con él en Carta de amor de un asesino y Duerme, duerme, mi amor; y Mario Camus lo incluyó en el apabullante reparto coral de La colmena, esta vez según el libro de Camilo José Cela. Otros dos grandes hitos de esta década son su colaboración con el mítico George Cukor en el film Viajes con mi tía, así como su papel protagonista en el telefilm La cabina, escrito por José Luis Garci y dirigido por Mercero para RTVE, y todavía hoy uno de los programas más míticos de la historia de nuestra televisión.


La cabina: un hito de la televisión española


Las décadas siguientes fueron menos brillantes, y el actor tuvo que complementar algunos filmes más destacados con otros trabajos directamente alimenticios... Como él mismo señala en algún momento del libro, un actor español no siempre se puede permitir trabajar en lo que quiere, sino en lo que puede... y no puede arriesgarse a ser demasiado selectivo, porque su desaparición en los cines podría ocasionar que las productoras acabaran olvidándose de él. Mientras tanto, López Vázquez seguía trabajando en cine y televisión; precisamente para la pequeña pantalla se hizo la serie Los ladrones van a la oficina, un gran éxito de audiencia que le dio popularidad para nuevas generaciones de espectadores.


Sus amigos Fernando Fernán-Gómez y Manuel Alexandre
también participaron en Los ladrones van a la oficina


En el presente libro, finalizado poco después de su desaparición, López Vázquez no solo habla de su trabajo, sino también de sus gustos como consumidor cultural, y en particular como cinéfilo: habla de las películas, directores y actores a los que admiraba de pequeño, e incluso escribe para la revista Fotogramas una serie de comentarios críticos de varios de los filmes proyectados en el Festival de Chicado de 1972, donde su película Mi querida señorita de Jaime de Armiñán -otro de sus papeles más justamente recordados- fue recibida con el aplauso unánime de la crítica especializada.


En Mi querida señorita realiza uno de los trabajos
más recordados de su carrera


De esta forma, los testimonios de ambos, López Vázquez y Lorente, se suman para dar como resultado el retrato humano y profesional del primero, en una obra que se complementa con un aparato de documentos adjuntos de lo más interesante y revelador -con múltiples reproducciones facsímiles-, así como cuatro cuadernillos de fotografías en blanco y negro y color que dan buena cuenta de toda una vida dedicada al cine y al teatro, la de un actor que no necesita de este libro para ser inolvidable. No obstante, bienvenida sea una lectura tan agradable, amena y enriquecedora como esta, y que sirva a modo de homenaje de uno de los más grandes hombres de nuestro cine.

lunes, 18 de abril de 2011

LA BESTIA EN LA PANTALLA

La bestia en la pantalla. Aleister Crowley y el cine fantástico
AA.VV. (Jesús Palacios, coord.)
San Sebastián, Donostia Kultura, 2010
330 pp. - 22 €



Fiel a su cita anual con los cinéfilos irredentos del fantastique, y un año después de aquel espléndido "Métal Hurlant" y el cine fantástico, la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián publicaba el año pasado este La Bestia en la pantalla. Aleister Crowley y el cine fantástico, volumen decimotercero de esta colección indispensable, y como el anterior y otros muchos de la misma, coordinado por el experto Jesús Palacios.

Aleister Crowley


Nadie mejor que Palacios para dirigir un proyecto como este: cualquiera que haya seguido su producción bibliográfica sabrá que la sombra de este personaje histórico, tan particular que a veces cuesta no considerar como un ente de ficción, planea sobre buena parte de la misma; de hecho, Crowley fue uno de los protagonistas indiscutibles de Desde el infierno. Una historia ocula del siglo XX, una de las obras capitales de Palacios. Y tanto es así que hasta en sus dedicatorias a los lectores este crítico emplea la máxima de la filosofía thelémica -"Haz lo que quieras será la única ley"- que rigió siempre la vida de este filósofo y escritor satanista, miembro de la Golden Dawn y figura de culto para esotéricos del más variado pelaje.



Considerado por muchos como "el peor hombre del siglo XX", Aleister Crowley es una figura íntimamente unida no ya solo al cine fantástico, sino al devenir del propio arte cinematográfico desde que David W. Griffith convirtió en manifestación artística el invento técnico de los hermanos Auguste y Louis Lumière. Pese a ello, no existía hasta la fecha ningún análisis historiográfico y/o crítico, mucho menos escrito en español, acerca del vínculo existente entre ambos. Así pues, este volumen viene a rellenar un hueco imperdonable en la bibliografía universal sobre cine.

Nosferatu


Como ocurre siempre con esta colección, el presente volumen presenta autoría colectiva, y Palacios se ha encargado de reunir a una nómina de expertos imbatible: inaugura el volumen Frank G. Rubio, desde siempre interesado en el lado oculto y esotérico de la realidad, y encargado aquí de realizar una semblanza biográfica del que fuera apodado como 'la Bestia'. Acto seguido, Luciano Berriatúa -reputado historiador particularmente vinculado al cine expresionista en general y a Nosferatu en particular- contempla la relación de Crowley con el cine silente alemán, y en concreto con El estudiante de Praga y la citada película de Murnau.

Kenneth Anger


Por su parte, Pedro Porcel analiza la figura de Crowley como espectador y cinéfilo, y el propio Palacios realiza una guía de nombres -estructura que en varias ocasiones emplearía en sus colaboraciones con la revista de Manuel Valencia 2000 maníacos- de personalidades vinculadas a Crowley y/o la magia thelémica en el seno del séptimo arte: de Kenneth Anger, director experimental de títulos como Fireworks o Inauguration of the Pleasure Dome, a Harry Smith, figura clave de la contracultura norteamericana, pasando por el realizados español de culto Carlos Atanes, el director de cine de serie B Curtis Harrington -recordado sobre todo por los filmes de ciencia ficción terrorífica Night Tide y Queen of Blood-, el inimitable escritor, guionista de cómic, cineasta y psicomago Alejandro Jodorowsky o E. Elias Merhige, director de aquella memorable cinta sobre el rodaje de Nosferatu La sombra del vampiro, donde John Malkovich y Willem Dafoe encarnaron respectivamente al director y al protagonista de este clásico del cine.

Perdurabo


Posteriormente, Robert A. Haller y Antonio Weinrichter glosan respectivamente las figuras de Kenneth Anger y Harry Smith, mientras que el citado Atanes comenta breve pero sustanciosamente la relación de Crowley con su propia obra audiovisual -particularmente con su film Perdurabo-, una filmografía inédita en los circuitos comerciales pero muy comentada en los festivales especializados de medio mundo, así como en la red.



Acto seguido, Palacios se lanza de nuevo al ruedo, esta vez para realizar un repaso a aquellas películas inspiradas en cierta manera en la vida y milagros de Crowley, convertido en "supervillano" de ficciones de índole diversa. Destacan en este recorrido cintas como La novia de Frankenstein de James Whale, Satanás de Edgar G. Ulmer, La semilla del diablo de Roman Polanski, y muy particularmente dos joyas del cine de terror como La noche del demonio de Jacques Tourneur o la muy reivindicable The Devil Rides Out de Terence Fisher y escrita por el gran Richard Matheson. Igualmente, no hay que olvidar las andanzas de villanos tan carismáticos como el Dr. Phibes al que encarnara en un par de ocasiones Vincent Price o al Zé do Caixao creado por el brasileño José Mojica Marins.

Zé do Caixao


Textos de Carlos Arenas, Adolfo Reneo -que analiza la relación de Crowley con la historieta-, Antonio José Navarro y Charly Álvarez completan la nómina de autores del cuerpo central del volumen. Pero, como siempre, aún hay más: en los "Apéndices" de los que suelen disfrutar las entregas de esta colección podemos leer al propio Crowley ejerciendo de crítico cinematográfico en las páginas de Vanity Fair allá por junio de 1917, así como un fragmento de la Autobiografía de William Somerset Maugham en la que el escritor comenta cómo conoció a Aleister Crowley y cómo este inspiró al personaje protagonista de su novela El mago.



Por si esto fuera poco, el volumen nos da la oportunidad de leer el soberbio cuento "El maleficio de las runas", del maestro de la literatura de fantasmas M. R. James, que sirvió de inspiración a Tourneur a la hora de rodar la citada La noche del demonio, todavía hoy una de las mejores películas de este maestro del fantástico. Por su parte, Ian Fleming -creador del popular James Bond-, cierra estos "Apéndices" con un fragmento de su novela Casino Royale, recientemente llevada al cine con Daniel Craig en la piel del agente 007.

La noche del demonio


Unas completísimas filmografía y bibliografía, divididas en varios apartados, y unos muy útiles índices onomástico y de obras cierran, pues, este La Bestia en la pantalla, libro de importancia capital por lo inusual de su contenido y lo riguroso de su tratamiento.